20 известни произведения на изкуството и техните куриози

20 известни произведения на изкуството и техните куриози
Patrick Gray

Прочутите произведения на изкуството в историята имат силата да очароват и да стимулират любопитството на хората от момента, в който получат признание и проекция.

Много от тези творби имат истории и любопитни факти, които често не стават достояние на широката общественост.

Затова подбрахме емблематични и добре познати творби и ви представяме някои от любопитните факти около тях.

1. пиета от Микеланджело (1498-1499)

Една от най-известните скулптури в историята на изкуството е Pietá на която е изобразена Дева Мария с безжизнения Исус в ръцете ѝ.

Скулптурата може да се види в базиликата "Свети Петър" във Ватикана и е изработена между 1498 и 1499 г. от ренесансовия художник Микеланджело.

Любопитното, което малцина знаят за творбата, е, че тя е единствената, подписана от художника Името му може да бъде прочетено на знаме през гърдите на Дева Мария, което гласи: MICHEA[N]GELVS BONAROTVS FLORENT[INVS] FACIEBAT. Преводът на фразата гласи: Микеланджело Буонароти, флорентинецът, направи.

Художникът включва името си едва след като произведението вече е предадено. Подписът е положен в момент на гняв, тъй като се носят слухове, че авторството принадлежи на някой друг, поради младата възраст на Микеланджело.

Затова, за да разсее съмненията, геният решава да отбележи името му върху скулптурата, с което той също остава в историята.

2. "Мона Лиза" на да Винчи (1503-1506)

Най-известната картина в света е и едно от произведенията с най-любопитни факти и загадки. Мона Лиза ( La Gioconda (италиански) е малка картина с размери 77 x 53 cm, която се намира в музея "Лувър" в Париж.

Това маслено платно върху дърво, нарисувано от Леонардо да Винчи между 1503 и 1506 г., изобразява портрет на млада жена със загадъчен поглед и усмивка.

През 2015 г. бяха проведени високотехнологични изследвания за проверка на различните слоеве боя и беше установено, че в действителност има, четири отделни портрета в творбата трима от тях бяха скрити зад Мона Лиза които познаваме днес.

Друг интересен любопитен факт, открит в същото проучване, е, че противно на представите, Да Винчи е нарисувал мигли и вежди на портрета, но в действителната картина това не се забелязва.

Освен това платното е било откраднато още в началото на XX век По онова време се подозира художникът Пабло Пикасо, но по-късно се установява, че бивш служител е изнесъл творбата от музея и се е опитал да я продаде.

Има много спекулации и истории около Мона Лиза което допълнително допринася за неговата слава.

Крясъкът, Мунк (1893)

Викът е едно от онези произведения на изкуството, които се превръщат в икона на исторически момент и, нещо повече, превеждат един много специфичен вид чувство: мъка.

Нарисувана от норвежеца Едуард Мунк през 1893 г., творбата има 4 версии .

Експертите твърдят, че ужасената фигура, която виждаме в центъра на изображението, е вдъхновение от перуанска мумия присъства на изложба през 1850 г. в Париж.

Платното е било откраднато и от Националната галерия в Осло, Норвегия. кражбата е станала през 1994 г. и крадците са имали дързостта да оставят бележка на място, в която благодарят за липсата на охрана. на следващата година творбата е намерена, а охраната на галерията е засилена.

Момиче с перлена обица, автор Вермер (1665)

Най-известната творба на холандеца Йоханес Вермеер е Момиче с перлена обеца от 1665 г.

Славата му е огромна, а картината стига до кината през 2003 г. с филм, който разказва в художествена форма как е протекъл процесът на създаване на платното и връзката на художника с модела.

Вижте също: Франкенщайн, Мери Шели: резюме и разсъждения за книгата

Всъщност за него се знае малко, само че вдъхновяващата муза е млада жена, изобразена със спокойствие и известна чувственост, която се забелязва в разтворените ѝ устни.

Бижуто, което виси на ухото ѝ, се откроява на екрана, като разкрива блясък, подобен на този в устните и очите ѝ.

Любопитно е също така да се отбележи, че в действителност художникът не е вмъкнал в изображението кукичка, която да свързва перлата с ушната мида на младото момиче.

По този начин обеца на ухото получава свръхестествена функция Можем дори да сравним реквизита със самата планета, която се носи в пространството.

Картината е толкова емблематична, че е сравнявана с Мона Лиза и получава статут на " Холандска Мона Лиза ".

Мислителят, Роден (1917 г.)

Скулптурата Мислителят на французина Огюст Роден, е едно от най-великите произведения на XX век.

Фрагмент от Мислителят

Завършена през 1917 г., тя първоначално е създадена, за да композира Вратата към ада творба, която обединява няколко скулптури и е създадена в чест на поемата на Данте Алигиери Божествената комедия .

С успеха на тази скулптура, направени са нови версии Скулпторът е създал общо дузина "нови мислители".

Първоначалното име ще бъде Поетът във връзка с Алигиери, но тъй като изобразената фигура не съвпада с тази на писателя, тя е променена на Мислителят .

Художникът осъзнава гениалността на творбата си и дори заявява:

Това, което мисли моят мислител, е, че той мисли не само с мозъка си, с веждите си, с разширените си ноздри и свитите си устни, но и с всеки мускул на ръцете, гърба и краката си, със свития си юмрук и стиснатите си пръсти.

За по-подробен анализ прочетете: "Мислителят" от Август Роден.

Абапору, от Тарсила до Амарал (1928 г.)

Когато се спомене известна бразилска картина, почти всеки се сеща за "Абапору" на Тарсила до Амарал.

Икона на първата фаза на модернизма в Бразилия, платното е проектирано през 1928 г. и е подарено от Тарсила на съпруга ѝ Освалд де Андраде.

Сравнение между живопис и скулптура Мислителят По тази причина двете творби се свързват една с друга, сякаш Абапору е своеобразен "препрочит" на скулптурата на Роден.

От друга страна, внучката на художника заявява в интервю през 2019 г., че в къщата на Тарсила е имало голямо наклонено огледало. Така показаната непропорционална фигура би била автопортрет на художника , който застанал пред огледалото и наблюдавал огромните крака и ръце, за сметка на главата.

Във всеки случай платното се превръща в символ на "антропофагизма" - движение, което има за цел да оцени бразилската култура.

Картината е една от най-скъпите в историята и несъмнено е забележителност в бразилската култура, като се оценява на 45-200 милиона долара.

Прочетете повече на: Значение на Abaporu.

Устойчивост на паметта, Салвадор Дали (1931)

Известното сюрреалистично платно Устойчивостта на паметта на испанеца Салвадор Дали, показва абсурдния образ на топящи се часовници, мравки и мухи, безформено тяло и необичаен пейзаж на заден план.

С намалени размери (24 x 33 cm), тя е създаден през 1931 г. само за пет часа по време на творческия катарзис на художника.

Историята разказва, че този ден Дали е ял сирене "Камамбер" и не се чувствал добре. Докато съпругата му се забавлявала с приятели, художникът решил да си остане вкъщи.

Изолирайки се в студиото си, той създава картината, която се превръща в една от най-важните за европейското авангардно движение.

За да навлезете по-дълбоко в анализа на тази творба, прочетете: "Устойчивостта на паметта" на Дали.

8. maman, от Bourgeois

Френската художничка Луиз Буржоа създава няколко скулптури на паяци от 90-те години на миналия век насам, една от които е известна на бразилската общественост, тъй като дълги години е стояла в парка Ибирапуера, част от колекцията на MAM (Музей на модерното изкуство в Сао Пауло).

Прочутите паяци са важни за работата на Буржоа, тъй като са свързани с детството му и спомените за работилницата за реставрация на гоблени на родителите му.

Освен това, символизира майка ви Художничката описва майка си по следния начин: "Тя беше разсъдлива, интелигентна, търпелива, успокояваща, разумна, деликатна, фина, незаменима, чиста и полезна като паяк.

Изработени са няколко версии на паяци, носещи името Maman, което означава "майка".

Венера от Мило (около 2 век пр.н.е.)

Смятана за символ на класическото гръцко изкуство, скулптурата Венера дьо Мило е открита от гръцкия селянин Йоргос Кентротас през 1820 г. на остров Милос в Егейско море.

Фрагмент от Венера дьо Мило

На събитието присъства и френският мореплавател Оливие Вутие, който насърчава Йоргос да открие парчето.

По време на разкопките са открити и други фрагменти, като ръка, държаща ябълка, и две колони с мъжки бюстове.

След преговорите творбата остава собственост на французите и понастоящем е част от музея Лувър в Париж.

По това време Франция преживява преоценка на класическата гръцка култура и е ентусиазирана от придобиването на такава реликва.

По време на откриването ѝ в основата ѝ е намерен надпис с текст: "Александър, син на Менид, гражданин на Антиохия, направи статуята".

Антиохия е турски град, основан един век след класическия гръцки период. Така, Венера Милоска не е скулптура, произхождаща от Древна Гърция .

Въпреки това французите са силно разочаровани от възможното авторство и директорът на музея Лувър наема експерти, които да анализират произведението. Тогава се твърди, че основата на скулптурата е била вградена по-късно и че Венера е изваяна от Праксител, известен гръцки скулптор в древността. Основата е изхвърлена от французите.

По-късно, след допълнително проучване, е установено, че скулптурата всъщност е дело на Александър Менидски.

Статуята е изработена от мрамор, висока е 2 метра и тежи около 1 тон.

10. фонтан, приписван на Дюшан (1917 г.)

През 1917 г. скулптурата е включена в изложбена зала Източник: , порцеланов писоар, подписан с името R. Mutt.

Произведението предизвиква скандал, тъй като поставя въпроса какво може или не може да бъде издигнато в качеството на изкуство. Така то се превръща в една от най-известните и важни творби на дадаисткото движение, диктувайки нови насоки за модерното изкуство, а по-късно и за съвременното изкуство.

Но любопитното е, че не всеки знае, че идеята за това произведение може би не е на Марсел Дюшан френския художник, който е известен със създаването на творбата, а от негов приятел художник, германеца Баронеса Елза фон Фрайтаг Лорингховен .

Тези спекулации са породени от писма на самия Дюшан, в които той заявява:

Един от моите приятели, приел псевдонима Richard Mutt, ми изпрати порцеланов писоар като скулптура; тъй като в него нямаше нищо неприлично, нямаше причина да го отхвърля.

11. звездна нощ, Ван Гог (1889)

Една от най-възпроизвежданите съвременни картини е Звездната нощ от холандеца Винсент Ван Гог.

Нарисуваното през 1889 г. платно с размери 73 x 92 см изобразява нощен пейзаж с огромно небе, което се движи спираловидно, подсказвайки за емоционалните сътресения, които е преживявал художникът.

Творбата е замислена по време на доброволния му престой в психиатричната болница в Сен Реми дьо Прованс и изобразява гледката от прозореца на спалнята му, съчетана с елементи на въображението.

Така селото и малката църква загатват за Холандия, където е прекарал младостта си.

Проучванията показват, че изобразеното небе показва точното положение на звездите в този момент. показва големи познания в областта на астрономията.

Момичетата, Веласкес (1656)

Картината Момичетата на известния испански художник Диего Веласкес, е създадена през 1656 г. и се намира в музея Прадо в Мадрид.

Изображението показва кралското семейство на монарха Филип IV и включва няколко любопитни елемента, които придават изненадваща и оригинална атмосфера, карайки зрителя да си представи цял разказ за героите.

Това е новаторска творба, тъй като разглежда перспективата по смел начин, създавайки среда с множество планове В него е изобразен и самият художник в автопортрет, в който той е представен с високомерие, в търсене на признание за професията си.

Сцената показва малката принцеса Маргарет в центъра, редом с придворните дами и придворните развлекателни фигури, като кучето и хората с увреждания вдясно.

O кралската двойка е изобразена в малко огледало до вратата.

Друг интересен въпрос, който платното подсказва, е какъв би могъл да бъде предметът на картината на Веласкес в самата картина.

За по-добро разбиране на платното прочетете: "Момичетата" от Веласкес: анализ на творбата.

Целувката, Климт (1908)

Едно от най-известните в цял свят произведения на изкуството, което понастоящем се отпечатва върху различни предмети, е Целувката на австриеца Густав Климт.

Изработено през 1908 г., платното изобразява любовта на двойка и е част от т.нар. златна фаза на художника, който използва златни листове като един от материалите .

На изображението се вижда, че на наметалото, покриващо фигурите, има кръгли, правоъгълни и малки точки в различни цветове.

A вдъхновението за подобна стандартизация идва от изображения на кръвни тромбоцити , изучавани под микроскоп по онова време, когато учените са били очаровани от откритията в новия апарат.

Години преди създаването на платното художникът вече е създавал творби, вдъхновени от медицински теми.

По този начин е възможно да се установи желанието на Климт да обедини романтичната тема с материализирането на човешкото тяло.

За да научите повече, прочетете: "Целувката" от Густав Климт.

Salvator Mundi, приписвана на Леонардо да Винчи (около 1500 г.)

Най-спорното произведение, приписвано на Да Винчи, е платното Salvator Mundi която изобразява Исус Христос в ренесансов стил.

Въпреки че има спорове относно авторството на картината, това е най-скъпото произведение, продавано някога на търг Цената, платена за маслото върху платно, е 450 милиона долара през 2017 г.

Понастоящем не е известно къде точно се намира картината, но тя е купен от саудитски принц Когато е придобита, идеята е да бъде изложена в музея "Лувър" в Абу Даби, което не се случва. днес се предполага, че е на една от лодките на принца.

Фермерът на кафе, автор Портинари (1934 г.)

Земеделският производител на кафе е картина на Кандидо Портинари от 1934 г. Сцената изобразява полски работник с мотика, големи боси крака, плантация за кафе и влак, който пресича пейзажа.

Това е една от най-представителните творби на известния бразилски художник и сътрудничество на работника Нилтон Родригес, който позира и за други платна като Местизо e Кафе .

Въпреки лошото качество на видеото си струва да видите откъс от интервюто с бившия мияч в Globo Repórter от 1980 г.

Вижте също: Филмът Interstellar: обяснение Портинари модел за кафе и други произведения

16. "Артистът присъства", Марина Абрамович (2010)

Един от най-успешните спектакли на сръбската художничка Марина Абрамович е Художникът присъства в превод Художникът присъства .

През 2010 г. в Музея за модерно изкуство (MoMA) в Ню Йорк работата е акция, в която Марина присъства на изложба на своята артистична кариера.

Тя остана седнала и се взираше в посетителите, които един по един заставаха пред нея.

Върхът на този пърформанс и причината той да получи проекция е участието на бившия ѝ партньор (и също художник) Улай, който застава лице в лице с Марина.

Марина Абрамович и Ulay - MoMA 2010

Двамата вече не поддържат контакт, но в продължение на 12 години те са любовници и партньори в няколко творби Така връзката между тях, погледите и жестовете бяха записани и развълнуваха публиката.

Серия "Силуети", Ана Мендиета (1973-1980)

Ана Мендиета (1948-1985) е важна кубинска художничка, която твори основно през 70-те години на ХХ век и се занимава с бодиарт и пърформанс, езици на съвременното изкуство, за да повдигне въпроси, свързани с феминизма.

Най-известната творба на художника е серията Силуети в която използва тялото си, за да се интегрира с природата, стремейки се да отбележи женското си тяло в света, както и духовната връзка с цялото.

Любопитството, което носим тук, не е конкретно за тази серия, а за самата художничка. размисли за тялото и насилието срещу жени и по ирония на съдбата умира при съмнителни обстоятелства, които предполагат. феминицид .

През 1985 г. художничката умира млада след кавга със съпруга си, художника Карл Андре. Тя пада от 34-ия етаж на сградата, в която живее.

Смъртта е регистрирана като самоубийство, но има сериозни доказателства, че Карл я е бутнал. 3 години по-късно съпругът ѝ е съден и оправдан.

"Предателството на образите", Рене Магрит (1928-29)

Една от иконите на сюрреалистичното движение е белгиецът Рене Магрит. Художникът обичал да си играе с образите, за да създава противоречия и отражения отвъд простото фигуративно представяне.

Известната картина Предателството на образите добре илюстрира тази особеност на творчеството му, като влиза в историята на изкуството като предизвикателство и провокация.

На платното виждаме картина на тръба и фраза на френски език, която гласи: "Това не е тръба." По този начин художникът подчертава разликата между изображението и самия обект.

Картината е нарисувана през 1928 г. и в момента се намира в Окръжния музей на изкуствата в Лос Анджелис.

Любопитното е, че по време на представянето на тази работа тя е била много обсъждана, като е станала противоречив и неразбран .

Голямата вълна на Канагава, Хокусай (1820-30)

Една от най-известните японски дърворезби е Голямата вълна в Канагава създадена около 1820 г. от Хокусай, майстор на японската печатна техника укийо-е.

Образът е известен в цял свят, очаровайки публиката с богатите детайли и драматичния характер на морето. Но любопитното е, че намерението на художника е било да изобрази основно планината Фуджи на фона на пейзажа.

Работата е част от серията "Тридесет и шест изгледа на планината Фуджи", в която планината е показана в различни периоди от годината и от различни места.

В края на XIX в. японското изкуство става популярно на Запад. Тази творба, от която са направени много копия, става известна на европейските колекционери и в много музеи се съхраняват репродукции на творбата.

По този начин японските гравюри на дърво - и тази в частност - стават източник на вдъхновение за европейските художници допринася за творчеството на Ван Гог, Моне, Климт, Мери Касат и много други.

20. жълт дом, Анита Малфати (1915)

През 1917 г., пет години преди Седмицата на модерното изкуство, Анита Малфати организира изложба в Бразилия, на която показва творбите си, създадени по време на следването ѝ в чужбина.

Жълтият човек е част от тази изложба, както и от Седмицата на 22, и е едно от най-впечатляващите му произведения.

Формите и цветовете, използвани от художника в тази творба, предизвикват полемика по времето, когато модерното изкуство все още навлиза в страната.

Мъжът, представен от Анита, според нея е образът на беден италиански имигрант с поглед на безпомощен човек .




Patrick Gray
Patrick Gray
Патрик Грей е писател, изследовател и предприемач със страст да изследва пресечната точка на творчеството, иновациите и човешкия потенциал. Като автор на блога „Култура на гении“, той работи, за да разгадае тайните на високоефективни екипи и личности, които са постигнали забележителен успех в различни области. Патрик също е съосновател на консултантска фирма, която помага на организациите да развиват иновативни стратегии и да насърчават творчески култури. Работата му е представена в множество публикации, включително Forbes, Fast Company и Entrepreneur. С опит в областта на психологията и бизнеса, Патрик внася уникална гледна точка в своето писане, съчетавайки научно обосновани прозрения с практически съвети за читатели, които искат да отключат собствения си потенциал и да създадат по-иновативен свят.