Michelangelon Daavid-veistos: teoksen analyysi

Michelangelon Daavid-veistos: teoksen analyysi
Patrick Gray

Michelangelon Daavid (1502-1504) on yksi kaikkien aikojen suurimmista taiteen neroista, ja se on loistava veistos, joka on valmistettu massiivisesta marmorista ja joka on yli 4 metriä korkea ja yli 5 metriä korkea jalusta mukaan luettuna.

Taiteilijalta vuonna 1501 tilattu Daavid on yksi renessanssin symboleista, ja sitä voi nykyisin ihailla Galleria dell'Accademiassa Firenzessä, Italiassa.

Michelangelon Daavid

Työn analyysi

Daavid ilman Goljatia

Veistos viittaa raamatulliseen tarinaan Daavid ja Goljat, jossa Daavid (vasta poika) kukistaa jättiläisen ja ylimielisen Goljatin (filistealainen sotilas) ja auttaa näin israelilaisia voittamaan taistelun filistealaisia vastaan.

Katso myös: Matriisi: 12 päähenkilöä ja niiden merkitykset

Tätä tarinaa on esitetty monesti eri tavoin, mutta Michelangelo poikkeaa aiemmista esityksistä veistämällä Daavidin ilman Goljatia ja ennen kaikkea jättämällä esittämättä voitokkaan Daavidin.

Tavanomaisen sijasta Daavid esiintyy tässä yksin ja taistelua edeltävässä tilanteessa. Hän astuu alasti maahan, jossa Goljat odottaa häntä, ja kantaa vain vasemmalla olkapäällään slingiä, jolla hän heittää kiven, joka tappaa Goljatin.

Vaikutukset ja ominaisuudet

Michelangelon kiintymys ja mieltymys klassiseen kuvanveistoon näkyy tässä teoksessa hyvin selvästi. Klassinen vaikutus näkyy teoksen lähestymistavassa kreikkalaiseen kouros-kaavioon. Ja myös siinä, että taiteilija valitsee lihaksikkaan vartalon, toisin kuin esimerkiksi Donatellon murrosikäisten hahmojen laihat vartalot.

Vaikka teos ilmaisee jonkin verran liikettä, se on ennen kaikkea veistos, joka esittää "toiminnan keskeytyneenä". Daavidin koko anatomia ilmentää jännitystä, pelkoa, mutta myös rohkeutta ja uhmaa. Suonet ovat laajentuneet, otsa on rypistynyt ja katse on kiivas mutta varovainen.

Yksityiskohta oikean käden laajentuneista suonista.

Myös tässä teoksessa on voimakas psykologinen ulottuvuus, kuten kaikissa Michelangelon teoksissa. Veistoksella näyttää olevan melko levoton sisäinen elämä, vaikka se on näennäisen hälisevä ja passiivinen.

Se on kaksinaisuus, joka kenties heijastelee taiteilijaa koko hänen elämänsä ajan vaivannutta ruumiin ja sielun välistä kaksinaisuutta, sillä vaikka hän ihaili ja piti ihmiskehoa täydellisenä jumalallisena ilmaisuna (josta hän teki teostensa tärkeimmän ja alkukantaisen nimittäjän), Michelangelo piti sitä myös sielun vankilana.

Mutta se oli jalo ja kaunis vankila, joka toimi inspiraationa koko hänen luomistyölleen. Katso Giorgio Vasarin (1511-1574, taidemaalari, arkkitehti ja useiden italialaisten renessanssitaiteilijoiden elämäkerran kirjoittaja) sanat Michelangelosta:

"Tämän poikkeuksellisen miehen ajatuksena oli säveltää kaikki ihmiskehon ja sen täydellisten mittasuhteiden mukaan, sen asentojen ihmeellisessä monimuotoisuudessa ja lisäksi sielun intohimoisten liikkeiden ja hurmioiden koko näytelmässä."

Yksityiskohta päähän

Samalla tavalla kivilohkareet (jotka ovat analogisia ihmiskehon kanssa) olivat myös vankiloita niissä asuneille hahmoille, jotka Michelangelo vapautti veistostekniikan avulla.

Michelangelo ottaa tässä teoksessa käyttöön täydellisen alastonkuvan, mikä oli taiteilijalle olennaisen tärkeää, sillä vain alastomana ruumista voidaan arvostaa kunnolla Jumalan korkeimpana mestariteoksena. Samoin tässä teoksessa on selvää, että taiteilija hallitsee anatomisen esitystavan täydellisesti.

Katso myös: Jane Austenin Ylpeys ja ennakkoluulo: kirjan tiivistelmä ja analyysi

Tutustu Michelangelon muihin teoksiin.

Kuriositeetit

Veistoksen oikea käsi on hieman epäsuhtainen muuhun vartaloon nähden (suurempi kuin vasen), mikä on varmasti ollut tarkoituksellista ja tapa kunnioittaa toista nimeä, jolla Daavid myös tunnettiin: manu fortis (vahvasti kädellä).

Vuonna 1527 veistos joutui ensimmäisen kerran väkivaltaisen hyökkäyksen kohteeksi, kun sitä heitettiin kivillä poliittisen mielenosoituksen aikana, jolloin veistoksen vasen käsivarsi murtui kolmeksi palaseksi. Käsivarsi on restauroitu, mutta murtumakohdat ovat nähtävissä.

Vuonna 1991 italialainen taiteilija Piero Cannata onnistui pääsemään sisään pienen vasaran kanssa ja murskasi veistoksen vasemman jalan toisen varpaan. Tuolloin teos pelastui suuremmilta vaurioilta, koska Piero Cannatan mukana olleet museovieraat puuttuivat asiaan ja pitivät veistäjän liikkumattomana poliisin tuloon asti.

Teoksen valmistumista edeltävinä vuosina yritettiin pitkään toteuttaa veistosta, joka oli tuolloin tarkoitus koristella yhtä Firenzen Santa Maria del Fioren katedraalin julkisivun pilarista ja jonka oli määrä nousta monta metriä maanpinnan yläpuolelle.

Tehtävä siirtyi kahdelle muulle taiteilijalle (Agostino di Duccio ja Antonio Rossellino), jotka eivät kuitenkaan kyenneet saattamaan teosta valmiiksi. 1501 Michelangelo palasi Roomasta Firenzeen, ja hänen kerrotaan olleen innostunut ajatuksesta toteuttaa monumentaalinen veistos.

Niinpä veistos tehtiin yhdestä ainoasta marmorilohkareesta, jonka kaksi taiteilijaa oli aiemmin hylännyt ja joka oli odottanut Michelangelon nerokasta kättä 40 vuotta.

Michelangelo sai teoksen valmiiksi kahdessa vuodessa, mutta alun perin katedraaliin tarkoitettu veistos sijoitettiin lopulta Palazzo Vecchion edustalle Rooman suuntaan katsoen (myöhemmin korvattu nykyaikaisella kopiolla). Siitä tuli lopulta kaupungin symboli demokratian voitosta Medicien vallasta.

Michelangelon Daavidin jäljennös Palazzo Vecchion edessä, Firenze.

Sijainnin muuttaminen johtui veistoksen myönteisestä ja innostuneesta vastaanotosta, ja sen valmistumisen jälkeen veistoksen lopullisen määränpään päätti sitä varten perustettu toimikunta (johon kuului nimiä kuten Leonardo da Vinci ja Boticelli).

Tällä hetkellä teoksessa vierailee vuosittain yli 8 miljoonaa kävijää, mikä ei ole ollut hyväksi veistoksen säilyttämiselle, sillä pelkästään museon läpi sitä tapaamaan marssivien kävijöiden askeleet aiheuttavat pieniä maanjäristyksiä, jotka ovat vaurioittaneet marmoria.

Tämä johti siihen, että Italian hallitus yritti vaatia teoksen omistusoikeutta (pyrkimys määritellä veistos kansallisaarteeksi) Firenzen kaupunkia vastaan, jolle se kuuluu historiallisen oikeuden mukaan, ja vei asian oikeuteen.

Tutustu myös




    Patrick Gray
    Patrick Gray
    Patrick Gray on kirjailija, tutkija ja yrittäjä, jonka intohimona on tutkia luovuuden, innovaation ja inhimillisen potentiaalin risteyksiä. Nerojen kulttuuri -blogin kirjoittajana hän pyrkii paljastamaan eri aloilla huomattavaa menestystä saavuttaneiden korkean suorituskyvyn tiimien ja yksilöiden salaisuudet. Patrick oli myös mukana perustamassa konsulttiyritystä, joka auttaa organisaatioita kehittämään innovatiivisia strategioita ja edistämään luovia kulttuureja. Hänen töitään on esiintynyt lukuisissa julkaisuissa, mukaan lukien Forbes, Fast Company ja Entrepreneur. Patrick, jolla on tausta psykologiasta ja liiketoiminnasta, tuo kirjoitukseensa ainutlaatuisen näkökulman yhdistämällä tieteeseen perustuvat oivallukset käytännön neuvoihin lukijoille, jotka haluavat vapauttaa omat potentiaalinsa ja luoda innovatiivisemman maailman.