Содржина
поп уметноста , исто така наречена поп-арт , е уметничко движење кое се појавило во ОК Соединетите Американски Држави и Соединетите Американски Држави во 1950-тите, достигнувајќи го својот врв во 60-тите.
Тоа беше пресвртница во транзицијата од модерност во постмодерност во западната култура, крстена од Лоренс Аловеј, англиски уметнички критичар, кој го измислил терминот поп-арт во 1956 година.
1. Естетиката на масите
Поп-арт беше тренд кој се обидуваше да ја доближи уметноста до секојдневниот живот на луѓето, користејќи ја естетиката на масовната култура како главна поддршка.
Спорот британски и северноамерикански уметници Американците се обидуваа да работат од елементи што ги најдоа во однесувањето и обичаите, обликувани од растечката индустријализација. Животот не треба да се одвојува од уметноста, веруваа тие.
Така, уметниците на поп-арт погледнаа во секојдневната култура за инспирација за креативниот процес. Неколку дела направени во овој контекст беа предмети произведени во големи размери, слики кои имитираат фотографии од весници и списанија, употреба на техниката на сериграфија, фрагменти од стрипови, слики на познати личности и реклами.
2. Обичните предмети како уметност
Може да се каже дека овој пулсирачки период на уметноста беше обележан со подемот на употребата на обичните и секојдневните предмети во категоријата уметнички предмети.
Конзерви, шишиња со содаи други „банални“ елементи ставаа печат на големи панели, со што ја изнесоа на виделина масовната култура која беше проникната во 60-тите.
Пар чорапи не е ништо помалку погодна за слика отколку масло на платно.
Роберт Рохенберг
3. Употреба на слики од познати личности
Како што уметниците користеа слики од секојдневни предмети, тие исто така почнаа да користат слики од познати личности во нивните дела.
На овој начин, фотографиите на филмските ѕвезди и музиката беа репродуцирани во големи размери, вообичаено користејќи ја индустриската техника на сито печатење.
Намерата беше да се создаде паралела помеѓу предметите и луѓето кои беа многу „потрошени“ од населението. Во овој случај, оваа потрошувачка се одвиваше преку телевизијата и киното.
Како пример, имаме симболични дела на Енди Ворхол, во кои тој ја репродуцира фигурата на Мерлин Монро, Елвис Присли и Мајкл Џексон.
Така, се прави критика на самата културна индустрија, која создава современи митови и „идоли“.
4. Спротивставување на апстракционизмот
Движењето што му претходеше на поп-артот беше апстракционизмот. Сè додека, во средината на 50-тите, младите уметници како Џаспер Џонс и Роберт Раушенберг почнаа да го критикуваат јазот помеѓу уметноста и животот и да го екстернализираат дека не се идентификуваат со апстрактниот стил во тоа време во мода.
Тие веруваа дека уметноста треба да биде поблиску до обичниот граѓанин, а не завиткан во анеразбирлива атмосфера, како што беше случајот со апстрактната уметност.
5. Социјална критика
Од општеството, креаторите на поп-арт го критикуваа самото општество : прекумерна потрошувачка, безгранично капиталистичко однесување, нескротливи секојдневни навики на северноамериканците.
Меѓутоа, тие ги користеа токму елементите што ги критикуваа за да ја создадат својата уметност, со што создадоа продукција која беше спротивна на потрошувачката, но се хранеше со неа.
Исто така види: Книга A Viuvinha, од Хозе де Аленкар: резиме и анализа на делото6. Живописни бои
Делата произведени во тоа време почнаа да добиваат контури со многу силни, флуоресцентни бои и одредена осветленост. Класичен пример е Бананата , осветена од Енди Ворхол и трансформирана во корица на плоча од рок групата The Velvet Underground .
A banana (1960), од Енди Ворхол.
Друг пример за вредноста што љубителите на поп-арт ја припишуваат на осветленоста е создавањето на делото Мики Маус , исто така од Енди Ворхол. Во него, уметникот избра да направи позадина со дијамантска прашина за да предизвика светлосен ефект на делото:
Мики Маус (1981), од Енди Ворхол.
Дела и уметници на поп-арт
1. Што е тоа што ги прави денешните домови толку различни, толку привлечни? (1956), од Ричард Хамилтон
Ричард Хамилтон бил инженерски цртач и работел во техничко цртање со години. Во одреден момент од неговата кариера,Сепак, тој избра да ги стави своите вештини во служба на покреативни продукции.
Само што е тоа што ги прави денешните домови толку различни, толку привлечни? (1956), од Ричард Хамилтон.
Колажот на Ричард Хамилтон (кој на англиски може да се преведе како Што ги прави денешните куќи толку различни, толку привлечни? ) беше прикажан во Вајтчепел Галерија во Лондон. Делото беше дел од познатата изложба Ова е утре .
Исто така види: 20 детски песни од Сесилија Меирелес кои децата ќе ги сакаатАнглискиот уметник Ричард Хамилтон беше дел од групата наречена Независна група (ИГ), формирана во 1952 г. во англиската престолнина. Критичарите сметаат дека колажот е едно од првите навистина карактеристични дела на поп-арт .
Љубопитност: Ричард Хамилтон, исто така, се потпиша на насловната страница на White Албум , албум на Битлси.
2. Супа од Кембелс (1962), од Енди Ворхол
Енди Ворхол дипломирал дизајн и работел како илустратор за големите списанија како Вог, Харперс Базар и Њујоркер. Работел и како публицист и секогаш бил заинтересиран за елементите на масовната култура.
Супа од Кемпбелс (1962), од Енди Ворхол.
Ворхол ја користел во многу негови дела сериграфската техника за претставување на масовно производство правејќи критика на безличноста на масифицираниот објект . Во сетот со наслов Конзерви за супа од Кембел наоѓаме колекција од 32 платна, секое насликано во знак на почит на 32-те сорти на супи што ги нуди компанијата Кембел на северноамериканскиот пазар.
3. Мерилин Диптих (1962), од Енди Ворхол
Ворхол исто така беше филмаџија и ентузијаст на филмскиот универзум. Неговата работа во ликовната уметност, исто така, се обиде да ги прикаже американските популарни идоли од нова перспектива.
Marilyn Diptych (1962), од Енди Ворхол.
Неговите дела како визуелен уметник имаа како главни ликови икони и јавни личности како што се Мерилин Монро, Мајкл Џексон, Елвис Присли, Марлон Брандо и Еизабет Тејлор. осветена користејќи особено механичка репродукција, примена на силни и светли бои на портрети кои веќе беа дел од колективната популарна имагинација.
4. Бакнеж V (1964) од Рој Лихтенштајн
Лихтенштајн бил добро познат по неговата уметност која се обидувала да ги цени стриповите. Неговата работа исто така мешаше реклами, реклами и секојдневни исечоци.
Kiss V (1964) од Рој Лихтенштајн.
Американскиот уметник исто така длабоко го искористи Техника за поентилисти . Неговото познато платно Kiss V е еден од примерите за употреба на оваа техника.
5. Еј! Ајде да одиме на возење (1961), од ЏејмсRosenquist
Rosenquist беше едно од најголемите имиња во поп-арт од Њујорк. Својата кариера ја започна работејќи со апстрактен експресионизам, но набрзо мораше да се сврти кон создавање рекламни постери за да преживее.
Еј! Let's Go for a Ride (1961), од Џејмс Розенквист.
Идниот уметник, во момент на размислување, направи паралела помеѓу неговите две активности:
Розенквист фаворизиран во неговата работи колажи направени од референци многу различни од секојдневниот живот како што се илустрации на храна, делови за автомобили, реклами, политички реклами.
6. Знаме (1955), од Џаспер Џонс
Американскиот сликар беше еден од пионерите на поп-артот и ја развиваше својата работа главно од мапи, знамиња, цели и броеви .
Flag (1955), од Џаспер Џонс.
Затоа, тој на крајот стана познат како донекаде националистички уметник. Џаспер беше еден од главните луѓе одговорни за носењето на северноамериканската култура во Европа.
Креаторот ја искористи класичната иконографија , едноставна и симболи кои можеа да допрат до сите луѓе, како што и припаѓаа колективната имагинација. Со текот на времето, Џонс почнал да инвестира во употреба на вистински предмети на платно како што се лименки, четки и четки.
Љубопитност: Џаспер Џонс користел техника за сликање која се состоела одразредете ја бојата во врел восок.
поп-арт во Бразил
Во Бразил го живеевме периодот на воената диктатура (започна од државниот удар во 1964 година). Постоеше страв од цензура, поради што уметничката продукција имаше тенденција да биде повоздржана. Сепак, вреди да се истакне „Opinião 65“, настан што се одржа во Музејот на модерна уметност кој собра 17 бразилски и 13 странски уметници.
Најголемите имиња во бразилската уметност во тоа време беа: Хозе Роберто Агилар, Весли Дјук Ли, Луиз Пауло Баравели, Клаудио Тоци, Карлос Фарјадо и Антонио Хенрике Амарал.
Одличното парче од тоа време, пак, беше контроверзното и малку разбрано Паранголе , од Hélio Oiticica.
Parangolé , од Hélio Oiticica.
