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Malheureusement, l'histoire de la peinture élit généralement peu de femmes pour servir de point d'orgue, et la vérité est qu'il existe un certain nombre de femmes peintres très talentueuses qui finissent par passer inaperçues aux yeux du grand public.
Audacieuse, polémique ou souvent réservée et discrète, chaque peintre a traduit son style personnel et l'esprit d'une époque dans des toiles qui aujourd'hui, en règle générale, trouvent rarement leur place dans les musées.
Pour tenter d'atténuer cette triste réalité, nous avons séparé dix chefs-d'œuvre des arts plastiques créés par des femmes au cours des derniers siècles.
1. Le jeu d'échecs (Le jeu d'échecs) par Sofonisba Anguissola
La peintre italienne de la Renaissance a été la première femme à atteindre une renommée internationale. Très admirée par ses contemporains, Sofonisba Anguissola (1532-1625) a même été louée par Michel-Ange. Elle a ouvert la voie à d'autres femmes de son époque qui ont commencé à être acceptées dans les écoles d'art grâce à son travail de pionnière.
Le thème des tableaux du peintre de la Renaissance tournait autour des tâches ménagères, de la portraits de famille Nous avons également trouvé de nombreux autoportraits, registres des ménages et une série de représentations de la Vierge Marie.
Le jeu d'échecs peinte en 1555, est une huile sur toile qui appartient actuellement à la collection du musée national de Poznań. Dans cette œuvre, on voit les trois frères du peintre (Lucia, Europa et Minerva) observés par la gouvernante alors qu'ils jouent aux échecs.
La sœur aînée, à gauche, fait face au spectateur depuis l'écran et semble adopter la posture de celle qui a gagné la partie. La sœur du milieu, à droite du cadre, la regarde avec un mélange d'admiration et d'étonnement. La sœur cadette, à l'arrière-plan, probablement hors jeu, fixe la sœur plus proche d'un regard naïf et amusé.
Le talent de Sofonisba pour reproduire les imprimés - en particulier ceux des vêtements et de la nappe - avec texture et détails extrêmes est remarquable.
2. Autoportrait au mono (Autoportrait au singe), par Frida Kahlo
Les autoportraits sont caractéristiques de l'œuvre de la peintre mexicaine Frida Kahlo (1907-1954) et ont été peintes tout au long de sa carrière. Ses œuvres sont devenues célèbres dans le monde entier pour avoir récupéré une image d'elle. art coloré , riche, très local et en même temps universel.
Dans le cas de la toile ci-dessus, peinte en 1938, on voit l'artiste face au spectateur avec un petit singe sur le dos. Ce singe-araignée était en fait son animal de compagnie et s'appelait Fulang-Chang.
Le fond de la toile est une végétation riche et détaillée, peinte avec une attention particulière pour les branches et les feuilles. Le collier d'os que porte Frida fait une référence importante à l'art de la peinture. Culture mexicaine et des costumes traditionnels.
La toile, qui mesure 49,53 x 39,37, appartient actuellement à la collection de la Albright-Knox Art Gallery, située à New York.
Voyez aussi les œuvres étonnantes de Frida Kahlo.
3 - L'imbécile, par Anita Malfatti
Peinte entre 1915 et 1916, la toile A Boba fait partie de la collection du Museu de Arte Contemporânea da USP, São Paulo. Il s'agit d'une huile sur toile importante pour l'exposition. Modernisme brésilien bien qu'il fasse référence au cubisme en termes de style.
Le fond de l'écran est flou, ce qui donne le rôle principal à la femme d'âge moyen, vêtue de jaune, qui fixe par réflexe quelque chose que le spectateur n'est pas en mesure de voir.
L'œuvre, qui mesure 61 cm x 50,6 cm, est de la Brésilienne Anita Malfatti (1889-1964), l'un des grands noms de la peinture moderniste.
4. Autoportrait en Sainte Catherine d'Alexandrie (Autoportrait en sainte Catherine d'Alexandrie) par Artemisia Gentileschi
Le cadre Autoportrait en Sainte Catherine d'Alexandrie a été peinte vers 1615 par l'artiste italienne Artemisia Gentileschi (1593-1653). œuvre baroque L'œuvre fait aujourd'hui partie de la collection de la National Gallery de Londres.
Fait curieux concernant l'institution qui abrite la toile : sur les 2 300 œuvres appartenant à la collection de la National Gallery, seules 24 ont été réalisées par des femmes peintres, alors que la National Gallery de Londres abrite des œuvres de 21 femmes.
Femme courageuse et avant-gardiste, Artemisia Gentileschi a connu une triste histoire : à l'âge de 17 ans, elle a été violée par le peintre Agostino Tassi, un ami de son père.
Bien que dans la toile ci-dessus elle adopte une posture plus sage, Artemisia est devenue célèbre pour ses représentations de la vie quotidienne. femmes fortes Ses mécènes sont le roi Philippe IV d'Espagne, la famille Médicis et le grand-duc de Toscane.
5. À Albis par Beatriz Milhazes
Beatriz Milhazes (née en 1961) est l'un des grands noms de la peinture brésilienne contemporaine. résumés Le projet est très détaillé et comporte des éléments d'information sur la santé et la sécurité. des couleurs abondantes .
Après avoir conquis le Brésil, l'œuvre de Milhazes a conquis le monde et la toile À Albis est un exemple de cette internationalisation. Depuis 2001, À Albis peinte entre 1995 et 1996, fait partie de la collection du musée Guggenheim de New York.
Il s'agit d'une acrylique sur toile de grandes dimensions (184,20 cm sur 299,40 cm), comme il est d'usage dans une grande partie de la production du peintre. Le titre, inhabituel (également une caractéristique des œuvres de l'artiste), signifie "entièrement inconscient d'un sujet, sans aucune notion de ce que je devrais savoir".
Voir aussi Les 13 œuvres incontournables de Beatriz Milhazes.
6. les autruches dansantes, de Paula Rego
Le tableau Dancing Ostriches fait partie d'une série réalisée en 1995 par la peintre portugaise de renommée internationale Paula Rego (née en 1935).
Dans le cas de l'écran choisi ci-dessus, il y a un seul protagoniste, qui porte un corps musclé et fort, malgré la délicatesse exigée par la danse.
Si le décor de l'arrière-plan n'est pratiquement pas élaboré (un sol gris et un fond bleu sont peints sans aucun détail), il convient de remarquer l'accent mis sur les muscles du danseur (les bras, les jambes, les veines du cou) par rapport à la subtilité que nous transmet l'idée de la danse.
7. le Cuca, de Tarsila do Amaral
Tarsila do Amaral (1866-1973), célèbre peintre moderniste brésilien, a connu des phases très distinctes tout au long de sa carrière de peintre.
La toile ci-dessus, peinte en 1924 et donnée plus tard par l'artiste elle-même au musée de Grenoble, en France, est marquée par l'icône de l'artiste. brésilianité et prend le nom d'un personnage important de la mythologie brésilienne : Cuca.
Dans cette œuvre spécifique, Tarsila joue beaucoup avec les couleurs et les représentations d'animaux typiquement brésiliens avec une touche d'humour. aspect presque enfantin A Cuca est également important parce qu'il est considéré comme un précurseur du thème des Anthropophagie dans les peintures de Tarsila.
8. Mère nourrissant son enfant (Mère nourrissant l'enfant), par Mary Cassatt
Mary Cassatt (1844-1926) est une peintre américaine qui, bien que née en Pennsylvanie, a vécu une grande partie de sa vie en France. C'est là qu'elle a rencontré Edgar Degas et entamé une relation avec les impressionnistes, et que sa carrière a décollé.
L'écran Mère nourrissant son enfant a été peinte en 1898, suivant une tendance amorcée en 1893, lorsque Mary a commencé à porter son regard sur la relation entre les mères et les enfants.
Ses peintures mettent généralement l'accent sur la vie des femmes, et plus particulièrement sur la vie des enfants. espace domestique et les relations familiales, en mettant l'accent sur la les liens d'affection En raison de la primauté de sa technique, Mary Cassatt a été considérée comme l'un des grands noms de l'art contemporain. Impressionnisme .
9. Papillon (Papillon), de Yayoi Kusama
L'artiste japonaise Yayoi Kusama (née en 1929) est l'un des plus grands noms de l'art contemporain. Son œuvre ne se limite pas à la peinture et dépasse toutes les limites, devenant installation, performance, sculpture, collage, poésie et même roman.
Malgré les différents supports, il y a dans les œuvres une marque essentielle qui traverse tous ces univers : la en pointillés Yayoi Kusama est obsédée par la création d'une série de points et de boules. marque de l'auteur .
Papillon a été créée en 1988 et a des dimensions relativement petites (67,8 cm sur 78,7 cm) si on la compare à d'autres œuvres du peintre. Dans cette petite peinture, cependant, on trouve la genèse de l'œuvre de Yayoi : la richesse des couleurs et des détails, la minutie et le sens de la prolifération infinie.
Voir également: Analyse du tableau Independência ou Morte (O Grito do Ipiranga)10. Offre (Offrande) par Leonora Carrington
Leonora Carrington (1917-2011) est une importante peintre surréaliste mexicaine qui a développé sa carrière artistique en Angleterre. l'univers du rêve abstraites et figuratives.
Au Offre Au premier plan, par exemple, peint en 1957, on voit cinq étranges créatures élancées qui semblent participer à un rituel. Les trois personnages debout portent des lunettes rondes et sombres et assistent à la remise à une jeune fille, assise sur une chaise, d'une sorte de bâton autour duquel s'enroule un animal. Des papillons verts volent au-dessus de la scène. À droite, à l'arrière-plan, un enfant semble espionner la jeune fille et l'aider à s'approcher de la scène.curieuse rencontre.
L'écran surréaliste a été peinte à l'huile sur bois, mesure 56,2 cm sur 50 cm et se trouve actuellement au West Dean College, dans le West Sussex.
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