Tabla de contenido
Las películas de culto son las que se ganan la admiración del público y a menudo consiguen una legión de fans.
Se trata de producciones que se convierten en iconos de una generación y mantienen su vigencia a lo largo de los años.
Por eso hemos seleccionado 21 películas que han pasado a la historia del cine como cultos y que merecen ser vistas al menos una vez en la vida.
1. El club de la lucha (1999)
La película dirigida por David Fincher no fue un gran fenómeno de taquilla, pero cuando empezó a tener más visibilidad se convirtió rápidamente en un clásico de culto, bastante popular entre distintas generaciones.
El largometraje es una adaptación de una novela homónima, publicada en 1996 por Chuck Palahniuk, y seduce al espectador porque hace una serie de reflexiones sobre la sociedad en que vivimos .
El protagonista de la historia es un hombre corriente de clase media (Edward Norton), empleado de una compañía de seguros que, debido al exceso de trabajo, empieza a tener insomnio.
Cuando consulta a su médico para pedirle somníferos, éste sugiere al paciente que compruebe por sí mismo cómo es el verdadero sufrimiento asistiendo a una reunión de apoyo a las víctimas del cáncer.
Tras asistir a una reunión, finge ser un enfermo, sufre y, mediante la catarsis, resuelve su problema de insomnio. A partir de entonces, empieza a asistir a varios grupos de apoyo mintiendo sobre su identidad.
Es en el avión, en un viaje de negocios, donde conoce a Tyler Durden (Brad Pitt), un insólito fabricante de jabones. En un momento de desesperación, llama a Tyler, ambos se encuentran y, en una pelea, consiguen descargar su ira.
Poco a poco, más hombres descubren este club de lucha informal. El club crece y se traslada a otras ciudades.
La película, sorprendentemente, plantea cuestiones sobre el vacío causado por el consumismo y nuestra forma de afrontarlo. vacío existencial que sentimos .
El Club de la Lucha posiblemente se convirtió en una película de culto porque habla de un sentimiento común y generalizado de vacío interior. La película trata de nuestra sensación de ser esclavos de un sistema capitalista que nos obliga a trabajar sin ver exactamente un significado más profundo en nuestras acciones.
2. El fabuloso destino de Amélie Poulain (2001)
Amélie Poulain es una inocente y sensible joven francesa que vive y trabaja en Montmartre, como camarera. La chica pasó una infancia solitaria, ya que se crió en casa, sin ir a la escuela, supuestamente debido a una afección cardíaca.
Durante un día cualquiera, encuentra una caja misteriosa en el cuarto de baño de la casa donde vive y decide entregársela al dueño. Éste se emociona al recuperar el objeto y Amélie, a su vez, descubre su vocación, que es transformar la vida de las personas.
Su principal objetivo se convierte entonces en realizar pequeños gestos que lleven alegría a quienes la rodean. La joven empieza a marcar la diferencia en la vida del conserje del edificio, del empleado de la tienda de comestibles a la que acude, del vecino... Las pequeñas buenas acciones se reproducen cada día.
Amélie es capaz de cambiar el rumbo de quienes viven a su alrededor, pero al principio no puede hacer nada por sí misma, que vive en soledad a la espera de encontrar un gran amor.
El fabuloso destino de Amélie Poulain es un clásico de culto universal capaz de hablar de un el frecuente deseo humano de hacer el bien .
La película rebosa bondad y fe en un mundo mejor, a pesar de reconocer que incluso los que hacen el bien pueden tener una vida personal comprometida por la tristeza.
3. Belleza americana (1999)
American Beauty ha conseguido algo que pocas películas logran: convertirse en una película de culto a pesar de sacar lo peor de la sociedad: la hipocresía Para abordar el tema, el director británico Sam Mendes optó por hablar de la familia de Lester Hurham (Kevin Spacey), una familia estadounidense aparentemente tradicional.
El padre, Lester, tiene una crisis de los cuarenta que empeora aún más su relación con su mujer, Carolyn (Annette Bening) y su hija Jane (Thora Birch).
En pantalla vemos cómo la relación de la pareja es pura fachada, para mantener la imagen de familia feliz. Somos testigos de cómo es la vida en el suburbio de clase media, que aparentemente lo tiene todo, pero que en la práctica esconde una serie de traumas y frustraciones .
El largometraje, ácido y directo, golpea al espectador en el estómago al tratar temas importantes como el valor que damos a los bienes materiales y la necesidad de tener buen aspecto para lograr la aceptación del público. American Beauty también toca el tema de la represión sexual y las dificultades de las relaciones extramatrimoniales.
La película fue nominada a ocho Oscar y se llevó a casa cinco estatuillas (mejor película, mejor director, mejor actor, mejor guión y mejor fotografía).
4. El poderoso jefe (1972)
La mayor producción de Coppola La historia es una adaptación de la novela de Mario Puzo, ambientada en un contexto gansteril y sobre el universo mafioso de la familia Corleone.
En la trama, Don Vito (Marlon Brando) es el mayor nombre de los negocios ilegales en Nueva York y cuenta con un auténtico ejército de hombres leales para proteger a su familia y su negocio.
La familia es el mayor activo de Don Vito, con una hija (Connie) y tres hijos (Sonny, Fredo y Michael). El mayor, Sony, es la sangre caliente de la familia, y parece que es quien sustituirá a su padre en el negocio.
Pero por un giro del destino, es el más joven, Michael (Al Pacino), el fracasado, quien asume las responsabilidades de la mafia.
El Padrino es una película clásica sobre la mayoría de edad de Michael, sobre su deseo de vengarse de su padre y sobre la relaciones familiares complejas .
Somos testigos de cómo, en esencia, el hijo se convierte en padre y el padre en hijo, una inversión de papeles que tarde o temprano acaba ocurriendo en la vida de muchos de nosotros.
5. Kill Bill (2003)
La secuela Kill Bill, dividida en dos volúmenes (2003 y 2004) es probablemente la película más de culto firmada por Tarantino .
Su trama, extremadamente violenta, plantea la cuestión de venganza La estética de la película está muy basada en la cultura japonesa y toma referencias de las artes marciales y el manga.
La protagonista de la trama es Beatrix Kiddo (Uma Thurman), una samurái del Oeste que quiere, por encima de todo, matar a Bill, el líder de su banda. Ambos mantienen una relación amorosa, Beatrix incluso se queda embarazada, pero descubre una traición el día que iba a casarse. A partir de entonces, la fuerza que la impulsa se convierte en venganza.
Kill Bill se ha convertido en un referente para el universo geek no sólo por su historia, sino también por la complejidad de la construcción de la trama que hace que referencias a otras películas como Godzilla, además de aludir a elementos de la cultura más alternativa, como el manga.
6. El show de Truman (1998)
Hace más de 20 años, el director Peter Weir ya pensaba en un escenario en el que fuera posible seguimiento y transmisión de la vida de una persona normal y anónima en la red nacional.
En El show de Truman, el protagonista es Truman Burbank (Jim Carrey), un vendedor de seguros casado con una vida absolutamente corriente y tranquila.
Tenía un matrimonio feliz, una casa bonita y un amigo fiel. Sin embargo, algunos sucesos de su vida despiertan cierta extrañeza y, al final, Truman descubre que su historia es seguida por miles de personas porque es filmada y emitida sin su conocimiento y sin su consentimiento.
La película de culto es visionaria y anticipa el tema de los reality shows la sobreexposición de la vida cotidiana privada a través de las redes sociales y la ficcionalización de la vida ordinaria.
Al hablar de nuestra curiosidad por conocer la vida privada de Truman nos damos cuenta de nuestro deseo voyeurista, de los que desean asomarse por el ojo de la cerradura.
7. Naranja mecánica (1971)
La película clásica de Kubrick -una de sus creaciones más célebres- a pesar de haber sido estrenada a principios de los años 70 habla de temas intemporales como la corrupción, el comportamiento desviado de los jóvenes, el derecho al libre albedrío, además de plantear una serie de debates sociales y políticos.
La historia, basada en la novela de Anthony Burgess, está profundamente marcada por la violencia. Alex (Malcolm McDowell) es un joven rebelde que pertenece a una banda juvenil británica. Condenado por su delito, ingresa en prisión y acepta participar en un tratamiento psiquiátrico para reducir su condena.
El tratamiento, que consistía en ver escenas de sexo y violencia durante muchas horas seguidas, acabó traumatizándole. Desesperado, intentó suicidarse, pero afortunadamente no perdió la vida tras arrojarse por la ventana.
La historia de Alex se hace pública y el chico se convierte en una especie de mártir, en la prensa e incluso posando junto al Ministro de Defensa.
La naranja mecánica recibe elogios de la crítica por narrar crudamente Con valentía, la película retrata los pensamientos de jóvenes que arriesgan su propia vida y a menudo ponen en peligro a quienes les rodean.
8. La fantástica fábrica de chocolate (1971)
La fantástica fábrica de chocolate fue una película que marcó a muchas generaciones desde su primera versión, de 1971, hasta el remake realizado en 2005 por Tim Burton. La adaptación cinematográfica bebía del libro Charlie y la fábrica de chocolate, de Roald Dahl, publicado en 1964.
La historia del excéntrico millonario Willy Wonka ha encantado a adultos y niños por igual, que han soñado durante muchos años con encontrar el famoso boleto dorado.
La película comienza con el inesperado concurso de Wonka, que regala 5 entradas para que los niños visiten su famosa y misteriosa fábrica de chocolate.
El largometraje, que mezcla el universo de la infancia con imágenes surrealistas ambientadas en el interior de la fábrica, se convirtió en un clásico de culto cuando se proyectó y reexhibió hasta la extenuación principalmente en las cadenas de televisión en abierto. La estética surrealista de la fábrica, con trabajadores en miniatura y paisajes cubiertos de caramelos, también contribuyó a crear todo un mitología mágica el regreso de la película.
9. El viaje de Chihiro (2001)
La premiada animación japonesa creada por Hayao Miyazaki tiene como protagonista a Chihiro, una niña al principio malcriada y llena de miedos.
La joven viaja con sus padres a una nueva casa, pero algo inesperado sucede en medio del viaje: la familia toma un camino equivocado y se encuentra en problemas.
Chihiro se ve entonces obligada a enfrentarse a sus miedos para salvar a sus propios padres. Su viaje personal habla de valor y resistencia .
Aunque la historia contiene una serie de elementos surrealistas y ficticios, lo cierto es que la trayectoria de Chihiro habla del proceso de maduración común a cualquier adolescente que está a punto de entrar en la edad adulta.
El espectador de la película se deleita presenciando los momentos más difíciles de la vida de Chihiro y descubriendo las soluciones que encuentra para superar los dramas que se le presentan.
La película de culto, al tener muchas capas que leer, atrae tanto a adultos como a niños y desempeña el importante papel de introducir una serie de elementos de la cultura japonesa .
La producción es un éxito de público y crítica y fue galardonada con el Oso de Oro en el Festival de Berlín y el Oscar 2003 a la mejor animación.
10. Rocky horror picture show (1975)
El musical es una adaptación de una obra teatral representada originalmente en Londres dos años antes de que se estrenara el largometraje.
La atrevida película, que deambula entre lo esperpéntico y lo extravagante, plantea cuestiones que son relevantes incluso hoy en día, como la debate sobre los roles sociales sobre género y sexualidad.
Rocky horror picture show arroja luz, por ejemplo, sobre las normas socialmente aceptadas de feminidad y los comportamientos masculinos que se esperan.
Los dos protagonistas de la historia, que comienzan la trama perfectamente encuadrados en sus roles sociales preestablecidos, se van deconstruyendo y descubren nuevas versiones de sí mismos.
Ver también: Las 10 canciones más famosas de Michael Jackson (analizadas y explicadas)Transgresora, la película celebra la ruptura de las barreras sociales y presenta nuevos escenarios para pensar tanto en el género como en la sexualidad .
También podemos observar algunos detalles curiosos, como escenas de la película que replican cuadros famosos de la pintura norteamericana, como el lienzo American Gothic, del artista Grant Wood.
11. El Gran Hotel Budapest (2014)
Wes Anderson Ya era uno de los mimados del universo de culto por su creación Los excéntricos Tenenbaums (2001), pero se ganó un lugar definitivo en él tras el estreno de El gran hotel Budapest.
La estética de Wes Anderson, extremadamente peculiar y detallista, es lo que más llama la atención de esta hermosa película.
Ver también: Capitanes de la arena: resumen y análisis del libro de Jorge AmadoLa historia trata de un autor anónimo de mediana edad (Tom Wilkinson) que conoció de joven un lujoso y decadente hotel en los Alpes europeos. Era 1968 y el mundo aún veía los impactos de la posguerra, a pesar de que la historia transcurre en la ficticia República de Zubrowka.
El autor relata el periodo que pasó en el hotel y los curiosos personajes que allí conoció, como Gustave H., el conserje, y Zero Moustafa, su joven ayudante, capaces de satisfacer las peticiones más insólitas de los clientes.
Algunos críticos han definido la película del director estadounidense como un cuadro en movimiento y probablemente sea por su look impactante y reflexivo que The Grand Budapest Hotel se ha convertido en un clásico de culto.
12. Jesucristo superestrella (1973)
El musical religioso narra los últimos momentos de la vida de Jesucristo (Ted Neely), desde su llegada a Jerusalén hasta su crucifixión.
Aquellos últimos días conocidos por el gran público se relatan aquí de forma original: de los ojos del traidor La producción pasó del teatro de Broadway, donde fue un éxito, a la gran pantalla.
La ópera rock cinematográfica se inspira libremente en los evangelios y mezcla, en cierto modo muy original Aunque la historia no difiere de la bíblica, en la versión cinematográfica los soldados romanos llevan ametralladoras y van en tanques.
Cuando se estrenó, el mundo estaba en pleno auge del movimiento hippie y se reinventaban nuevas formas de ver la sociedad. Siguiendo los pasos de su época, la última semana de la vida de Jesucristo también fue revisitada, en el cine, de una forma diferente.
Jesucristo superestrella es un clásico de culto capaz de entregar al espectador una historia que ya conocemos exhaustivamente, pero que se vuelve a contar desde una perspectiva poco convencional.
13. Pequeña Miss Sunshine (2006)
La familia Hoover, que protagoniza la película estadounidense, es una familia poco convencional, empezando por el abuelo, que fue expulsado de un manicomio por consumir heroína. El padre, a su vez, es un conferenciante de autoayuda sin éxito, mientras que la madre es una neurótica abierta, el tío tiene tendencias suicidas y el hermano ha hecho voto de silencio.
La protagonista que mueve esta historia es Olive (Abigail Breslin), una chica torpe que un día decide participar en un concurso de belleza.
Durante unos días, su familia de inadaptados (que puede leerse como una estereotipo de los estadounidenses (considerados perdedores) dejan a un lado sus desavenencias para llevar a la chica al concurso en una vieja furgoneta Volkswagen amarilla.
Dirigida por Jonathan Dayton y Valerie Faris, la película fue nominada a cuatro premios de la Academia y se llevó a casa dos estatuillas (mejor guión original y mejor actor secundario).
A narrativa, cautivadora y original puede haber atraído al público de culto por tener el valor de contar la historia de personajes considerados todos ellos, de alguna manera, marginados sociales.
14. El Mago de Oz (1939)
La historia de Dorothy, una niña de 11 años que ve cómo un ciclón se lleva su casa a una tierra mágica llamada Oz, es un clásico que ha traspasado generaciones.
Personajes originales como el desalmado hombre de hojalata, el león sin agallas y el espantapájaros sin cerebro sorprenden al espectador, que queda cautivado por la aventura de la niña que sólo desea volver al lugar donde vivía.
Dorothy vive con sus tíos y se ve sorprendida por un viento tan fuerte, pero tan fuerte, que es capaz de levantar del suelo la casa donde vive y llevarla a Oz, una lugar con criaturas fantásticas .
A lo largo de su proceso de maduración Dorothy conoce a una serie de personajes que, de algún modo, sólo pretenden llenar sus vacíos existenciales.
La película triunfa entre el público más culto por ser capaz de hacerlo, muy magistralmente, mezclando el mundo real y el fantástico .
Históricamente también es una película importante: además de ser la más cara de su época, fue una de las primeras en mezclar imágenes en blanco y negro con imágenes en color.
15. Donnie Darko (2001)
La película de ciencia ficción de Richard Kelly fue muy poco comentada en el momento de su estreno y, de hecho, sólo tuvo éxito cuando se editó en DVD.
Con un argumento considerado por muchos supercomplejo, el largometraje genera debate al hablar de viajes en el tiempo y física cuántica .
Donnie Darko es el protagonista de la historia, un adolescente que deambula sonámbulo por su casa por las noches. En una de estas visitas nocturnas, se topa con Frank, una persona disfrazada de conejo.
Una turbina de avión se estrella sobre la casa de Donnie y a partir de entonces empieza a ser perseguido por Frank, que le da órdenes insólitas que a menudo le llevan a cometer actos vandálicos.
Mientras que la familia Darko parece bastante corriente, típicamente norteamericana, el problemático adolescente Donnie ya parece una figura fuera de serie, que tiene la capacidad de viajar en el tiempo y el poder de salvar a la humanidad.
Donnie Darko consigue ser a la vez una exitosa película de ciencia ficción y un retrato de la juventud desviada.
Más información sobre la película en: Donnie Darki: resumen, explicación y análisis.
16. Quiero ser John Malkovich (1999)
La película de Spike Jonze presenta escenarios surrealistas que intrigan y cautivan al espectador.
Un hombre corriente, interpretado por John Cusack, consigue trabajo en una oficina que tiene el techo tan bajo, pero tan bajo, que todos los empleados tienen que caminar agachados.
Es en la claustrofóbica oficina donde el hombre encuentra una puerta secreta. Al cruzar la puerta el personaje entra dentro de la cabeza de John Malkovich. Es posible permanecer dentro durante 15 minutos, y desde allí la persona es arrojada a alguna calle de Nueva Jersey.
Tras hacer su insólito descubrimiento, el personaje alquila este pasaje a algunos conocidos... y lo más curioso: incluso se lo alquila al mismísimo John Malkovich.
O guión insólito, lleno de crítica social y reflexiones pertinente, es que probablemente ha asegurado a Quiero ser John Malkovich un lugar entre los predilectos del cine de culto.
17. La vida de Brian (1979)
Probablemente la comedia de culto de todos los tiempos sea La vida de Brian, de los célebres Monty Python. La producción llegó justo después del éxito de El Santo Grial.
La sátira religiosa ficciona la vida de Brian Cohen (Graham Chapman), un judío que es una especie de mesías al igual que Jesucristo. Por una coincidencia del destino, Brian nació al lado de Jesús en el establo y es confundido recurrentemente con el mesías por los romanos.
La película, que provoca grandes carcajadas, ha causado malestar entre los más religiosos porque vuelve a contar los episodios más famosos de la vida de Jesucristo.
La vida de Brian es una especie de carga del nuevo testamento impregnada de humor inteligente.
18. Blade runner (1982)
La ciencia ficción del director británico Ridley Scott se inspira en el libro ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? (1968), de Philip K.Dick.
En realidad distópica asistimos a un enfrentamiento entre el hombre y la tecnología (representada aquí por robots dotados de inteligencia artificial).
El largometraje futurista, a pesar de tener una trama que conlleva escenarios aún inimaginables, acaba hablando de temas filosóficos como la forma en que afrontamos el tiempo, nuestra manera de construir recuerdos y las relaciones, a veces problemáticas, que cultivamos.
Visionaria, es impresionante cómo Ridley Scott consiguió plantear temas tan pertinentes y actuales aún a principios de los 80.
19. Eternal Sunshine of a Mind without Memories (Eterno resplandor de una mente sin recuerdos) (2004)
Eternal Sunshine of a Mind Without Memories es una película que aborda, por encima de todo, la permanencia del amor .
El largometraje aborda el final de una relación entre Joel (Jim Carrey) y Clementine (Kate Winslet) y habla de nuestra capacidad (o incapacidad) para olvidar un gran amor.
La historia, que roza la ciencia ficción, ficciona la posibilidad de borrar la memoria de alguien cercano.
Al no estar narrada de forma cronológica, Eterno resplandor de una mente sin recuerdos puede parecer, a primera vista, confusa o caótica. Esta supuesta confusión narrativa puede leerse en realidad como una metáfora del funcionamiento de la propia memoria.
La película de culto Eternal Sunshine of a Mind Without Memories consigue ser original tanto en su premisa como en su forma de contar la historia.
20. Escritores por la libertad (2007)
La película Freedom Writers, basada en hechos reales especialmente los interesados en los vínculos creados en el espacio de las aulas.
La protagonista, Erin Gruwell, es una profesora recién titulada que no sabe cómo tratar a sus alumnos desobedientes y a menudo agresivos, a pesar de su vehemente creencia en la capacidad transformadora de la educación .
Los alumnos que la desafían son estudiantes de secundaria y proceden de un contexto social problemático, marcado por la violencia y el racismo. Su comportamiento rebelde en el aula revela todos estos problemas vividos en casa y en la comunidad.
El largometraje se basó en el exitoso libro escrito por Erin y sus alumnos en la vida real.
La película de culto es de suma importancia porque subraya la importancia de la escuela y los profesores en la formación de futuros adultos.
21. El diario de Bridget Jones (2001)
La comedia romántica británica hizo que muchas mujeres se identificaran con Bridget Jones (Renée Zellweger), una solterona de 32 años que, el día de Año Nuevo, decide cambiar de vida.
Comienza a escribir su diario, que guarda junto a su cama, y es a través de él como conocemos al hilarante personaje y a los amigos y familiares que la rodean.
Somos testigos de la forma problemática y a la vez divertida en que se enfrenta a su propio cuerpo y a su ansiedad por encontrar pareja (acentuada con la demanda social).
Comedia ligera que aborda situaciones cotidianas, en El diario de Bridget Jones es muy fácil reconocerse en el papel de Bridget... o reconocer a algún amigo. Tal vez ése haya sido el secreto para que la película se haya convertido en una obra de culto con tantos seguidores en todo el mundo.
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