Πίνακας περιεχομένων
Στην τέχνη, ονομάζουμε παράσταση ένα είδος εκδήλωσης κατά την οποία ο καλλιτέχνης χρησιμοποιεί το σώμα σας και οι ενέργειές σας ως εκφραστικό μέσο .
O έννοια της performance art αναδύθηκε στο δεύτερο μισό του 20ού αιώνα ως γλώσσα της σύγχρονης τέχνης, η οποία επίσης αναδυόταν εκείνη την περίοδο. Ωστόσο, δράσεις παρόμοιες με την περφόρμανς είχαν ήδη πραγματοποιηθεί από ορισμένους καλλιτέχνες στο πλαίσιο της ευρωπαϊκής πρωτοπορίας.
Ο όρος, λατινικής προέλευσης parformance σημαίνει "δίνω μορφή", και μπορεί να ερμηνευτεί ως "do" , "play" .
Έτσι, το έργο κατασκευάζεται ενώ ο καλλιτέχνης το εκτελεί, συνήθως μπροστά σε κοινό, αφήνοντας μόνο φωτογραφικά και βιντεοσκοπημένα αρχεία.
Υπάρχει επίσης μια σχέση μεταξύ της παράστασης και μιας άλλης καλλιτεχνικής μορφής, της happening Ωστόσο, ενώ μια παράσταση είναι μια προβεβλημένη παρουσίαση, ένα happening φέρνει τον αυθορμητισμό και τον αυτοσχεδιασμό, λαμβάνει χώρα σε δημόσιο ή ιδιωτικό χώρο, συνήθως περιλαμβάνει μια συλλογική εμπειρία και αλληλεπίδραση με το κοινό .
1. AAA-AAA (1978) - Marina Abramovic
Η Μαρίνα Αμπράμοβιτς είναι ένα από τα σημαντικότερα ονόματα της τέχνης της περφόρμανς. Η πορεία της ξεκίνησε τη δεκαετία του '70 και πραγματοποίησε διάφορες δράσεις με τον επίσης περφόρμερ Ulay, ο οποίος ήταν συνεργάτης της για 12 χρόνια.
Σε ένα από αυτά τα έργα, με τίτλο AAA-AAA και πραγματοποιήθηκε το 1978, το ζευγάρι τοποθετήθηκε ο ένας απέναντι από τον άλλον, καθώς έβγαζε κραυγές μπροστά σε κοινό.
Η Μαρίνα Αμπράμοβιτς και ο Ulay στην παράσταση AAA AAA, φωνάζοντας ο ένας στον άλλον
Η πρόθεση ήταν να "δείξει ποιος μιλάει πιο δυνατά", αντιπροσωπεύοντας συμβολικά αυτό που συμβαίνει σε πολλές σχέσεις, ιδίως στις ερωτικές.
Πρόκειται για ένα έργο στο οποίο η ζωή και η σκηνοθεσία αναμειγνύονται εδώ έχουμε ένα παράδειγμα για το πώς η απόδοση είναι ένα υβριδική γλώσσα που συνδυάζει θεατρικά στοιχεία με άλλες μορφές τέχνης.
Ο Σέρβος καλλιτέχνης ορίζει τον καλλιτεχνικό τρόπο ως εξής:
Η παράσταση είναι μια σωματική και νοητική κατασκευή που ο καλλιτέχνης εκτελεί σε ορισμένο χρόνο και χώρο, μπροστά σε ένα κοινό. Είναι ένας ενεργειακός διάλογος, κατά τον οποίο κοινό και καλλιτέχνης χτίζουν μαζί το έργο.
2. 4'33 (1952) - John Cage
4'33 είναι μια παράσταση που επινοήθηκε το 1952 από τον Αμερικανό μαέστρο John Cage.
Σε αυτό το έργο, ο μουσικός David Tudor στέκεται μπροστά από ένα πιάνο για ένα μεγάλο κοινό και παραμένει σιωπηλός για τέσσερα λεπτά και τριάντα τρία δευτερόλεπτα, χωρίς να παίζει απολύτως τίποτα.
Ο David Tudor σε παράσταση 4'33 από τον John Cage
Το έργο φέρνει διάφορους προβληματισμούς, όπως οι προσδοκίες που δημιουργούνται και η δυσφορία. Εκτός αυτού, αγγίζει θέματα που αφορούν το ίδιο το μουσικό μέσο, όπως η σιωπή, οι μικροί θόρυβοι και ερωτήματα σχετικά με την έννοια της μουσικής.
Έτσι, μπορούμε να παρατηρήσουμε εδώ ένα άλλο παράδειγμα του τρόπου με τον οποίο η τα όρια επιδόσεων αραιώνονται συγκεντρώνοντας διαφορετικά είδη τέχνης.
Την εποχή που πραγματοποιήθηκε, η δράση προκάλεσε συζητήσεις, με ένα μέρος του κοινού να αναγνωρίζει την αξία της και ένα μέρος να την απορρίπτει εντελώς.
3. Shoot (1971) - Chris Burden
Ένας από τους πιο αμφιλεγόμενους καλλιτέχνες της σύγχρονης τέχνης είναι αναμφίβολα ο Αμερικανός Chris Burden (1946 - 2015).
Το έργο του διαπνέεται από ερωτήματα σχετικά με τη βία και σε πολλά από αυτά, ο καλλιτέχνης τοποθετεί τον εαυτό του σε οριακές καταστάσεις .
Στην πραγματικότητα, ένα από τα επαναλαμβανόμενα χαρακτηριστικά της performance art είναι ακριβώς ένα αισθητηριακή έρευνα (και συναισθηματική) που εξετάζει τα όρια των καλλιτεχνών, δοκιμάζοντας τους πόνους και τα σώματά τους προκειμένου να δημιουργήσουν μια σύνδεση με το κοινό.
Στην παράσταση Shoot Το 1971, ο Chris Burden ζήτησε από έναν φίλο του να πυροβολήσει με ένα όπλο προς το μέρος του, με σκοπό η βολή να τον ακουμπήσει στο χέρι, ενώ οι δυο τους είχαν μάλιστα προπονηθεί μέρες πριν.
Chris Bruden και φίλος κατά τη διάρκεια της παράστασης Shoot
Ωστόσο, όπως ακριβώς η ζωή είναι απρόβλεπτη, έτσι και η δράση δεν εξελίχθηκε όπως αναμενόταν και η σφαίρα κατέληξε να χτυπήσει το χέρι του Burden, διαπερνώντας το.
Το κοινό ήταν πραγματικά σοκαρισμένο και ο καλλιτέχνης αναγκάστηκε να βγει βιαστικά από το χώρο προς το νοσοκομείο.
4. Κομμένο κομμάτι (1965) - Yoko Ono
Η Γιόκο Όνο είναι μια σημαντική καλλιτέχνιδα στη σκηνή των παραστάσεων. Ομάδα Fluxus, η οποία συγκέντρωσε καλλιτέχνες από όλο τον κόσμο τη δεκαετία του 1960 για να επανεξετάσουν τις κατευθύνσεις της τέχνης.
Μια από τις ερμηνείες που ξεχωρίζουν είναι Κομμένο κομμάτι Καθόταν μπροστά στο κοινό, με ένα ψαλίδι στο πλάι της, το οποίο χρησιμοποιούσαν οι άνθρωποι για να κόβουν σιγά-σιγά κομμάτια από τα ρούχα τους.
Yoko Ono - 'Cut Piece' (1965)Με την άμεση επαφή και παρέμβαση των θεατών, Κομμένο κομμάτι θεωρείται happenig , πλευρά της παράστασης στην οποία το κοινό είναι ο παράγοντας της δράσης Είναι απαραίτητο για την πραγματοποίηση των εργασιών.
Εδώ, η καλλιτέχνιδα θέτει τον εαυτό της στη διάθεση των ανθρώπων με παθητικό τρόπο, θίγοντας θέματα όπως η ευαλωτότητα, η σεμνότητα και το γυναικείο σώμα.
5. Κινηματογράφος Tap and Touch (1968) - ΕΞΑΓΩΓΈΣ VALIE
VALIE EXPORT (έτσι γράφεται, με κεφαλαία γράμματα) είναι το καλλιτεχνικό όνομα της Αυστριακής Waltraud Lehner.
Η καλλιτέχνης έχει ένα ισχυρό έργο στην performance, στο οποίο θέτει θέματα που αφορούν το σύμπαν των γυναικών, προκαλώντας και ασκώντας φεμινιστική κριτική, όπως η αντικειμενοποίηση του γυναικείου σώματος.
Οι επιδόσεις/επεισόδια Κινηματογράφος Tap and Touch , που πραγματοποιήθηκε στους δρόμους σε διάφορες ευρωπαϊκές πόλεις μεταξύ 1968 και 1971, ήταν μια δράση κατά την οποία η VALIE περπατούσε με ένα χαρτονένιο κουτί με μια κουρτίνα πάνω από το γυμνό της στήθος, προσκαλώντας τους περαστικούς να βάλουν τα χέρια τους μέσα στο κουτί και να αγγίξουν το στήθος της.
VALIE EXPORT σε απόδοση Πατήστε και αγγίξτε τον κινηματογράφο
Όσοι παρακολουθούσαν απ' έξω δεν ήξεραν τι συνέβαινε, αλλά μπορούσαν να παρατηρήσουν τις εκφράσεις του καλλιτέχνη και του συμμετέχοντα.
Το έργο αποτελεί παράδειγμα του τρόπου με τον οποίο η η παράσταση μπορεί να λάβει χώρα εκτός του περιβάλλοντος της γκαλερί ή στο μουσείο, χωρίς να χρειάζεται "επίσημος" χώρος τέχνης για να πραγματοποιηθεί.
6. Πέρασμα (1979) - Celeida Tostes
Η Celeida Tostes, από το Ρίο ντε Τζανέιρο, ασχολήθηκε με την κεραμική και τα έργα της πραγματεύονταν θέματα όπως το θηλυκό, η γέννηση και ο θάνατος, η γονιμότητα και η σχέση με τη φύση.
Έτσι, σε μια δεδομένη στιγμή της καριέρας της, η καλλιτέχνιδα ανακάτεψε τον εαυτό της σε ένα πήλινο αγγείο και προσομοίωσε την εμπειρία της αποβολής από μια μήτρα. Το έργο πήρε το όνομα Πέρασμα Πραγματοποιήθηκε το 1979.
Celeida Tostes κατά τη διάρκεια της παράστασης Πέρασμα
Δείτε επίσης: Ανάλυση του πίνακα Independência ou Morte (O Grito do Ipiranga)Η παράσταση έγινε με τη βοήθεια δύο βοηθών και καταγράφεται με φωτογραφίες, όπως συνηθίζεται στα επιτελεστικά έργα Σχετικά με τη δράση, ο καλλιτέχνης εξηγεί:
Το έργο μου είναι η γέννηση. Γεννήθηκε όπως γεννήθηκα εγώ ο ίδιος - από μια σχέση. Μια σχέση με τη γη, με το οργανικό, το ανόργανο, το ζωικό, το φυτικό. Αναμειγνύοντας τα πιο διαφορετικά και αντίθετα υλικά. Μπήκα στην οικειότητα αυτών των υλικών που μεταμορφώθηκαν σε κεραμικά σώματα.
Άρχισαν να εμφανίζονται μπάλες. Μπάλες με τρύπες, με ρωγμές, με ρήγματα που μου θύμιζαν κόλπους, περάσματα. Ένιωσα τότε την τεράστια ανάγκη να αναμειχθώ με το υλικό της δουλειάς μου. Να νιώσω τον πηλό στο σώμα μου, να γίνω μέρος του, να είμαι μέσα του.
7. νέα εμφάνιση (1956) - Flávio de Carvalho
Ο Flávio de Carvalho ήταν ένας καλλιτέχνης που σκεφτόταν ήδη την performance art στη Βραζιλία πολύ πριν αυτή εδραιωθεί εδώ.
Ο καλλιτέχνης ανήκε στο κίνημα του μοντερνισμού και το 1956 σχεδίασε μια τροπική στολή που αποτελούνταν από μια φούστα και μια μπλούζα με φουσκωτά μανίκια, την οποία φόρεσε κατά τη διάρκεια μιας βόλτας στους δρόμους του Ρίο ντε Τζανέιρο.
Ο Flávio de Carvalho στο έργο του New Look, περπατώντας στους δρόμους του Ρίο ντε Τζανέιρο το 1956
Η ενδυμασία ιντριγκάρει τους περαστικούς, καθώς ανατρέπει τα έθιμα της εποχής και αναδεικνύει ζητήματα όπως η ελευθερία, η ασέβεια και η ειρωνεία. Αυτή η δυνατότητα για η αναστάτωση, η σύγχυση και η δημιουργία αντιπαράθεσης είναι επίσης κάτι που επαναλαμβάνεται σε διάφορες παραστάσεις.
8. Μου αρέσει η Αμερική και η Αμερική μου αρέσει (1974) - Joseph Beuys
Ο Γερμανός Joseph Beuys είναι ένα από τα σημαντικά ονόματα των τεχνών του 20ού αιώνα. Δούλεψε με διάφορες καλλιτεχνικές γλώσσες εκτός από τις επιτελεστικές δράσεις, όπως η εγκατάσταση, το βίντεο, η ζωγραφική και η γλυπτική.
Δείτε επίσης: 10 κύρια έργα του Aleijadinho (σχολιασμός)Σε μια από τις καλλιτεχνικές του παραστάσεις, με τίτλο Μου αρέσει η Αμερική και η Αμερική μου αρέσει Ο Beuys εγκατέλειψε τη χώρα του και πέταξε για τις ΗΠΑ, όπου τον κατέβασαν από το αεροπλάνο με φορείο και τον σκέπασαν με μια τσόχινη κουβέρτα, με την πρόθεσή του να μην πατήσει το πόδι του σε αμερικανικό έδαφος.
Στις ΗΠΑ, ο καλλιτέχνης μεταφέρεται σε μια γκαλερί τέχνης, όπου παραμένει για μέρες σε κλειστό χώρο με ένα άγριο κογιότ. Ο Beuys λάμβανε καθημερινά Wall Street και ζούσε με το ζώο για ώρες χρησιμοποιώντας μόνο μια κουβέρτα, ένα ζευγάρι γάντια και ένα μπαστούνι.
Ο Joseph Beuys σε δράση Μου αρέσει η Αμερική και η Αμερική με συμπαθεί
A η δράση είχε πολιτικό και κριτικό χαρακτήρα Ήταν μια μορφή διαμαρτυρίας ενάντια στο αμερικανικό μοντέλο ζωής και οικονομίας.
