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A pop arte también llamado arte pop es un movimiento artístico surgido en el Reino Unido y Estados Unidos en la década de 1950, que alcanzó su apogeo en los años sesenta.
Fue un hito de la transición de la modernidad a la posmodernidad en la cultura occidental, bautizado así por Lawrence Alloway, crítico de arte inglés, que acuñó el término pop art en 1956.
1. la estética de las masas
El arte pop fue una rama que trató de acercar el arte a la vida cotidiana de la gente, utilizando la estética de la cultura de masas como principal soporte.
Los artistas británicos y estadounidenses contestatarios trataban de trabajar a partir de elementos que encontraban en los comportamientos y costumbres, moldeados por la creciente industrialización. La vida no debe separarse del arte, creían.
Así, los artistas del arte pop buscaban inspiración para su proceso creativo en la cultura cotidiana. Varias obras realizadas en este contexto eran objetos producidos a gran escala, imágenes que imitaban fotografías de periódicos y revistas, uso de la técnica de la serigrafía, fragmentos de cómics, imágenes de famosos y publicidad.
2. los objetos comunes como arte
Puede decirse que este periodo palpitante de las artes estuvo marcado por el ascenso del uso de objetos comunes y cotidianos a la categoría de objetos artísticos.
Conservas, botellas de refrescos y otros elementos "banales" aparecían en grandes paneles, poniendo de relieve la cultura de masas que impregnaba la década de 1960.
Un par de calcetines no es menos adecuado para un cuadro que el óleo sobre lienzo.
Robert Rochenberg
3. uso de imágenes de famosos
Al igual que los artistas utilizaban la imagen de objetos cotidianos, empezaron a utilizar imágenes de famosos en sus obras.
De este modo, se reproducían a gran escala fotografías de estrellas del cine y la música, normalmente mediante la técnica industrial de la serigrafía.
La intención era crear un paralelismo entre objetos y personas muy "consumidos" por la población, en este caso a través de la televisión y el cine.
Como ejemplo, tenemos las obras icónicas de Andy Warhol, en las que reproduce la figura de Marilyn Monroe, Elvis Presley y Michael Jackson.
Así, se hace una crítica a la propia industria cultural, creadora de mitos e "ídolos" contemporáneos.
4. oposición al abstraccionismo
El movimiento que precedió al arte pop fue el abstraccionismo, hasta que, a mediados de la década de 1950, jóvenes artistas como Jasper Johns y Robert Rauschenberg empezaron a criticar el abismo existente entre el arte y la vida y a exteriorizar que no se identificaban con el estilo abstracto entonces en boga.
Creían que el arte debía estar más cerca del ciudadano de a pie, y no envuelto en una atmósfera incomprensible, como ocurría con el arte abstracto.
5. crítica social
Desde dentro de la sociedad, los creadores del arte pop criticó a la propia sociedad consumo excesivo, comportamiento capitalista desenfrenado, hábitos cotidianos norteamericanos desenfrenados.
Sin embargo, utilizaron precisamente los elementos que criticaban para crear su arte, creando así una producción que se oponía al consumo pero se alimentaba de él.
6. colores vivos
Las obras producidas entonces empezaron a tomar contornos con muchos colores fuertes, fluorescentes y algo de purpurina. Un ejemplo clásico es El plátano creada por Andy Warhol y transformada en la portada de un álbum del grupo de rock La Velvet Underground .
El plátano (1960), de Andy Warhol.
Otro ejemplo del valor que los partidarios de arte pop dio a la brillantez fue la creación de la obra Mickey Mouse En ella, el artista optó por hacer un fondo con polvo de diamante para dar a la pieza un efecto iluminador:
Mickey Mouse (1981), de Andy Warhol.
Ver también: 13 cuentos de hadas y princesas infantiles para dormir (anotados)Obras y artistas de arte pop
1. ¿Qué es lo que hace que las casas de hoy sean tan diferentes, tan atractivas? (1956), de Richard Hamilton
Richard Hamilton era delineante de ingeniería y se dedicó al dibujo técnico durante años. Sin embargo, en cierto momento de su carrera, optó por poner sus habilidades al servicio de producciones más creativas.
¿Qué es lo que hace que las casas de hoy sean tan diferentes, tan atractivas? (1956), de Richard Hamilton.
El collage de Richard Hamilton (que en portugués podría traducirse como ¿Qué hace que las casas de hoy sean tan diferentes, tan atractivas? ) se presentó en la Whitechapel Gallery de Londres. La obra formaba parte de la célebre exposición Esto es mañana .
El artista inglés Richard Hamilton formaba parte entonces de un grupo llamado Grupo Independiente (IG), formado en 1952 en la capital inglesa. Los críticos consideran el collage como una de las primeras obras verdaderamente características de la arte pop .
Una curiosidad: Richard Hamilton también firmó la portada de Álbum blanco El álbum de los Beatles.
2. Sopa Campbells (1962), de Andy Warhol
Andy Warhol se formó en diseño y trabajó como ilustrador para importantes revistas como Vogue, Harper's Bazaar y el New Yorker. También trabajó como ejecutivo publicitario y siempre se interesó por los elementos de la cultura de masas.
Sopa Campbells (1962), de Andy Warhol.
Warhol utilizó la técnica de la serigrafía en muchas de sus obras para representar la producción en masa haciendo una crítica a la impersonalidad del objeto de masas En el conjunto titulado Latas de sopa Campbell's encontramos una reunión de 32 lienzos, cada uno pintado en homenaje a las 32 variedades de sopas que ofrece la empresa Campbell's en el mercado norteamericano.
3. Díptico Marilyn (1962), de Andy Warhol
Warhol también fue cineasta y aficionado al cine. Su trabajo en las artes visuales también buscó retratando a ídolos populares americanos desde una nueva perspectiva.
Díptico Marilyn (1962), de Andy Warhol.
Sus obras como artista tuvieron como protagonistas a iconos y personalidades públicas como Marilyn Monroe, Michael Jackson, Elvis Presley, Marlon Brando y Eizabeth Taylor.
Warhol buscó reinventar las imágenes establecidas recurriendo sobre todo a la reproducción mecánica, a la aplicación de colores fuertes y brillantes sobre retratos que ya formaban parte del imaginario popular colectivo.
4. Beso V (1964) de Roy Lichtenstein
Lichtenstein se hizo famoso por su arte, que buscaba realzar los cómics. Su obra también mezclaba anuncios, anuncios publicitarios y recortes de la vida cotidiana.
Beso V (1964) de Roy Lichtenstein.
El artista estadounidense también utilizó técnica puntillista Su famoso lienzo Beso V es un ejemplo del uso de esta técnica.
5. Vamos a dar una vuelta (1961), de James Rosenquist
Rosenquist fue uno de los nombres más importantes de arte pop Comenzó su carrera trabajando con el expresionismo abstracto, pero pronto tuvo que dedicarse a crear carteles publicitarios para ganarse la vida.
Vamos a dar una vuelta (1961), de James Rosenquist.
El futuro artista, en un momento de reflexión, estableció un paralelismo entre sus dos actividades:
Rosenquist privilegió en sus obras los collages realizados a partir de referencias muy diferentes a la vida cotidiana como ilustraciones de alimentos, piezas de automóviles, anuncios, propaganda política.
6. Bandera (1955), de Jasper Johns
El pintor norteamericano fue uno de los pioneros del arte pop y desarrolló su obra principalmente a partir de mapas, banderas, dianas y números.
Bandera (1955), de Jasper Johns.
Jasper fue uno de los principales responsables de llevar la cultura norteamericana a Europa.
El creador utilizó iconografía clásica Con el paso del tiempo, Johns empezó a apostar por el uso de objetos reales sobre el lienzo, como latas, pinceles y brochas.
Una curiosidad: Jasper Johns utilizaba una técnica para pintar que consistía en diluir la pintura en cera caliente.
Ver también: Rafael Sanzio: principales obras y biografía del pintor renacentistaA arte pop en Brasil
En Brasil vivíamos un periodo de dictadura militar (que comenzó con el golpe militar de 1964). Había miedo a la censura, por lo que la producción artística tendía a ser más comedida. Cabe destacar, sin embargo, "Opinião 65", un evento celebrado en el Museo de Arte Moderno que reunió a 17 artistas brasileños y 13 extranjeros.
Los grandes nombres del arte brasileño de la época eran: José Roberto Aguilar, Wesley Duke Lee, Luiz Paulo Baravelli, Claudio Tozzi, Carlos Farjado y Antonio Henrique Amaral.
El gran hito de la temporada, por su parte, fue el controvertido y poco comprendido Parangolé por Hélio Oiticica.
Parangolé por Hélio Oiticica.
