6 caracteristici principale ale Pop Art

A pop artă numit și arta pop este o mișcare artistică care a apărut în Marea Britanie și în Statele Unite în anii 1950, atingând apogeul în anii 1960.

A fost un punct de reper al tranziției de la modernitate la postmodernitate în cultura occidentală, fiind numit de Lawrence Alloway, un critic de artă englez, care a inventat termenul de pop art în 1956.

1. estetica maselor

Pop art a fost o ramură care a încercat să aducă arta mai aproape de viața de zi cu zi a oamenilor, folosind ca principal suport estetica culturii de masă.

Artiștii britanici și americani contestatari au căutat să lucreze pornind de la elementele pe care le regăseau în comportamentele și obiceiurile, modelate de industrializarea crescândă. Aceștia credeau că viața nu trebuie separată de artă.

Astfel, artiștii pop art au căutat inspirație pentru procesul lor de creație în cultura cotidiană. Mai multe lucrări realizate în acest context au fost obiecte produse la scară mare, imagini care imitau fotografii din ziare și reviste, utilizarea tehnicii serigrafiei, fragmente de cărți de benzi desenate, imagini de celebrități și publicitate.

2. Obiecte comune ca artă

Se poate spune că această perioadă pulsantă a artelor a fost marcată de ascensiunea utilizării obiectelor comune, cotidiene, în categoria obiectelor artistice.

Conserve, sticle de băuturi răcoritoare și alte elemente "banale" au fost prezentate pe panouri mari, aducând în prim-plan cultura de masă care a pătruns în anii 1960.

O pereche de șosete nu este mai puțin potrivită pentru o pictură decât uleiul pe pânză.

Robert Rochenberg

3. utilizarea imaginilor unor celebrități

La fel cum artiștii au folosit imaginea obiectelor de zi cu zi, au început să folosească imagini ale celebrităților în operele lor.

Astfel, fotografiile vedetelor din industria cinematografică și muzicală au fost reproduse la scară largă, de obicei folosind tehnica industrială a serigrafiei.

Intenția a fost de a crea o paralelă între obiecte și oameni foarte "consumați" de către populație, în acest caz prin intermediul televiziunii și al cinematografiei.

Ca exemplu, avem lucrările iconice ale lui Andy Warhol, în care acesta reproduce figura lui Marilyn Monroe, Elvis Presley și Michael Jackson.

Astfel, este criticată însăși industria culturală, care creează mituri și "idoli" contemporani.

4. opoziția față de abstracționism

Mișcarea care a precedat pop art a fost abstracționismul, până când, la jumătatea anilor 1950, tineri artiști precum Jasper Johns și Robert Rauschenberg au început să critice prăpastia dintre artă și viață și să exteriorizeze faptul că nu se identificau cu stilul abstract care era atunci în vogă.

Aceștia credeau că arta ar trebui să fie mai aproape de cetățeanul obișnuit și nu învăluită într-o atmosferă de neînțeles, așa cum era cazul artei abstracte.

5. critica socială

Din interiorul societății, creatorii de arta pop a criticat societatea însăși : consumul excesiv, comportamentul capitalist neînfrânat, obiceiurile cotidiene nord-americane fără limite.

Cu toate acestea, ei au folosit exact elementele pe care le criticau pentru a-și crea arta, creând astfel o producție care se opunea consumului, dar care se hrănea din el.

6. culori vibrante

Lucrările produse în acea perioadă au început să capete contururi cu multe culori puternice, fluorescente și ceva sclipici. Un exemplu clasic este Banana , creat de Andy Warhol și transformat în coperta unui album pentru trupa rock The Velvet Underground .

Banana (1960), de Andy Warhol.

Un alt exemplu al valorii pe care susținătorii arta pop a dat strălucirea a fost crearea lucrării Mickey Mouse În cadrul acesteia, artistul a ales să realizeze un fundal cu praf de diamant pentru a conferi piesei un efect de iluminare:

Mickey Mouse (1981), de Andy Warhol.

Lucrări și artiști din arta pop

1. Ce anume face ca locuințele de astăzi să fie atât de diferite, atât de atrăgătoare? (1956), de Richard Hamilton

Richard Hamilton a fost desenator inginer și a lucrat ani de zile în domeniul desenului tehnic. La un moment dat însă, în cariera sa, a ales să își pună în valoare abilitățile în producții mai creative.

Ce anume face ca locuințele de astăzi să fie atât de diferite, atât de atrăgătoare? (1956), de Richard Hamilton.

Colajul lui Richard Hamilton (care în portugheză s-ar putea traduce prin Ce face ca locuințele de astăzi să fie atât de diferite, atât de atractive? ) a fost prezentată la Whitechapel Gallery din Londra. Lucrarea a făcut parte din celebra expoziție Asta e mâine. .

Artistul englez Richard Hamilton făcea parte la acea vreme dintr-un grup numit Grup independent (IG), format în 1952 în capitala Angliei. Criticii consideră colajul ca fiind una dintre primele lucrări cu adevărat caracteristice ale arta pop .

O curiozitate: Richard Hamilton a semnat și coperta revistei Albumul alb Albumul The Beatles.

2. Supa Campbells (1962), de Andy Warhol

Andy Warhol s-a format în domeniul designului și a lucrat ca ilustrator pentru reviste importante precum Vogue, Harper's Bazaar și New Yorker. A lucrat, de asemenea, ca director de publicitate și a fost întotdeauna interesat de elementele culturii de masă.

Supa Campbells (1962), de Andy Warhol.

Warhol a folosit tehnica serigrafiei în multe dintre lucrările sale pentru a reprezenta producția de masă, făcând o critică a impersonalității obiectului de masă În setul intitulat Campbell's Soup Cans găsim o reuniune de 32 de pânze, fiecare pictată în semn de omagiu pentru cele 32 de soiuri de supe oferite de compania Campbell's pe piața nord-americană.

3. Marilyn Diptych (1962), de Andy Warhol

Warhol a fost, de asemenea, un cineast și un pasionat de film. Activitatea sa în domeniul artelor vizuale a căutat, de asemenea, să se portretizând idoli populari americani dintr-o nouă perspectivă.

Marilyn Diptych (1962), de Andy Warhol.

Lucrările sale ca artist au avut ca personaje principale icoane și personalități publice precum Marilyn Monroe, Michael Jackson, Elvis Presley, Marlon Brando și Eizabeth Taylor.

Warhol a căutat reinventarea imaginilor consacrate folosind în special reproducerea mecanică, aplicarea de culori puternice și strălucitoare pe portrete care făceau deja parte din imaginarul popular colectiv.

4. Sărut V (1964) de Roy Lichtenstein

Lichtenstein a devenit cunoscut pentru arta sa, care urmărea să pună în valoare benzile desenate. De asemenea, lucrările sale amestecau reclame, reclame și decupaje din viața de zi cu zi.

Sărut V (1964) de Roy Lichtenstein.

Artistul american a folosit în mod profund și tehnica pointilistă Faimoasa sa pânză Sărut V este un exemplu de utilizare a acestei tehnici.

5. Hei! Să mergem la o plimbare (1961), de James Rosenquist

Rosenquist a fost unul dintre cele mai mari nume din arta pop Și-a început cariera lucrând cu expresionismul abstract, dar în curând a trebuit să se orienteze spre crearea de afișe publicitare pentru a-și câștiga existența.

Hei! Să mergem la o plimbare (1961), de James Rosenquist.

Viitorul artist, într-un moment de reflecție, a făcut o paralelă între cele două activități ale sale:

Rosenquist a privilegiat în lucrările sale colaje realizate din referințe foarte diferite la viața de zi cu zi cum ar fi ilustrațiile alimentare, piesele auto, reclamele, propaganda politică.

6. Steag (1955), de Jasper Johns

Pictorul nord-american a fost unul dintre pionierii arta pop și și-a dezvoltat lucrările în principal pornind de la hărți, steaguri, ținte și cifre.

Steag (1955), de Jasper Johns.

Jasper a fost unul dintre principalii responsabili pentru aducerea culturii nord-americane în Europa.

Creatorul s-a folosit de iconografie clasică Cu timpul, Johns a început să investească în utilizarea de obiecte reale pe pânză, cum ar fi cutii de conserve, perii și pensule.

O curiozitate: Jasper Johns folosea o tehnică de pictură care consta în diluarea vopselei în ceară fierbinte.

A arta pop în Brazilia

În Brazilia trăiam o perioadă de dictatură militară (care a început cu lovitura de stat militară din 1964). Exista teama de cenzură, astfel încât producția artistică a avut tendința de a fi mai reținută. Merită totuși să menționăm "Opinião 65", un eveniment organizat la Muzeul de Artă Modernă care a reunit 17 artiști brazilieni și 13 străini.

Cele mai mari nume ale artei braziliene la acea vreme erau: José Roberto Aguilar, Wesley Duke Lee, Luiz Paulo Baravelli, Claudio Tozzi, Carlos Farjado și Antonio Henrique Amaral.

Marele punct culminant al sezonului a fost, între timp, controversatul și puțin înțelesul Parangolé de Hélio Oiticica.

Parangolé de Hélio Oiticica.