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A pop Kunst auch genannt Pop-Art ist eine künstlerische Bewegung, die in den 1950er Jahren im Vereinigten Königreich und in den Vereinigten Staaten entstand und in den 1960er Jahren ihren Höhepunkt erreichte.
Sie war ein Meilenstein des Übergangs von der Moderne zur Postmoderne in der westlichen Kultur und wurde von Lawrence Alloway, einem englischen Kunstkritiker, der 1956 den Begriff Pop Art prägte, benannt.
1. die Ästhetik der Massen
Die Pop Art war eine Richtung, die versuchte, die Kunst näher an den Alltag der Menschen heranzubringen, wobei sie sich vor allem auf die Ästhetik der Massenkultur stützte.
Die streitenden britischen und amerikanischen Künstler versuchten, Elemente zu verarbeiten, die sie in den von der zunehmenden Industrialisierung geprägten Verhaltensweisen und Sitten wiederfanden. Das Leben sollte nicht von der Kunst getrennt werden, so glaubten sie.
So suchten die Künstler der Pop Art die Inspiration für ihren kreativen Prozess in der Alltagskultur. Einige Werke, die in diesem Zusammenhang entstanden, waren großformatig hergestellte Objekte, Bilder, die Fotografien aus Zeitungen und Zeitschriften nachahmten, die Verwendung der Siebdrucktechnik, Fragmente von Comic-Heften, Bilder von Prominenten und Werbung.
2. Alltagsgegenstände als Kunst
Man kann sagen, dass diese pulsierende Periode der Künste durch den Aufstieg von gewöhnlichen, alltäglichen Gegenständen in die Kategorie der künstlerischen Objekte gekennzeichnet war.
Auf großen Tafeln wurden Konserven, Softdrinkflaschen und andere "banale" Elemente abgebildet, die die Massenkultur der 1960er Jahre in den Vordergrund stellten.
Ein Paar Socken ist für ein Gemälde nicht weniger geeignet als Öl auf Leinwand.
Robert Rochenberg
3. Verwendung von Bildern prominenter Personen
So wie die Künstler das Bild von Alltagsgegenständen nutzten, begannen sie, Bilder von Berühmtheiten in ihren Werken zu verwenden.
Auf diese Weise wurden Fotografien von Film- und Musikstars in großem Maßstab reproduziert, meist mit der industriellen Technik des Siebdrucks.
Die Absicht war, eine Parallele zwischen Objekten und Menschen zu schaffen, die von der Bevölkerung stark "konsumiert" werden, in diesem Fall durch Fernsehen und Kino.
Ein Beispiel dafür sind die ikonischen Werke von Andy Warhol, in denen er die Figuren von Marilyn Monroe, Elvis Presley und Michael Jackson nachbildet.
Siehe auch: Kapitäne des Sandes: eine Zusammenfassung und Analyse des Buches von Jorge AmadoDamit wird eine Kritik an der Kulturindustrie selbst geübt, die zeitgenössische Mythen und "Idole" schafft.
4. Widerstand gegen den Abstraktionismus
Die Vorläuferbewegung der Pop Art war die Abstraktion, bis Mitte der 1950er Jahre junge Künstler wie Jasper Johns und Robert Rauschenberg begannen, die Kluft zwischen Kunst und Leben zu kritisieren und nach außen hin zu zeigen, dass sie sich nicht mit dem damals angesagten abstrakten Stil identifizieren konnten.
Sie waren der Meinung, dass die Kunst näher am Bürger sein sollte und nicht in eine unverständliche Atmosphäre gehüllt, wie es bei der abstrakten Kunst der Fall war.
5. Sozialkritik
Aus dem Inneren der Gesellschaft heraus haben die Schöpfer der Pop-Art die Gesellschaft selbst kritisiert Übermäßiger Konsum, ungezügeltes kapitalistisches Verhalten, ungezügelte nordamerikanische Alltagsgewohnheiten.
Sie nutzten jedoch genau die Elemente, die sie kritisierten, um ihre Kunst zu schaffen, und schufen so eine Produktion, die sich gegen den Konsum wandte, aber von ihm lebte.
6. leuchtende Farben
Die zu dieser Zeit entstandenen Werke begannen, Konturen anzunehmen, mit vielen kräftigen Farben, Fluoreszenzen und etwas Glitter. Ein klassisches Beispiel ist Die Banane das von Andy Warhol geschaffen und in ein Albumcover für die Rockband The Velvet Underground .
Die Banane (1960), von Andy Warhol.
Ein weiteres Beispiel für den Wert, den die Befürworter der Pop-Art war die Schaffung des Werkes, das den Glanz der Micky Maus Darin hat der Künstler einen Hintergrund aus Diamantstaub gewählt, um dem Werk einen Leuchteffekt zu verleihen:
Micky Maus (1981), von Andy Warhol.
Werke und Künstler aus Pop-Art
1. Was macht die Häuser von heute so anders, so attraktiv? (1956), von Richard Hamilton
Richard Hamilton war technischer Zeichner und beschäftigte sich jahrelang mit technischem Zeichnen, entschied sich aber irgendwann, seine Fähigkeiten in kreativeren Produktionen einzusetzen.
Was macht die Häuser von heute so anders, so attraktiv? (1956), von Richard Hamilton.
Die Collage von Richard Hamilton (auf Portugiesisch könnte man sie übersetzen mit Was macht die Häuser von heute so anders, so attraktiv? ) wurde in der Whitechapel Gallery in London präsentiert und war Teil der berühmten Ausstellung Heute ist morgen .
Der englische Künstler Richard Hamilton gehörte seinerzeit zu einer Gruppe namens Unabhängige Gruppe (IG), die 1952 in der englischen Hauptstadt gegründet wurde. Die Kritiker betrachten die Collage als eines der ersten wirklich charakteristischen Werke des Pop-Art .
Ein Kuriosum: Richard Hamilton hat auch das Cover von Weißes Album Das Album der Beatles.
2. Campbells Suppe (1962), von Andy Warhol
Andy Warhol absolvierte eine Ausbildung in Design und arbeitete als Illustrator für große Zeitschriften wie Vogue, Harper's Bazaar und den New Yorker. Er war auch als Werbefachmann tätig und hatte immer ein Interesse an Elementen der Massenkultur.
Campbells Suppe (1962), von Andy Warhol.
Warhol nutzte die Technik des Siebdrucks in vielen seiner Werke, um die Massenproduktion durch die Herstellung von eine Kritik an der Unpersönlichkeit des Massenobjekts In der Reihe mit dem Titel Campbell's-Suppendosen finden wir eine Sammlung von 32 Gemälden, die jeweils als Hommage an die 32 Suppensorten gemalt wurden, die die Firma Campbell's auf dem nordamerikanischen Markt anbietet.
3. Marilyn Diptychon (1962), von Andy Warhol
Warhol war auch ein Filmemacher und Filmliebhaber, der mit seiner Arbeit in der bildenden Kunst auch Porträtierung amerikanischer populärer Idole aus einer neuen Perspektive.
Marilyn Diptychon (1962), von Andy Warhol.
Zu den Hauptfiguren seiner künstlerischen Arbeit gehören Ikonen und Persönlichkeiten des öffentlichen Lebens wie Marilyn Monroe, Michael Jackson, Elvis Presley, Marlon Brando und Eizabeth Taylor.
Warhol gesucht etablierte Bilder neu erfinden die sich vor allem der mechanischen Reproduktion und der Verwendung kräftiger und leuchtender Farben auf Porträts bedienten, die bereits Teil der kollektiven Volksvorstellung waren.
4. Kuss V (1964) von Roy Lichtenstein
Lichtenstein wurde bekannt für seine Kunst, die Comics aufwertet, aber auch Werbung, Reklame und Ausschnitte aus dem täglichen Leben mischt er in seinen Werken.
Kuss V (1964) von Roy Lichtenstein.
Der amerikanische Künstler nutzte auch intensiv die pointillistische Technik Seine berühmte Leinwand Kuss V ist ein Beispiel für die Anwendung dieser Technik.
5. Hey! Wir machen eine Spritztour (1961), von James Rosenquist
Rosenquist war einer der größten Namen in der Pop-Art Er begann seine Karriere mit dem abstrakten Expressionismus, musste sich aber bald der Gestaltung von Werbeplakaten zuwenden, um seinen Lebensunterhalt zu verdienen.
Hey! Wir machen eine Spritztour (1961), von James Rosenquist.
In einem Moment des Nachdenkens zog der zukünftige Künstler eine Parallele zwischen seinen beiden Tätigkeiten:
Rosenquist privilegierte in seinen Werken Collagen, die aus sehr unterschiedliche Bezüge zum Alltagsleben wie Abbildungen von Lebensmitteln, Autoteilen, Werbung und politischer Propaganda.
6. Flagge (1955), von Jasper Johns
Der nordamerikanische Maler war einer der Pioniere der Pop-Art und entwickelte sein Werk hauptsächlich anhand von Karten, Flaggen, Zielscheiben und Ziffern.
Flagge (1955), von Jasper Johns.
Jasper war einer der Hauptverantwortlichen für die Verbreitung der nordamerikanischen Kultur in Europa.
Siehe auch: Die 30 besten Fantasy-Bücher, die zu den Klassikern gehörenDer Schöpfer nutzte die klassische Ikonographie Im Laufe der Zeit begann Johns damit, reale Gegenstände wie Dosen, Pinsel und Bürsten auf der Leinwand zu verwenden.
Eine Kuriosität: Jasper Johns verwendete eine Maltechnik, bei der die Farbe in heißem Wachs verdünnt wurde.
A Pop-Art in Brasilien
In Brasilien lebten wir in einer Zeit der Militärdiktatur (die mit dem Militärputsch von 1964 begann). Es herrschte Angst vor der Zensur, so dass die künstlerische Produktion eher zurückhaltend war. Erwähnenswert ist jedoch "Opinião 65", eine Veranstaltung im Museum für Moderne Kunst, an der 17 brasilianische Künstler und 13 Ausländer teilnahmen.
Die größten Namen der brasilianischen Kunst waren zu dieser Zeit: José Roberto Aguilar, Wesley Duke Lee, Luiz Paulo Baravelli, Claudio Tozzi, Carlos Farjado und Antonio Henrique Amaral.
Der große Höhepunkt der Saison war jedoch die umstrittene und wenig bekannte Parangolé von Hélio Oiticica.
Parangolé von Hélio Oiticica.
