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Abaporu El lienzo, considerado una de sus obras maestras, fue pintado al óleo en 1928 para ofrecérselo a su marido, el escritor Oswald de Andrade.
En el cuadro vemos la valorización del trabajo manual (obsérvense el pie y la mano enormes) y la devaluación del trabajo mental (obsérvese la cabeza diminuta).
El nombre de la obra es de origen tupí-guaraní y significa " hombre que come gente " (caníbal o antropófago). El título del lienzo es el resultado de la combinación de los términos tab (hombre), pora (personas) y ú (comiendo).
Abaporu por Tarsila do Amaral.
El lienzo fue pintado por Tarsila en enero de 1928 y regalado a su marido, el escritor Oswald de Andrade, como regalo de cumpleaños.
Cuando Oswald recibió el lienzo, quedó inmediatamente encantado y dijo que era el mejor cuadro que Tarsila había pintado nunca. Los elementos del lienzo, especialmente la insólita figura del centro, despertaron en Oswald la idea de crear el Movimento Antropofágico.
El Movimiento consistió en la deglución de la cultura extranjera, incorporándola a la realidad brasileña para dar lugar a una nueva cultura transformada, moderna y representativa de nuestra cultura.
Más información sobre la vida y obra de Tarsila do Amaral.
Análisis de la obra Abaporu
Esta obra marca la fase antropofágica del pintor Tarsila de Amaral, que tuvo lugar entre 1928 y 1930. colores fuertes, la inclusión de temas imaginarios y cambio de realidad .
En la pintura vemos a un hombre con pies y manos grandes, así como el sol y un cactus. Estos elementos pueden representar el trabajo físico que era el oficio de la mayor parte de la población brasileña de la época.
Por otro lado, una cabeza pequeña puede significar falta de pensamiento crítico Es una posible crítica a la sociedad de la época.
Ver también: La historia del dibujo animado Caillou: y lo que nos enseñaEl hombre de Abaporu representado transmite cierta melancolía, ya que la posición de su cabeza y su expresión denotan cierta tristeza o depresión. Además, el pie grande también puede revelar una fuerte conexión del ser humano con la tierra .
La técnica del gigantismo ya había sido practicada antes por Tarsila en el lienzo Negro pintado en 1923:
El marco Negro pintado años antes Abaporu ya presentaba rastros de gigantismo que se intensificarían más tarde.
En cuanto a los colores utilizados en Abaporu Parece haber una clara alusión a la cultura brasileña porque se hace hincapié en el verde, el amarillo y el azul, colores predominantes de la bandera brasileña.
El cactus hace referencia a la vegetación de las regiones secas, como es el caso del Nordeste, y el sol simboliza la dura rutina del trabajador rural.
Tarsila, en correspondencia intercambiada en 1924, dejó claro su deseo de convertirse en pintora de su tierra natal:
Cada vez me siento más brasileña: quiero ser la pintora de mi tierra. Qué agradecida estoy de haber pasado toda mi infancia en la granja. Los recuerdos de aquella época se están convirtiendo en algo precioso para mí. Quiero ser, en el arte, la caipirinha [campesina] de São Bernardo, jugando con muñecas del monte, como en el último cuadro que estoy pintando.
Muchos críticos de arte suelen asociar el lienzo de Tarsila do Amaral con la famosa escultura de Rodin El Pensador; algunos incluso sugieren que Abaporu es una relectura de la famosa pieza del escultor francés.
Lo cierto es que en ambas creaciones sólo vemos a un único protagonista, solitario, de aspecto pensativo y con la mano apoyada en la cabeza con una postura corporal similar.
El pensador Muchos críticos observan una similitud entre la escultura de Rodin y el lienzo Abaporu por Tarsila do Amaral.
Observación detallada de Abaporu
1. cactus
El cactus es un elemento característico de la flora nordestina y, por tanto, una imagen empleada simbólicamente para retratar la brasileñidad.
Al ser una planta típica de lugares áridos, el cactus recuerda la sequía y la resistencia, y establece un paralelismo con el pueblo brasileño, célebre por su capacidad de recuperación.
Cabe recordar que el cactus retratado por Tarsila es, al igual que el suelo, verde, un color muy querido por la identidad nacional debido a su fuerte presencia en la bandera.
2. sol
Símbolo del calor y la energía que proporcionan la vida, el sol pintado por Tarsila también impone duras condiciones de trabajo a los campesinos.
En el lienzo resulta curioso que la figura del sol se asemeje a la representación de un ojo, que se sitúa por encima de la figura y del cactus, pareciendo observar la escena.
En la composición de la obra, el lugar elegido para el sol es de centralidad e intermediario entre el cactus y el rostro humano. Parece que la luz emana y permite la vida tanto de la flora como de la fauna.
El amarillo del sol -al igual que el azul del cielo- también está presente en el color de la bandera nacional, lo que confiere a la obra otro rastro de brasileñidad.
3. cabeza pequeña
La cabeza deformada es uno de los elementos que más llama la atención del cuerpo desproporcionado imaginado por Tarsila. No por casualidad, el pintor bautizó al sujeto como "figura monstruosa".
No se distinguen bien los rasgos de la criatura en cuestión, por lo que no sabemos si es un hombre o una mujer.
Sin boca, no es posible interpretar con certeza la expresión del personaje con cabeza de alfiler, salvo por el hecho de que apoya la cara en el brazo (¿podría ser un signo de cansancio?).
Una de las teorías más extendidas entre los especialistas es que la cabeza pequeña es un signo del estado del devaluación del trabajo intelectual en nuestro país .
4. manos y pies enormes
El protagonista (¿o la protagonista?) elegido por Tarsila es una figura extremadamente desproporcionada, sobre todo si comparamos las dimensiones de la cabeza y las extremidades derechas (las izquierdas se omiten).
Brota de la tierra, se asienta en el suelo, como el cactus, mostrándose íntimamente ligado al suelo.
Los pies y las manos agrandados ponen de manifiesto el sufrimiento del trabajador brasileño, la excesiva importancia concedida al trabajo manual y físico frente a la devaluación del trabajo intelectual.
Ver también: Hurt de Johnny Cash: significado e historia de la canciónOtra posible lectura del enorme tamaño del pie es el deseo del pintor de subrayar la conexión del hombre con la tierra.
Antecedentes históricos
Abaporu se pintó en la década de 1920, un periodo especial para el país al acercarse el final de la Antigua República.
La Vieja República duró mucho tiempo: comenzó el 15 de noviembre de 1889 (con la proclamación de la República) y terminó con la Revolución de 1930, que depuso a Washington Luís, el último presidente de la Vieja República.
Tanto Brasil como, sobre todo, la ciudad de São Paulo avanzaban a pasos agigantados hacia el desarrollo. La década de 1920 estuvo fuertemente marcada por la industrialización.
Desde el punto de vista artístico, 1922 fue un año clave para los intelectuales brasileños. En febrero de 1922, el Teatro Municipal de São Paulo acogió la Semana de Arte Moderno, un acontecimiento que reunió a pintores, escultores, compositores, músicos y escritores. El evento había sido planeado desde finales del año anterior -1921- por Di Cavalcanti y Marinette Prado (esposa de Paulo Prado).
Los artistas se unieron con el deseo de romper radicalmente con el arte vigente, que consideraban conservador. Los intelectuales traían en común un bagaje cultural lleno de enseñanzas aprendidas en Europa. Buena parte de los artistas habían pasado una temporada en el viejo continente y, tras regresar a casa, querían poner en práctica las novedades que habían visto.
En la Semana de Arte Moderno participaron grandes nombres del panorama cultural nacional, como:
- Mário de Andrade (literatura);
- Oswald de Andrade (literatura)
- Sérgio Milliet (literatura);
- Menotti Del Picchia (literatura);
- Ronald Carvalho (literatura);
- Villa Lobos (música);
- Victor Brecheret (escultura);
- Di Cavalcanti (pintura);
- Anita Malfatti (pintura)
- Vicente do Rego Monteiro (pintura)
Tarsila do Amaral no participó en el evento porque estaba en París, pero cuando regresó a Brasil se unió al Grupo de los Cinco. Anita Malfatti, su amiga de las clases de pintura, la introdujo en el grupo, del que también formaban parte Mário de Andrade, Menotti del Picchia y Oswald de Andrade.
Tarsila se enamoró del escritor Oswald de Andrade y ambos acabaron casándose. En 1923, el Grupo de los Cinco se disolvió porque tanto Anita como la pareja Tarsila y Oswald emigraron a París.
Información práctica sobre el marco
El marco Abaporu fue adquirida en 1995 por el coleccionista argentino Eduardo Constantini en una subasta en Nueva York. ¿El precio de venta? Apenas 1,5 millones de dólares.
Actualmente expuesta en el MALBA (Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires), se especula que la obra maestra de Tarsila es la obra brasileña más cotizada del mundo, habiendo alcanzado el valor de venta más alto de la historia de la pintura en el país.
Durante los Juegos Olímpicos de 2016, celebrados en Brasil, Abaporu participó en la exposición titulada El color de Brasil celebrada en Río de Janeiro.
En marzo de 2011, la Abaporu fue prestado de nuevo al gobierno brasileño por el MALBA. Esta vez el lienzo pasó a formar parte de la exposición Mujeres, artistas y brasileños La muestra se celebró en el Salón Oeste del Palacio del Planalto, en Brasilia, y reunió 80 obras del siglo XX pertenecientes a 49 mujeres artistas de Brasil.
En cuanto a las dimensiones, el óleo sobre lienzo Abaporu tiene ochenta y cinco centímetros de alto y setenta y tres de ancho. Abaporu es considerado por muchos historiadores del arte como el cuadro más importante producido en Brasil.
Relectura de Abaporu por Romero Britto
O Abaporu Romero Britto, pintor y escultor de Recife (Pernambuco) afincado en Estados Unidos, por ejemplo, ha realizado un cuadro que es una relectura de Abaporu por Tarsila do Amaral.
Relectura de Abaporu realizado por Romero Brito.
