Абапору од Тарсила до Амарал: значење на делото

Abaporu е класична слика на бразилскиот модернизам, од уметникот Тарсила до Амарал. Сметано за ремек дело од авторката, платното било насликано во масло во 1928 година за да му биде понудено на нејзиниот сопруг во тоа време, писателот Освалд де Андраде.

На сликата можеме да видиме ценење на физичката работа (забелешка стапалото и раката). огромни раце) и девалвација на менталната работа (забележете ја ситната глава).

Името на делото е од Тупи-Гуаранско потекло и значи „ човек кој јаде луѓе “ (канибал или канибал). Насловот на платното е резултат на комбинација од поимите аба (човек), пора (луѓе) и ú (јадат).

Abaporu , од Тарсила до Амарал.

Платното било насликано од Тарсила во јануари 1928 година и му било дадено на нејзиниот сопруг, писателот Освалд де Андраде, како роденденски подарок.

Кога Освалд го доби платното, тој веднаш се воодушеви и рече дека тоа е најдобрата слика што Тарсила некогаш ја насликал. Елементите на екранот, особено необичната фигура во центарот, кај Освалд ја разбудиле идејата за создавање на Антропофагичното движење.

Движењето се состоеше од голтање туѓа култура, инкорпорирање во бразилската реалност за да се поттикне до нова трансформирана култура, модерна и репрезентативна на нашата култура.

Дознајте малку повеќе за животот и делото на Тарсила до Амарал.

Анализа на работа Abaporu

Ова дело означуваантропофагичната фаза на сликарот Тарсила де Амарал која се случила помеѓу 1928 и 1930 година. Можно е да се идентификуваат карактеристичните особини на уметниците како што се изборот на силни бои, вклучувањето на имагинарни теми и промена на реалноста .

На сликата гледаме човек со големи стапала и раце, па дури и сонце и кактус. Овие елементи можат да ја претставуваат физичката работа што била работа на поголемиот дел од бразилското население во тој период.

Од друга страна, мала глава може да значи недостаток на критичко размислување , што е ограничен на напорна работа, но без премногу размислување, со што е можна критика на тогашното општество.

Човекот претставен во Абапору пренесува одредена меланхолија, бидејќи положбата на главата и изразот означуваат некои тага или депресија. Дополнително, големото стапало може да открие и силна врска помеѓу луѓето и земјата .

Техниката на гигантизам веќе била практикувана порано од Тарсила на екранот A negra , насликана во 1923 година:

Сликата A negra , насликана години пред Abaporu , веќе покажа траги од гигантизам кои подоцна ќе се засилат.

Што се однесува до боите што се користат во Abaporu , се чини дека постои јасна алузија на бразилската култура бидејќи се истакнуваат зелената, жолтата и сината боја, кои преовладуваат бои на бразилското знаме.

кактусот се однесува на вегетацијатаод сувите предели, како што е случајот во североисточниот дел, а сонцето ја симболизира напорната рутина на селскиот работник.

Тарсила, во размената кореспонденција во 1924 година, јасно ја покажала својата желба да стане сликарка на нејзината земја:

Се чувствувам сè повеќе Бразилец: Сакам да бидам сликар на мојата земја. Колку сум благодарен што го поминав целото мое детство на фармата. Реминисценциите од тоа време ми стануваат драгоцени. Во уметноста, сакам да бидам каипириња [од фармата] на Сао Бернардо, играјќи си со диви кукли, како на последната слика што ја сликам.

Многу ликовни критичари имаат тенденција да го поврзуваат платното на Тарсила до Амарал со познатата скулптура O Pensador, од Роден, некои дури сугерираат дека Абапору е навистина реинтерпретација на познатото парче на францускиот скулптор.

Факт е дека во двете креации гледаме само еден протагонист, осамен, со замислен и со рака потпрена на главата со слична положба на телото.

Мислителот , од Роден. Многу критичари забележуваат сличност помеѓу скулптурата на францускиот уметник и платното Abaporu , од Тарсила до Амарал.

Детално набљудување на Abaporu

1. Кактус

Кактусот е карактеристичен елемент на североисточната флора и, според тоа, слика што симболично се користи за да се прикаже Бразилецот.

Бидејќи е типично растение на суви места, кактусот е потсетување на сушата иотпор и воспоставува паралела со бразилскиот народ, прославен поради неговата способност за издржливост.

Вреди да се запамети дека кактусот прикажан од Тарсила е, како земјата, зелена, боја многу драга за националниот идентитет поради до неговото силно присуство на знамето.

2. Сонце

Симбол на топлина и енергија што го поттикнува животот, сонцето насликано од Тарсила, исто така, наметнува тешки услови за работа на руралните работници.

На платното е љубопитно што ликот на сонцето е слична до претставата на окото, кое е поставено над фигурата и кактусот, како да ја набљудува сцената.

Во композицијата на делото, местото избрано за сонцето е централно и средно помеѓу кактусот и кактусот. човечкото лице. Се чини дека светлината емитира и дозволува живот и на флората и на фауната.

Жолтата боја на сонцето - како и сината на небото - е присутна и во бојата на националното знаме, што дава работат уште една трага на бразилизам.

3. Мала глава

Деформираната глава е еден од елементите што најмногу го привлекува вниманието на несразмерното тело што го замислила Тарсила. Не случајно, сликарот ја нарекол темата „монструозна фигура“.

Не може јасно да се разграничат карактеристиките на предметното суштество, па не знаеме дали се работи за маж или жена.

Без уста не е можно безбедно да се протолкува изразот на ликот на главата на игличката, освенфактот дека нејзиното лице е потпрено на нејзината рака (дали тоа би било знак на умор?).

Не знаејќи што се случува околу неа, нејзиното лице исто така нема уши и е многу блиску до сонцето. Една од најраспространетите теории меѓу специјалистите е дека малата глава е знак за состојбата на обезвреднување на интелектуалната работа кај нас .

4. Огромни стапала и раце

Протагонистот (или протагонистот?) избран од Тарсила е крајно непропорционална фигура, особено ако ги споредиме димензиите на главата и десните екстремитети (левите екстремитети се испуштени).

Си никнува од Земјата, седи на земја, исто како и кактусот, покажувајќи се интимно поврзан со почвата.

Зголемените стапала и раце го истакнуваат страдањето на бразилскиот работник, премногу важност им се дава на рачната сила и физичката работа наспроти девалвацијата на интелектуалната работа.

Друго можна интерпретација за огромната големина на стапалото е желбата на сликарот да ја нагласи поврзаноста на човекот со Земјата.

Историски контекст

Абапору беше насликан во 1920-тите, посебен период за земјата која го доживуваше крајот на Старата република.

Републиката Велха траеше долги години, почнувајќи од 15 ноември 1889 година (со прогласувањето на Републиката) и завршувајќи со револуцијата од 1930 година, која го собори Вашингтон Луис, последниот претседател наRepública Velha.

И Бразил и особено градот Сао Паоло преземаа големи чекори кон развојот. 1920-тите беа силно обележани со индустријализација.

Во уметничка смисла, 1922 година беше клучна година за бразилските интелектуалци. Во февруари 1922 година, општинскиот театар во Сао Паоло беше домаќин на Неделата на модерната уметност, настан кој ги собра сликарите, скулпторите, композиторите, музичарите и писателите. Настанот беше планиран од крајот на претходната година - 1921 година - од Ди Кавалканти и Маринет Прадо (сопругата на Пауло Прадо).

Уметниците се собраа со желба да направат радикален прекин со актуелната уметност. која ја сметаа за конзервативна. Заеднички, интелектуалците донесоа културен багаж полн со учења научени во Европа. Добар дел од уметниците поминаа сезони на стариот континент и по враќањето дома сакаа да ги применат новитетите што ги виделе.

Големи имиња од националната културна сцена учествуваа на Неделата на модерната уметност, како што се:

• Марио де Андраде (книжевност);
• Освалд де Андраде (книжевност)
• Серџо Милие (книжевност);
• Меноти Дел Пикија (книжевност) ;
• Роналд Карваљо (книжевност);
• Вила Лобос (музика);
• Виктор Брешерет (скулптура);
• Ди Кавалканти (слика);
• Анита Малфати (слика)
• Висенте доРего Монтеиро (слика)

Тарсила до Амарал не учествувала на настанот бидејќи била во Париз, но кога се вратила во Бразил, се приклучила на Групо дос Синко. Анита Малфати, нејзината пријателка од часовите по сликарство, беше таа што ја запозна со групата во која членуваа и Марио де Андраде, Меноти дел Пикија и Освалд де Андраде.

Тарсила се заљуби во писателот Освалд де Андраде и двајцата завршија во брак. Во 1923 година, Grupo dos Cinco се распадна бидејќи и Анита и сопружниците Тарсила и Освалд емигрирале во Париз.

Практични информации за сликата

Сликата Abaporu била стекната во 1995 година од аргентинскиот колекционер Едуардо Константини преку аукција одржана во Њујорк. Вредноста на продажбата? Само 1,5 милиони долари.

Платното моментално е изложено во МАЛБА (Музеј на латиноамериканска уметност во Буенос Аирес). Се шпекулира дека ремек-делото на Тарсила е најценетото бразилско дело во светот, кое ја достигнало највисоката продажна вредност во историјата на сликарскиот бизнис во земјата.

За време на Олимпијадата во 2016 година, домаќин во Бразил, Abaporu учествуваше на изложбата наречена Бојата на Бразил , одржана во Рио де Жанеиро.

Во март 2011 година, Abaporu повторно беше позајмен на Бразилецот влада од МАЛБА. Овој пат платното беше дел од изложбата Жени, уметници иБразилски компании , идеализирани од тогашната претседателка Дилма Русеф. Шоуто се одржа во Западната сала на палатата Планалто, во Бразилија, и собра 80 дела од 20 век кои припаѓаат на 49 женски уметници од Бразил.

Во однос на димензиите, маслото на платно Abaporu е висок осумдесет и пет сантиметри и широк седумдесет и три сантиметри. Abaporu се смета од страна на многу историчари на уметност како најважна слика произведена во Бразил.

Реинтерпретација на Abaporu од Ромеро Брито

O Abaporu имаше големо влијание врз неколку бразилски уметници. Ромеро Брито, сликар и скулптор од Ресифе (Пернамбуко) основан во Соединетите Држави, на пример, направи слика што е реинтерпретација на делото Abaporu , од Тарсила до Амарал.

Реинтерпретација на Abaporu од Ромеро Брито.