Abaporu de Tarsila do Amaral : le sens de l'œuvre

Abaporu Considérée comme l'un de ses chefs-d'œuvre, cette toile a été peinte à l'huile en 1928 pour être offerte à son mari de l'époque, l'écrivain Oswald de Andrade.

Le tableau montre la valorisation du travail manuel (remarquez le pied et la main énormes) et la dévalorisation du travail intellectuel (remarquez la tête minuscule).

Le nom de l'œuvre est d'origine tupi-guarani et signifie ". l'homme qui mange les gens Le titre de la toile est le résultat d'une combinaison des termes "cannibale" et "anthropophage". onglet (homme), pora (personnes) et ú (manger).

Abaporu par Tarsila do Amaral.

La toile a été peinte par Tarsila en janvier 1928 et offerte à son mari, l'écrivain Oswald de Andrade, comme cadeau d'anniversaire.

Lorsqu'Oswald reçoit la toile, il est immédiatement ravi et déclare que c'est le meilleur tableau que Tarsila ait jamais peint. Les éléments de la toile, en particulier la figure inhabituelle au centre, font naître chez Oswald l'idée de créer le Movimento Antropofágico.

Le mouvement consistait à avaler la culture étrangère, à l'incorporer à la réalité brésilienne pour donner naissance à une nouvelle culture transformée, moderne et représentative de notre culture.

En savoir plus sur la vie et l'œuvre de Tarsila do Amaral.

Analyse de l'œuvre Abaporu

Cette œuvre marque la phase anthropophagique du peintre Tarsila de Amaral, qui s'est déroulée entre 1928 et 1930. des couleurs vives, l'inclusion de thèmes imaginaires et changement de réalité .

On y voit un homme aux pieds et aux mains larges, ainsi que le soleil et un cactus. Ces éléments peuvent représenter le travail physique qui était l'occupation de la majorité de la population brésilienne à cette époque.

D'autre part, une petite tête peut signifier un manque d'esprit critique Il s'agit d'une critique possible de la société de l'époque.

L'homme représenté à Abaporu dégage une certaine mélancolie, la position de sa tête et son expression dénotant une certaine tristesse ou dépression. En outre, le grand pied peut également révéler un lien étroit entre l'être humain et la terre .

La technique du gigantisme avait déjà été pratiquée par Tarsila sur la toile Noir peinte en 1923 :

Le cadre Noir peinte des années auparavant Abaporu portait déjà des traces de gigantisme qui allaient s'intensifier par la suite.

Quant aux couleurs utilisées dans Abaporu Il semble y avoir une allusion claire à la culture brésilienne car l'accent est mis sur le vert, le jaune et le bleu, couleurs prédominantes du drapeau brésilien.

Le cactus fait référence à la végétation des régions sèches, comme c'est le cas dans le nord-est, et le soleil symbolise la dure routine du travailleur rural.

Tarsila, dans une correspondance échangée en 1924, exprime clairement son désir de devenir un peintre de son pays :

Je me sens de plus en plus brésilienne : je veux être la peintre de ma terre. Je suis très reconnaissante d'avoir passé toute mon enfance à la ferme. Les souvenirs de cette époque me sont devenus précieux. Je veux, dans l'art, être la caipirinha [fille de ferme] de São Bernardo, jouant avec des poupées de la brousse, comme dans le dernier tableau que je suis en train de peindre.

De nombreux critiques d'art associent souvent la toile de Tarsila do Amaral à la célèbre sculpture de Rodin, Le Penseur ; certains suggèrent même qu'Abaporu est une réédition de la célèbre œuvre du sculpteur français.

En effet, dans les deux créations, on ne voit qu'un seul protagoniste, solitaire, l'air pensif, la main posée sur la tête, avec une posture corporelle similaire.

Le penseur De nombreux critiques observent une similitude entre la sculpture de Rodin et la toile Abaporu par Tarsila do Amaral.

Observation détaillée des Abaporu

1. cactus

Le cactus est un élément caractéristique de la flore du nord-est et, par conséquent, une image symboliquement employée pour représenter la brésilianité.

Plante typique des zones arides, le cactus rappelle la sécheresse et la résistance et établit un parallèle avec le peuple brésilien, célébré pour sa résilience.

Il convient de rappeler que le cactus représenté par Tarsila est, comme le sol, de couleur verte, une couleur très chère à l'identité nationale en raison de sa forte présence dans le drapeau.

2. le soleil

Symbole de la chaleur et de l'énergie qui donnent la vie, le soleil peint par Tarsila impose également des conditions de travail difficiles aux travailleurs ruraux.

Sur la toile, il est curieux que la figure du soleil s'apparente à la représentation d'un œil, qui se place au-dessus de la figure et du cactus, semblant observer la scène.

Dans la composition de l'œuvre, la place choisie pour le soleil est centrale et intermédiaire entre le cactus et le visage humain. Il semble que la lumière émane et permette la vie de la flore et de la faune.

Le jaune du soleil - ainsi que le bleu du ciel - est également présent dans la couleur du drapeau national, ce qui confère à l'œuvre une autre trace de brésilianité.

3. petite tête

La tête déformée est l'un des éléments qui attire le plus l'attention sur le corps disproportionné imaginé par Tarsila. Ce n'est pas par hasard que le peintre a qualifié son sujet de "figure monstrueuse".

On ne peut pas distinguer les traits de la créature en question, on ne sait donc pas s'il s'agit d'un homme ou d'une femme.

Sans bouche, il n'est pas possible d'interpréter avec certitude l'expression du personnage à tête d'épingle, si ce n'est qu'il appuie son visage sur son bras (serait-ce un signe de fatigue ?).

L'une des théories les plus répandues parmi les spécialistes est que la petite tête est un signe de l'état de la la dévalorisation du travail intellectuel dans notre pays .

4. une main et un pied énormes

Le protagoniste (ou la protagoniste ?) choisi par Tarsila est une figure extrêmement disproportionnée, surtout si l'on compare les dimensions de la tête et des membres droits (les membres gauches sont omis).

Il jaillit de la terre, s'installe dans le sol, comme le cactus, se montrant intimement lié au sol.

Les pieds et les mains élargis soulignent la souffrance du travailleur brésilien, l'importance excessive accordée au travail manuel et physique par rapport à la dévalorisation du travail intellectuel.

Une autre interprétation possible de la taille énorme du pied est le désir du peintre de souligner le lien entre l'homme et la terre.

Historique

Abaporu a été peinte dans les années 1920, une période particulière pour le pays qui arrivait à la fin de la Vieille République.

La Vieille République a duré longtemps, du 15 novembre 1889 (avec la proclamation de la République) à la Révolution de 1930, qui a déposé Washington Luís, le dernier président de la Vieille République.

Le Brésil et surtout la ville de São Paulo progressent à grands pas vers le développement. Les années 1920 sont fortement marquées par l'industrialisation.

Sur le plan artistique, 1922 est une année clé pour les intellectuels brésiliens. En février 1922, le Teatro Municipal de São Paulo accueille la Semana de Arte Moderna, un événement qui réunit des peintres, des sculpteurs, des compositeurs, des musiciens et des écrivains. L'événement est planifié depuis la fin de l'année précédente - 1921 - par Di Cavalcanti et Marinette Prado (l'épouse de Paulo Prado).

Les artistes se sont regroupés avec le désir de rompre radicalement avec l'art en vigueur, qu'ils considéraient comme conservateur. Les intellectuels avaient en commun un bagage culturel rempli d'enseignements appris en Europe. Bon nombre d'artistes avaient séjourné sur le vieux continent et, une fois rentrés chez eux, ils voulaient mettre en pratique les nouveautés qu'ils avaient vues.

De grands noms de la scène culturelle nationale ont participé à la Semaine de l'art moderne, notamment :

• Mário de Andrade (littérature) ;
• Oswald de Andrade (littérature)
• Sérgio Milliet (littérature) ;
• Menotti Del Picchia (littérature) ;
• Ronald Carvalho (littérature) ;
• Villa Lobos (musique) ;
• Victor Brecheret (sculpture) ;
• Di Cavalcanti (peinture) ;
• Anita Malfatti (peinture)
• Vicente do Rego Monteiro (peinture)

Tarsila do Amaral n'a pas participé à l'événement parce qu'elle était à Paris, mais à son retour au Brésil, elle a rejoint le Groupe des Cinq. Anita Malfatti, son amie des cours de peinture, l'a présentée au groupe, qui comprenait également Mário de Andrade, Menotti del Picchia et Oswald de Andrade.

Tarsila tombe amoureuse de l'écrivain Oswald de Andrade et les deux se marient. En 1923, le Groupe des Cinq se dissout car Anita et le couple Tarsila et Oswald immigrent à Paris.

Informations pratiques sur le cadre

Le cadre Abaporu a été acquise en 1995 par le collectionneur argentin Eduardo Constantini lors d'une vente aux enchères à New York, pour un montant de 1,5 million de dollars.

Actuellement exposé au MALBA (musée d'art latino-américain de Buenos Aires), le chef-d'œuvre de Tarsila est considéré comme l'œuvre brésilienne la plus estimée au monde, ayant atteint la valeur de vente la plus élevée de l'histoire de la peinture dans le pays.

Pendant les Jeux olympiques de 2016, organisés au Brésil, Abaporu a participé à l'exposition intitulée La couleur du Brésil à Rio de Janeiro.

En mars 2011, le Abaporu a de nouveau été prêtée au gouvernement brésilien par MALBA. Cette fois-ci, la toile a fait partie de l'exposition Femmes, artistes et Brésiliens L'exposition s'est tenue dans le Hall Ouest du Palais Planalto à Brasilia, et a rassemblé 80 œuvres du 20ème siècle appartenant à 49 femmes artistes du Brésil.

En termes de dimensions, l'huile sur toile Abaporu mesure quatre-vingt-cinq centimètres de haut et soixante-treize centimètres de large. Abaporu est considérée par de nombreux historiens de l'art comme la peinture la plus importante réalisée au Brésil.

Relecture de la Abaporu par Romero Britto

O Abaporu Romero Britto, peintre et sculpteur de Recife (Pernambouc) installé aux États-Unis, a par exemple réalisé une peinture qui est une relecture de l'œuvre Abaporu par Tarsila do Amaral.

Relecture de la Abaporu réalisée par Romero Brito.