Plafond de la chapelle Sixtine : analyse détaillée de tous les panneaux

La chapelle Sixtine abrite l'une des œuvres les plus emblématiques de toute la Renaissance italienne : le plafond de la chapelle Sixtine.

Les peintures ont été réalisées à l'aide de la technique de la fresque par Michelangelo Buonarroti (1475-1564), et commandée par la Pape Jules II (1443- 1513).

Michel-Ange se reconnaissant avant tout comme un sculpteur, c'est à contrecœur qu'il accepte l'invitation du pape.

L'œuvre a été commencée en 1508 et achevée en 1512, ce qui constitue un exploit impressionnant si l'on considère que l'artiste l'a réalisée seul et allongé.

Analyse des peintures du plafond

La division du plafond présente les caractéristiques suivantes neuf panneaux Le choix du thème biblique établit un lien entre les débuts de l'humanité et la venue du Christ, qui n'est pas présent dans la composition.

Plafond de la chapelle Sixtine

Les dessins sont influencés par la sculpture et l'on comprend l'importance qu'ils ont dans l'œuvre de l'artiste. De même, les images révèlent la maîtrise de Michel-Ange dans la représentation et la connaissance de l'anatomie humaine.

Les figures sont essentiellement fortes, énergiques et puissantes, mais aussi élégantes. Ce sont des êtres musclés qui se contorsionnent de manière presque impossible, ce qui donne du mouvement et de l'énergie à l'ensemble de la composition.

Cette vivacité dans la composition est certainement le reflet du moment historique que vivait l'Italie et qui allait bientôt s'étendre à toute l'Europe : ce n'était pas seulement la renaissance de l'art classique qui était insufflée, mais aussi la redécouverte de la philosophie grecque et de l'humanisme romain.

Une nouvelle Europe est en train de naître, laissant derrière elle le Moyen Âge pour entrer dans l'ère moderne, où le centre du "monde" est devenu l'homme.

Les neuf panneaux racontent l'histoire de la création : le premier représente la séparation de la lumière et des ténèbres ; le deuxième dépeint la création du soleil, de la lune et des planètes ; le troisième représente la séparation de la terre et de la mer.

La création d'Adam

Le quatrième panneau est la création d'Adam, l'une des images les plus répandues et les plus reconnues au monde. Ici, Adam est penché en arrière, comme paresseux, et semble forcer Dieu à un dernier effort pour pouvoir toucher ses doigts et lui donner ainsi la vie.

Contrairement à la figure "paresseuse" d'Adam, Dieu est doté de mouvement et d'énergie, et même ses cheveux bougent sous l'effet d'une brise invisible.

Sous son bras gauche, Dieu porte la figure d'Ève, qui lui tient le bras et attend patiemment qu'Adam reçoive l'étincelle de vie pour la recevoir à son tour.

Création d'Adam

Voir l'analyse plus détaillée de La création d'Adam.

Dans le cinquième panneau (central), nous voyons enfin la création d'Eve. Dans le sixième, nous assistons à l'expulsion d'Adam et Eve du paradis. Dans le septième, nous voyons le sacrifice de Noé. Dans le huitième, nous assistons au déluge universel et dans le neuvième, qui est le dernier, à l'ivresse de Noé.

Le long des panneaux, on trouve également la représentation alternée de Prophètes (Zacharie, Joël, Isaïe, Ezéchiel, Daniel, Jérémie et Jonas) et Sibylles (Il s'agit d'une juxtaposition du christianisme et du paganisme, que certains historiens considèrent comme un moyen subtil trouvé par l'artiste pour critiquer l'Église.

Les panneaux sont encadrés par des éléments architecturaux peints (y compris des figures sculpturales) avec un réalisme extrême et avec lesquels les personnages interagissent. Certains s'assoient, d'autres s'appuient sur ces éléments d'architecture factice.

Aux quatre coins du plafond, nous avons également la représentation des grands sauvetages d'Israël.

Dispersés au centre de la composition, nous voyons également vingt figures masculines nues assises, appelées les " Ignudi "un nom attribué par l'artiste lui-même.

Ignudis, figures masculines nues, dans la chapelle Sixtine

Ces figures apparaissent autour de cinq des neuf panneaux du plafond, à savoir dans "l'ivresse de Noé", le "sacrifice de Noé", la "création d'Eve", la "séparation de la terre et de la mer" et la "séparation de la lumière et des ténèbres".

Toutefois, on ne sait pas exactement ce qu'ils représentent ni la raison de leur inclusion.

Le jugement dernier

Plus de vingt ans plus tard, Michel-Ange est revenu à la chapelle Sixtine pour y réaliser une œuvre d'art. Le jugement dernier (1536-1541), une fresque peinte sur le mur de l'autel de la chapelle.

Cette œuvre a été commandée à Michel-Ange par Pape Clément VII (1478-1534), mais les travaux ne commenceront qu'après la mort de ce pape et déjà sous le pontificat de Paul III (1468- 1549).

Contrairement à la vitalité, au rythme et à l'énergie rayonnante des fresques du plafond, la représentation de la Jugement final Au total, il y a trois cent quatre-vingt-onze corps représentés nus à l'origine (y compris la Vierge).

Le jugement dernier peint après la réalisation des fresques du plafond de la chapelle

La composition est dominée par la figure centrale d'un Christ implacable et redoutable, tandis qu'à l'arrière-plan se trouve un ciel déchiré et qu'en bas, on voit les anges souffler dans leurs trompettes pour annoncer le Jugement dernier.

Aux côtés du Christ, la Vierge détourne le regard, refusant de voir le chaos, la misère, la souffrance et le fait que tous les pécheurs seront jetés en enfer.

L'une des figures représentées est Saint-Barthélemy qui tient le couteau de son sacrifice dans une main et sa peau écorchée dans l'autre.

On pense que Michel-Ange a élaboré son autoportrait à partir de l'image du saint, de sorte que le visage déformé à la peau écorchée est celui de l'artiste lui-même, peut-être une métaphore pour représenter son âme torturée.

Saint Barthélemy en détail de Jugement final

Les différences entre les peintures du plafond et du mur de l'autel sont liées à la contextualisation culturelle et politique différente au moment où l'œuvre a été réalisée.

L'Europe connaît alors une crise spirituelle et politique, les années de la Réforme commencent, qui conduiront à la séparation au sein de l'Église. Il semble que la composition serve d'avertissement : les ennemis de l'Église sont condamnés. Il n'y a pas de pardon, car le Christ est implacable.

Le fait que tous les personnages de cette œuvre aient été peints sans vêtements a suscité une controverse dans les années qui ont suivi. Beaucoup ont accusé l'Église d'hypocrisie et ont considéré cette peinture comme scandaleuse.

Pendant plus de vingt ans, les accusateurs de l'œuvre ont répandu l'idée que l'Église incluait une œuvre obscène dans l'une de ses principales installations, faisant campagne pour que les peintures soient détruites.

Craignant le pire, l'Église, en la personne de Pape Clément VII (1478-1534) a fait repeindre quelques nus, dans le but de préserver l'œuvre originale et d'éviter ainsi sa destruction. Ce travail a été réalisé par Daniele da Volterra l'année de la mort de Michel-Ange.

Travaux de restauration

Les dernières restaurations (1980 et 1994) de la chapelle Sixtine, axées sur le nettoyage des fresques, ont révélé une facette de Michel-Ange qui était involontairement ignorée par les historiens.

Jusqu'alors, seules la forme et la conception étaient valorisées dans cette œuvre, l'accent étant mis sur le dessin au détriment de la couleur. Cependant, le nettoyage de siècles de saleté et de fumée de bougie a révélé une palette de couleurs vibrantes dans l'œuvre originale de Michel-Ange.

Il a ainsi été prouvé que l'artiste était non seulement un génie du dessin et de la sculpture, mais aussi un excellent coloriste du niveau de Léonard de Vinci lui-même.

Détail de la restauration avant et après

La chapelle Sixtine

La chapelle Sixtine (1473-1481) est située dans la résidence officielle du pape, le palais apostolique du Vatican. Sa construction s'inspire du temple de Salomon. C'est dans cette chapelle que le pape célèbre parfois la messe et que le conclave se réunit pour élire un nouveau pape.

La chapelle a servi d'atelier à certains des plus grands artistes de la Renaissance italienne, non seulement Michel-Ange, mais aussi Rafael , Bernini e Botticelli .

Mais il est indéniable qu'aujourd'hui, la simple évocation du nom de la chapelle nous renvoie à ses fresques grandioses du plafond et de l'autel exécutées par Michel-Ange.

Michelangelo Buonarotti

Michel-Ange (1475-1564) est l'une des icônes de la Renaissance et est considéré comme l'un des plus grands génies de l'art de tous les temps.

D'un caractère difficile, son génie est pourtant reconnu dès son plus jeune âge. Il fréquente l'école de l'Institut de l'Université de Paris. Domenico Ghirlandaio et à l'âge de quinze ans Laurent II de Médicis l'a pris sous sa protection.

Humaniste et fasciné par l'héritage classique, l'œuvre de Michel-Ange se concentre sur l'image humaine comme moyen d'expression essentiel, ce qui se manifeste également dans ses sculptures.

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