Abaporu av Tarsila do Amaral: betydningen av verket

Abaporu er et klassisk maleri av brasiliansk modernisme, av kunstneren Tarsila do Amaral. Betraktet som et mesterverk av forfatteren, ble lerretet malt i olje i 1928 for å bli tilbudt hennes ektemann på den tiden, forfatteren Oswald de Andrade.

I maleriet kan vi se verdsettingen av manuelt arbeid (merknad foten og hånden). enorme hender) og devalueringen av mentalt arbeid (merk det lille hodet).

Navnet på verket er av Tupi-Guarani opprinnelse og betyr " mann som spiser mennesker " (kannibal eller kannibal ). Tittelen på lerretet er resultatet av en kombinasjon av begrepene aba (mann), pora (mennesker) og ú (spise).

Abaporu , av Tarsila do Amaral.

Lerretet ble malt av Tarsila i januar 1928 og gitt til mannen hennes, forfatteren Oswald de Andrade, i bursdagsgave.

Da Oswald mottok lerretet ble han umiddelbart henrykt og sa at det var det beste maleriet Tarsila noen gang hadde malt. Elementene på skjermen, spesielt den uvanlige figuren i sentrum, vekket i Oswald ideen om å skape den antropofatiske bevegelsen.

Bevegelsen besto av å svelge fremmed kultur, inkorporere den i den brasilianske virkeligheten for å gi opphav til en ny transformert kultur, moderne og representativ for vår kultur.

Vet litt mer om livet og arbeidet til Tarsila do Amaral.

Arbeidsanalyse Abaporu

Dette arbeidet markererden antropofagiske fasen til maleren Tarsila de Amaral som fant sted mellom 1928 og 1930. Det er mulig å identifisere karakteristiske trekk ved kunstnerne som valg av sterke farger, inkludering av imaginære temaer og endring av virkeligheten .

I maleriet ser vi en mann med store føtter og hender, og til og med solen og en kaktus. Disse elementene kan representere det fysiske arbeidet som var jobben til det meste av den brasilianske befolkningen i den perioden.

På den annen side kan et lite hode bety mangel på kritisk tenkning , som er begrenset til å jobbe hardt, men uten å tenke for mye, og dermed være en mulig kritikk av datidens samfunn.

Mannen representert i Abaporu formidler en viss melankoli, da plasseringen av hodet og uttrykket betegner noen tristhet eller depresjon. I tillegg kan bigfoot også avsløre en sterk forbindelse mellom mennesker og jorden .

Gigantismeteknikken hadde allerede blitt praktisert før av Tarsila på skjermen A negra , malt i 1923:

Maleriet A negra , malt år før Abaporu , viste allerede spor av gigantisme som senere skulle forsterkes .

Når det gjelder fargene som brukes i Abaporu , ser det ut til å være en klar hentydning til brasiliansk kultur ettersom grønt, gult og blått er fremhevet, de dominerende fargene til det brasilianske flagget.

kaktus refererer til vegetasjonenfra tørre områder, som tilfellet er i nordøst, og solen symboliserer den harde rutinen til landarbeideren.

Tarsila, i korrespondanse utvekslet i 1924, gjorde klart at hun ønsket å bli maler av landet sitt:

Jeg føler meg mer og mer brasiliansk: Jeg vil være maleren av landet mitt. Så takknemlig jeg er for å ha tilbrakt hele barndommen min på gården. Erindringene fra den tiden blir dyrebare for meg. I kunsten ønsker jeg å være caipirinha [fra gården] i São Bernardo, leke med ville dukker, som i det siste maleriet jeg maler.

Mange kunstkritikere har en tendens til å assosiere Tarsila do Amarals lerret med den berømte skulpturen O Pensador, av Rodin, noen antyder til og med at Abaporu egentlig er en nytolkning av det berømte stykket av den franske billedhuggeren.

Faktum er at i begge kreasjonene ser vi bare en enkelt hovedperson, ensom, med en ettertenksom og med hånden hvilende på hodet med en lignende kroppsholdning.

Tenkeren , av Rodin. Mange kritikere bemerker en likhet mellom skulpturen av den franske kunstneren og lerretet Abaporu av Tarsila do Amaral.

Detaljert observasjon av Abaporu

1. Kaktus

Kaktusen er et karakteristisk element i den nordøstlige floraen og er derfor et bilde som symbolsk brukes for å skildre brasilianskheten.

Siden det er en typisk plante på tørre steder, er kaktusen en påminnelse om tørken ogmotstand og etablerer en parallell med det brasilianske folket, feiret for sin evne til motstandskraft.

Det er verdt å huske at kaktusen som er fremstilt av Tarsila, er, i likhet med bakken, grønn, en farge som er svært kjær for den nasjonale identiteten på grunn av til sin sterke tilstedeværelse på flagget.

2. Sol

Symbol på varme og energi som forsoner livet, solen malt av Tarsila pålegger også tøffe arbeidsforhold for landarbeidere.

På lerretet er det merkelig at solskikkelsen er lik. til representasjonen av et øye, som er plassert over figuren og kaktusen, som ser ut til å observere scenen.

I komposisjonen av verket er stedet valgt for solen sentralt og midt mellom kaktusen og det menneskelige ansiktet. Det ser ut til at lyset kommer ut og tillater liv til både flora og fauna.

Det gule fra solen - så vel som det blå på himmelen - er også tilstede i fargen på nasjonalflagget, noe som gir arbeid med et annet spor av brasilianskhet .

3. Lite hode

Det deformerte hodet er et av elementene som trekker mest oppmerksomhet til den uforholdsmessige kroppen som Tarsila har forestilt seg. Ikke ved en tilfeldighet kalte maleren motivet en "monstrøs figur".

Det er ikke mulig å tydelig skille trekk ved den aktuelle skapningen, så vi vet ikke om det er en mann eller en kvinne.

Uten en munn er det ikke mulig å trygt tolke uttrykket til knappenålshodet, bortsett fradet faktum at ansiktet hennes hviler på armen hennes (vil det være et tegn på tretthet?).

Uvitende om hva som skjer rundt henne, mangler ansiktet hennes også ører og er veldig nær solen. En av de mest utbredte teoriene blant spesialister er at et lite hode er et tegn på tilstanden devaluering av intellektuelt arbeid i vårt land .

4. Enorme føtter og hender

Protagonisten (eller hovedpersonen?) valgt av Tarsila er en ekstremt uforholdsmessig figur, spesielt hvis vi sammenligner dimensjonene til hodet og høyre lemmer (venstre lemmer er utelatt).

Den spirer fra jorden, sitter på bakken, akkurat som kaktusen, og viser seg nært knyttet til jorda.

De forstørrede føttene og hendene fremhever lidelsen til den brasilianske arbeideren, den for mye vekt gitt til manuell styrke og fysisk arbeid i motsetning til devaluering av intellektuelt arbeid.

En annen mulig tolkning for fotens enorme størrelse er malerens ønske om å understreke menneskets forbindelse med jorden.

Historisk kontekst

Abaporu ble malt på 1920-tallet, en spesiell periode for landet som opplevde slutten på den gamle republikken.

Republikken Velha varte i mange år, som startet 15. november 1889 (med proklamasjonen av republikken) og endte med revolusjonen i 1930, som avsatte Washington Luís, den siste presidenten iRepública Velha.

Både Brasil og spesielt byen São Paulo tok store skritt mot utvikling. 1920-tallet var sterkt preget av industrialisering.

I kunstneriske termer var 1922 et nøkkelår for brasilianske intellektuelle. I februar 1922 var São Paulo kommunale teater vertskap for Modern Art Week, en begivenhet som samlet malere, skulptører, komponister, musikere og forfattere. Arrangementet hadde vært planlagt siden slutten av året før - 1921 - av Di Cavalcanti og Marinette Prado (Paulo Prados kone).

Kunstnerne samlet seg med ønsket om å gjøre et radikalt brudd med dagens kunst. , som de anså som konservative. Til felles hadde de intellektuelle med seg en kulturell bagasje full av læresetninger lært i Europa. En god del av kunstnerne hadde tilbrakt sesonger på det gamle kontinentet og ønsket etter hjemkomsten å sette ut i livet de nyvinningene de hadde sett.

Store navn fra den nasjonale kulturscenen deltok på Modern Art Week, som:

• Mário de Andrade (litteratur);
• Oswald de Andrade (litteratur)
• Sérgio Milliet (litteratur);
• Menotti Del Picchia (litteratur) ;
• Ronald Carvalho (litteratur);
• Villa Lobos (musikk);
• Victor Brecheret (skulptur);
• Di Cavalcanti (maleri);
• Anita Malfatti (maleri)
• Vicente doRego Monteiro (maleri)

Tarsila do Amaral deltok ikke i arrangementet fordi hun var i Paris, men da hun kom tilbake til Brasil, ble hun med i Grupo dos Cinco. Anita Malfatti, venninnen hennes fra malerkurs, var den som introduserte henne for gruppen som også hadde Mário de Andrade, Menotti del Picchia og Oswald de Andrade som medlemmer.

Tarsila ble forelsket i forfatteren Oswald de Andrade og de to endte opp med å gifte seg. I 1923 ble Grupo dos Cinco oppløst fordi både Anita og ekteparet Tarsila og Oswald immigrerte til Paris.

Praktisk informasjon om maleriet

Maleriet Abaporu ble anskaffet i 1995 av den argentinske samleren Eduardo Constantini gjennom en auksjon holdt i New York. Verdien av salget? Bare 1,5 millioner dollar.

Lerretet er for tiden utstilt på MALBA (Museum of Latin American Art i Buenos Aires). Det spekuleres i at Tarsilas mesterverk er det mest verdsatte brasilianske verket i verden, etter å ha nådd den høyeste salgsverdien i historien til malerbransjen i landet.

Under OL 2016, arrangert i Brasil, Abaporu deltok i utstillingen kalt The color of Brazil , holdt i Rio de Janeiro.

I mars 2011 ble Abaporu igjen lånt ut til brasilianeren regjering av MALBA. Denne gangen var lerretet en del av utstillingen Kvinner, kunstnere ogBrasilianske selskaper , idealisert av daværende president Dilma Rousseff. Showet ble holdt i West Hall of the Planalto Palace, i Brasília, og samlet 80 verk fra 1900-tallet som tilhørte 49 kvinnelige kunstnere fra Brasil.

I forhold til dimensjoner, oljen på lerret Abaporu er åttifem centimeter høy og syttitre centimeter bred. Abaporu regnes av mange kunsthistorikere som det viktigste maleriet produsert i Brasil.

Retolkning av Abaporu av Romero Britto

O Abaporu hadde stor innflytelse på flere brasilianske artister. Romero Britto, en maler og skulptør fra Recife (Pernambuco) etablert i USA, produserte for eksempel et maleri som er en nytolkning av verket Abaporu , av Tarsila do Amaral.

Nytolkning av Abaporu av Romero Brito.