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Lorsque l'on parle de l'avant-garde européenne, on fait référence aux différents mouvements artistiques qui ont eu lieu au début du 20e siècle dans différents pays du continent européen.
Il s'agit de courants qui cherchent à renouveler la culture en s'appuyant sur la création artistique à travers différents langages, en particulier la peinture.
Ce groupe comprend l'avant-garde : expressionnisme, fauvisme, cubisme, futurisme, dadaïsme et surréalisme Ils ont marqué un moment culturel et influencé l'art qui allait suivre, y compris sur le sol brésilien.
Les avant-gardes en Europe : contexte historique, motivations et caractéristiques générales
Les courants qui ont émergé dans l'art de la première décennie du siècle dernier reflétaient les idéaux de leur époque, marquée par de profonds changements dans le monde.
Le contexte historique a été marqué par des innovations industrielles, technologiques et scientifiques, ainsi que par des mouvements autoritaires (fascisme en Italie et nazisme en Allemagne), en plus de la révolution russe et de la Première Guerre mondiale.
Au cours de cette période, la structure capitaliste a fait un bond et les inégalités entre la bourgeoisie et le prolétariat se sont accentuées, ce qui a entraîné l'émergence de mouvements en faveur de meilleures conditions de vie, tels que les organisations syndicales.
C'est dans ce chaudron de contradictions et de contrastes que les artistes sont immergés et c'est donc naturellement que l'art qu'ils produisent est impacté par toutes les angoisses et les questions de l'époque.
Voir également: Bráulio Bessa et ses 7 meilleurs poèmesC'est grâce à des moyens esthétiques novateurs qu'ils ont réussi à transmettre de nouvelles idées et à exprimer une partie de la perplexité qui régnait dans la société actuelle.
Les avant-gardes ont proposé la fragmentation des formes, l'arbitraire des couleurs, l'exagération et l'absurdité comme autant de moyens de refléter un monde nouveau en train de naître.
Ils ont apporté une sorte de rébellion, cherchant à rompre avec l'art traditionnel et proposant une manière totalement nouvelle de regarder l'art et l'être humain.
Mouvements artistiques de l'avant-garde européenne
Expressionnisme : la représentation de l'angoisse
Le mouvement expressionniste prend forme avec la création d'un collectif appelé Die Brücke (Le pont), conçu par les artistes Ernst Kirchner (1880-1938), Erich Heckel (1883-1970) et Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976) en 1905 à Dresde, en Allemagne.
Rue Dresda (1908) d'Ernst Ludwig Kirchner
L'objectif du groupe était de représenter des sentiments intenses, tels que la peur, l'angoisse, l'anxiété, la solitude et l'impuissance, ce qui explique que les œuvres expressionnistes aient un aspect très particulier. nature pessimiste peut-être agressive et exagérée, avec des couleurs contrastées et des coups de pinceau vigoureux.
L'expressionnisme est donc aussi un contrepoint au style impressionniste, positif et "lumineux" qui avait émergé auparavant.
Les artistes importants pour l'émergence de ce courant sont Edvard Munch et Vincent Van Gogh, le premier étant considéré comme un précurseur de la tendance.
Fauvisme : arbitraire des couleurs
Le fauvisme est le nom du mouvement dont les représentants sont André Derain (1880-1954), Maurice de Vlaminck (1876-1958), Othon Friesz (1879-1949) et Henri Matisse (1869-1954), le plus célèbre du groupe.
Dans ce style de peinture, les artistes recherchent la liberté dans la représentation des formes et l'utilisation des couleurs. Les scènes présentent des figures simplifiées, dans lesquelles il n'y a pas d'engagement de représentation réaliste.
Harmonie en rouge (1908), par Henri Matisse
De même, l'utilisation du chromatisme se fait de manière directe, généralement sans mélange de pigments et de dégradés. des couleurs intenses et pures arbitrairement employée.
Le terme "fauvisme" est dérivé de les fauves Le nom a été donné par le critique d'art Louis Vauxcelles qui, en 1905, a visité le "Salon d'automne" à Paris et a été choqué par les œuvres de ces artistes, les qualifiant péjorativement de "sauvages".
Matisse a été le plus important des fauvistes, produisant des œuvres qui influenceront plus tard le design et la mode.
En savoir plus sur le fauvisme.
Cubisme : géométrisation et fragmentation des figures
Le cubisme est peut-être l'avant-garde artistique la plus importante de cette période. Il est né des travaux de Paul Cézzane (1838-1906), qui a commencé à explorer les formes cylindriques, sphériques et coniques.
Les représentants de ce mouvement sont Pablo Picasso (1881-1973) et Georges Braque (1882-1963). Ces artistes cherchent à décomposer les figures, comme s'ils les "ouvraient" sur un seul plan. Ils n'ont donc manifestement pas d'attachement à la représentation du réel.
Les demoiselles d'Avignon (1907), de Picasso, est considérée comme la première œuvre cubiste
L'idée était de géométriser et de décomposer les chiffres montrant plusieurs points de vue sous le même angle, transformant la notion de tridimensionnalité, représentation tant souhaitée par la Renaissance.
Le mouvement s'est développé selon deux axes, analytique et synthétique. cubisme analytique Dans ce courant, la désintégration des figures est poussée jusqu'à ses ultimes conséquences, rendant les objets méconnaissables.
Par la suite, le cubisme synthétique Dans ce courant, il y avait aussi l'insertion d'objets réels dans les œuvres, comme des morceaux de bois, de verre et des collages de lettres et de chiffres, raison pour laquelle ce style est aussi appelé Collage.
Futurisme : la vitesse et l'agressivité comme objectif
Contrairement aux autres mouvements d'avant-garde, le futurisme est un mouvement qui exalte une idéologie basée sur la violence, la technologie, l'industrialisation et le dynamisme.
Rédigé par l'écrivain Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944), le manifeste futuriste de 1909 s'adresse avant tout à la littérature.
Le dynamisme d'une voiture (1913), de Luigi Russolo
Après un certain temps, les arts visuels ont également été intégrés, avec Umberto Boccioni (1882-1916), Carlos Carrà (1881-1966), Luigei Russolo (1885-1974) et Giacomo Balla (1871-1958).
Ces artistes ont cherché à représenter les la vitesse du monde moderne en s'appuyant sur idées fascistes Certains membres de ce groupe ont ensuite rejoint le parti fasciste italien.
Le dadaïsme : l'"anti-art
Lorsque la Première Guerre mondiale a éclaté (1914-1918), un certain nombre d'intellectuels et d'artistes qui s'opposaient aux horreurs du conflit et répudiaient la participation de leur pays à la guerre se sont exilés à Zurich, en Suisse.
Source (1917), de Marcel Duchamp
C'est dans ce contexte, et en croyant profondément au monde dans lequel ils vivaient, qu'ils ont fondé un mouvement dans le but de montrer la perplexité et l'absurdité de leur époque.
La chaîne s'intitule Dadá, un terme choisi au hasard lorsque le poète Tristan Tzara (1896-1963) ouvre un dictionnaire et met le doigt sur ce mot qui signifie en français "petit cheval".
C'est ainsi qu'est né le dadaïsme, qui entendait créer un art basé sur la pensée libre et spontanée, qui considérait le hasard comme un outil du processus créatif.
L'idée principale de ces artistes était critiquer et satiriser la norme actuelle Le courant ne se limitait donc pas aux arts, mais proposait un changement culturel et idéologique en se qualifiant d'"anti-art".
Dans le domaine des arts visuels, Marcel Duchamp (1887-1868) a fait sensation en présentant des objets prêts à l'emploi comme des œuvres d'art. des produits prêts à l'emploi L'une de ces œuvres est le célèbre Source (1917), un urinoir signé d'un pseudonyme et placé dans un salon d'art.
Le surréalisme : à la recherche de l'univers onirique
Le surréalisme apparaît dans les arts comme une ramification du courant dadaïste, dans le sens où il cherche également à s'opposer au matérialisme et au rationalisme de l'époque.
Sommeil (1937), de Salvador Dalí
Ce courant est apparu en 1924 avec le manifeste d'André Breton (1896-1966), qui défendait l'utilisation de l'image de marque. automatisme psychique comme instrument de création, produisant ainsi des œuvres à caractère onirique, basées sur l'univers des rêves, des métaphores et de l'absurde.
Salvador Dalí est l'artiste le plus connu de ce courant, mais il y a aussi Marc Chagall (1887-1985), Joan Miró (1893-1983) et Max Ernst (1891-1976).
Littérature et avant-garde européenne
La plupart des avant-gardes européennes se sont illustrées dans les arts visuels, mais certains courants se sont également développés dans la littérature, et certains sont même nés de manifestes littéraires.
C'est le cas du futurisme, qui emploie des noms au hasard, des verbes à l'infinitif, des onomatopées et supprime la ponctuation.
Le dadaïsme avait également sa place dans le langage écrit, le poète Tristan Tzara affirmant que pour faire un texte dadaïste, il fallait que "la pensée sorte de la bouche".
La littérature surréaliste, comme la peinture, renvoie également au monde de l'inconscient et est représentée par André Breton.
Voir également: Les 20 meilleurs poèmes de Florbela Espanca (avec analyse)Comment l'avant-garde européenne a-t-elle influencé l'art brésilien ?
Au Brésil, l'avant-garde européenne a fortement influencé les arts et la culture à partir des années 1920. Cependant, des années auparavant, un artiste présentait déjà des œuvres aux caractéristiques expressionnistes, il s'agissait de Lasar Segall (1891-1957).
Bananal (1927), de Lasar Segall
Le peintre, né en Lituanie, a vécu et étudié en Allemagne. Il est venu au Brésil en 1913 pour y organiser une exposition, un événement qui a marqué le modernisme national.
En 1924, Segall s'installe au Brésil et commence à produire des toiles sur le thème du nouveau pays. Le peintre est le premier à apporter la fraîcheur et la critique inhérentes à l'avant-garde, mais il s'agit encore d'un regard étranger, ce qui fait qu'il n'est pas rejeté de manière très intense.
Il n'en va pas de même pour la peintre brésilienne Anita Malfatti (1896-1964) qui, après avoir étudié l'art en Europe et avoir été influencée par l'avant-garde, a organisé des expositions en 1914 et 1917, cette dernière ayant été sévèrement critiquée par l'écrivain Monteiro Lobato.
Tropical (1917), par Anita Malfatti
Ainsi, à partir des répercussions négatives de ces artistes, d'autres intellectuels ont commencé à s'intéresser à de nouvelles propositions esthétiques venues de l'extérieur.
Ils idéalisent la Semaine de l'art moderne de 1922, manifestation au cours de laquelle ils exposent leurs productions inspirées de courants étrangers, mais soucieuses de thèmes nationaux. Ces œuvres couvrent aussi bien les arts visuels que la littérature et même la musique.
On peut citer comme personnalités qui se sont distinguées à cette époque et dans celles qui ont suivi : Oswald de Andrade, Mario de Andrade, Di Cavalcante, Tarsila do Amaral, Vicente do Rego Monteiro, Menotti del Picchia, entre autres.
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