vanguards ເອີຣົບ: ການເຄື່ອນໄຫວ, ລັກສະນະແລະອິດທິພົນໃນ Brazil

ເມື່ອພວກເຮົາເວົ້າກ່ຽວກັບກອງພົນຂອງເອີຣົບ, ພວກເຮົາຫມາຍເຖິງການເຄື່ອນໄຫວສິລະປະທີ່ແຕກຕ່າງກັນທີ່ເກີດຂື້ນໃນຕອນຕົ້ນຂອງສະຕະວັດທີ 20 ໃນປະເທດຕ່າງໆໃນທະວີບເອີຣົບ.

ເຫຼົ່ານີ້ແມ່ນທ່າອ່ຽງທີ່ສະແຫວງຫາການຟື້ນຟູວັດທະນະທໍາ, ອີງໃສ່. ກ່ຽວກັບການສ້າງສິລະປະຜ່ານພາສາຕ່າງໆ, ໂດຍສະເພາະແມ່ນການແຕ້ມຮູບ.

ກຸ່ມນີ້ປະກອບມີ: Expressionism, Fauvism, Cubism, Futurism, Dadaism ແລະ Surrealism , ຮັບຜິດຊອບສໍາລັບການກໍານົດເວລາວັດທະນະທໍາແລະອິດທິພົນຂອງສິລະປະ. ທີ່ຈະປະຕິບັດຕາມ, ລວມທັງໃນດິນ Brazilian.

Avant-gardes ໃນເອີຣົບ: ສະພາບການປະຫວັດສາດ, ແຮງຈູງໃຈແລະລັກສະນະທົ່ວໄປ

ກະແສທີ່ປະກົດຂຶ້ນໃນສິລະປະຈາກທົດສະວັດທໍາອິດຂອງປີທີ່ຜ່ານມາ ສະຕະວັດທີ່ສະທ້ອນໃຫ້ເຫັນເຖິງອຸດົມການຂອງເວລາຂອງພວກເຂົາ, ຖືກຫມາຍໂດຍການປ່ຽນແປງທີ່ເລິກເຊິ່ງໃນໂລກ.

ສະພາບການທາງປະຫວັດສາດໄດ້ຖືກຫມາຍໂດຍການປະດິດສ້າງອຸດສາຫະກໍາ, ເຕັກໂນໂລຢີແລະວິທະຍາສາດ, ເຊັ່ນດຽວກັນກັບການເຄື່ອນໄຫວຂອງອໍານາດການປົກຄອງ (fascism ໃນອິຕາລີແລະ Nazism ໃນເຢຍລະມັນ), ນອກເຫນືອຈາກການປະຕິວັດລັດເຊຍແລະສົງຄາມໂລກຄັ້ງທໍາອິດ.

ໃນໄລຍະນີ້ມີການກ້າວກະໂດດໃນໂຄງສ້າງທຶນນິຍົມແລະຄວາມບໍ່ສະເຫມີພາບລະຫວ່າງ bourgeoisie ແລະ proletariat ແມ່ນເນັ້ນໃສ່, ເຮັດໃຫ້ການເຄື່ອນໄຫວຂອງຊີວິດການເປັນຢູ່ທີ່ດີກວ່າປະກົດຂຶ້ນ, ເຊັ່ນ: ສໍາລັບການຍົກຕົວຢ່າງ, ອົງການຈັດຕັ້ງສະຫະພັນການຄ້າ. ດັ່ງນັ້ນ, ຕາມທໍາມະຊາດສິລະປະທີ່ຜະລິດໂດຍພວກເຂົາແມ່ນໄດ້ຮັບຜົນກະທົບຈາກຄວາມທຸກໂສກ ແລະ ຄຳຖາມຂອງຊ່ວງເວລາ.

ມັນແມ່ນຜ່ານຊັບພະຍາກອນດ້ານຄວາມງາມທີ່ສ້າງສັນທີ່ເຂົາເຈົ້າສາມາດຖ່າຍທອດແນວຄວາມຄິດໃໝ່ໆ ແລະສະແດງສ່ວນໜຶ່ງຂອງຄວາມສັບສົນທີ່ມີຢູ່ໃນສັງຄົມປັດຈຸບັນ.

ນາຍໜ້າໄດ້ສະເໜີການແຕກແຍກຂອງຮູບຮ່າງ, ຄວາມບໍ່ເປັນລະບຽບຂອງສີ, ການເວົ້າເກີນຈິງ ແລະ ໂງ່ ເປັນວິທີການສະທ້ອນໂລກໃໝ່ທີ່ກຳລັງຈະເກີດມາ. ສະເໜີສິ່ງໃໝ່ທັງໝົດກ່ຽວກັບສິລະປະ ແລະ ມະນຸດ.

ກະແສສິລະປະຂອງຂະບວນລົດເອີຣົບ

ການສະແດງອອກ: ການສະແດງເຖິງຄວາມທຸກໂສກ

ການເຄື່ອນໄຫວສະແດງອອກໄດ້ປະກົດຕົວຂຶ້ນພ້ອມກັບການສ້າງ ລວມຫົວຂໍ້ Die Brücke (ຂົວ), ອອກແບບໂດຍນັກສິລະປິນ Ernst Kirchner (1880-1938), Erich Heckel (1883-1970) ແລະ Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976) ໃນ 1905 ໃນ Dresden, ເຢຍລະມັນ. .

Rua Dresda (1908), ໂດຍ Ernst Ludwig Kirchner

ກຸ່ມດັ່ງກ່າວມີຈຸດປະສົງເພື່ອສະແດງຄວາມຮູ້ສຶກທີ່ຮຸນແຮງ, ເຊັ່ນ: ຄວາມຢ້ານກົວ, ຄວາມທຸກທໍລະມານ, ຄວາມກັງວົນ, ຄວາມໂດດດ່ຽວ. ແລະຄວາມສິ້ນຫວັງ. ດ້ວຍເຫດຜົນນີ້, ວຽກງານການສະແດງອອກຈຶ່ງມີ ຕົວລະຄອນໃນແງ່ດີ , ບາງທີການຮຸກຮານ ແລະ ເກີນຄວາມຄາດ, ມີສີສັນທີ່ກົງກັນຂ້າມ ແລະ ຈັງຫວະທີ່ແຂງແຮງ.

ດັ່ງນັ້ນ, ການສະແດງອອກແມ່ນຍັງເປັນການກົງກັນຂ້າມກັບຜູ້ປະທັບໃຈ, ໃນທາງບວກ ແລະ " ສະຫວ່າງ. ", ປາກົດຂຶ້ນກ່ອນໜ້ານີ້.

ສິນລະປິນສຳຄັນສຳລັບການປະກົດຕົວຂອງປະຈຸບັນແມ່ນ Edvard Munch ແລະ Vincent Van Gogh, ທໍາອິດທີ່ຖືກພິຈາລະນາເປັນຄາຣະວາຂອງປະຈຸບັນ.

Fauvism: chromatic arbitrariness

Fauvism ແມ່ນຊື່ຂອງການເຄື່ອນໄຫວທີ່ມີ André Derain. (1880) ເປັນຕົວແທນ -1954), Maurice de Vlaminck (1876-1958), Othon Friesz (1879-1949) ແລະ Henri Matisse (1869-1954), ທີ່ມີຊື່ສຽງທີ່ສຸດຂອງກຸ່ມ.

ໃນຮູບແບບນີ້ ຂອງ​ການ​ແຕ້ມ​ຮູບ​, ນັກ​ສິ​ລະ​ປິນ​ຊອກ​ຫາ​ສິດ​ເສລີ​ພາບ​ໃນ​ການ​ເປັນ​ຕົວ​ແທນ​ຂອງ​ຮູບ​ຮ່າງ​ແລະ​ການ​ນໍາ​ໃຊ້​ສີ​. ສາກໄດ້ສະແດງຕົວເລກທີ່ລຽບງ່າຍ, ເຊິ່ງບໍ່ມີຄວາມມຸ່ງໝັ້ນໃນການເປັນຕົວແທນຕົວຈິງ.

ຄວາມກົມກຽວກັນໃນສີແດງ (1908), ໂດຍ Henri Matisse

ໃນອັນດຽວກັນ ໃນວິທີການນີ້, ການນໍາໃຊ້ chromatic ໄດ້ຖືກດໍາເນີນໃນວິທີການໂດຍກົງ, ໂດຍທົ່ວໄປໂດຍບໍ່ມີການປະສົມເມັດສີແລະ gradients. ດັ່ງນັ້ນ, ວຽກງານດັ່ງກ່າວຈຶ່ງໄດ້ສະແດງ ສີເຂັ້ມ ແລະ ບໍລິສຸດ , ນຳໃຊ້ໂດຍຕົນເອງ.

ຄຳສັບ fauvism ແມ່ນມາຈາກ les fauves , ເຊິ່ງໃນພາສາຝຣັ່ງມີຄວາມໝາຍວ່າ "ສັດເດຍລະສານ", ຫຼື. "ສັດປ່າ". ຊື່ດັ່ງກ່າວໄດ້ຖືກມອບໃຫ້ໂດຍນັກວິຈານສິລະປະ Louis Vauxcelles, ຜູ້ທີ່, ໃນປີ 1905, ໄດ້ໄປຢ້ຽມຢາມ "Autumn Salon", ໃນປາຣີ, ແລະຕົກຕະລຶງກັບວຽກງານຂອງນັກສິລະປິນເຫຼົ່ານີ້, ເອີ້ນພວກເຂົາວ່າ "savages".

Matisse ແມ່ນສິ່ງສຳຄັນທີ່ສຸດຂອງ Fauvists, ການຜະລິດຜົນງານທີ່ຕໍ່ມາມີອິດທິພົນຕໍ່ການອອກແບບ ແລະແຟຊັ່ນ.

ສຶກສາເພີ່ມເຕີມກ່ຽວກັບ Fauvism.

Cubism: ເລຂາຄະນິດ ແລະ ການແບ່ງສ່ວນຂອງຕົວເລກ

Cubism ບາງທີອາດມີສິລະປະ avant-garde ທີ່ສໍາຄັນທີ່ສຸດຂອງໄລຍະເວລານັ້ນ. ມັນມາຈາກການເຮັດວຽກຂອງ Paul Cézzane (1838-1906), ຜູ້ທີ່ໄດ້ເລີ່ມຕົ້ນການຂຸດຄົ້ນຮູບຊົງກະບອກ, spherical ແລະຮູບຈວຍ. 1963). ນັກສິລະປິນເຫຼົ່ານີ້ມີຈຸດປະສົງເພື່ອທໍາລາຍຕົວເລກ, ຄືກັບວ່າ "ເປີດ" ພວກມັນຢູ່ໃນຍົນດຽວ. ດັ່ງນັ້ນ, ແນ່ນອນວ່າພວກເຂົາບໍ່ມີຄວາມມຸ່ງຫມັ້ນທີ່ຈະເປັນຕົວແທນຂອງຕົວຈິງ.

Les demoiselles D'Avignon (1907), ໂດຍ Picasso, ຖືວ່າເປັນວຽກ Cubist ທໍາອິດ

ແນວຄວາມຄິດແມ່ນເພື່ອ geometrize ແລະ fragment ຕົວເລກ , ສະແດງທັດສະນະຫຼາຍມຸມຢູ່ໃນມຸມດຽວກັນ, ການຫັນປ່ຽນແນວຄິດຂອງສາມມິຕິລະດັບ, ເປັນຕົວແທນທີ່ຕ້ອງການຫຼາຍໂດຍ Renaissance.

ການເຄື່ອນໄຫວພັດທະນາໃນສອງ strands, ການວິເຄາະແລະການສັງເຄາະ. ໃນ Analytical Cubism , ເຊິ່ງໃຊ້ເວລາປະມານລະຫວ່າງ 1908 ແລະ 1911), Picasso ແລະ Braque ໄດ້ໃຊ້ສີເຂັ້ມເຊັ່ນ: ດຳ, ສີຂີ້ເຖົ່າ, ສີນ້ຳຕານ ແລະ ochre, ເພື່ອເນັ້ນໃສ່ຮູບແບບຕ່າງໆ. ໃນທ່າອ່ຽງນີ້, ການແຕກແຍກຂອງຕົວເລກໄດ້ຖືກນໍາໄປສູ່ຜົນສະທ້ອນສຸດທ້າຍ, ເຊິ່ງເຮັດໃຫ້ວັດຖຸບໍ່ສາມາດຮັບຮູ້ໄດ້.

ຕໍ່ມາ, ສັງເຄາະ Cubism ໄດ້ຖືກສ້າງຂື້ນ, ໂດຍມີຈຸດປະສົງເພື່ອເຮັດໃຫ້ຄວາມເຂົ້າໃຈຫຼາຍຂຶ້ນ. ສິນລະປະແລະຕົວເລກ. ໃນ​ປັດ​ຈຸ​ບັນ​ນີ້, ຍັງ​ມີ​ການ​ແຊກ​ຊຶມ​ຂອງ​ວັດ​ຖຸ​ທີ່​ແທ້​ຈິງ​ໃນ​ວຽກ​ງານ​ເຊັ່ນ​: ຕ່ອນ​ໄມ້​, ແກ້ວ​ແລະ collages​.ຂອງ​ຕົວ​ອັກ​ສອນ​ແລະ​ຕົວ​ເລກ​. ດ້ວຍເຫດນີ້, ຮູບແບບນີ້ຈຶ່ງຖືກເອີ້ນອີກຊື່ໜຶ່ງວ່າ Collage.

Futurism: ຄວາມໄວ ແລະ ຄວາມຮຸກຮານເປັນຈຸດປະສົງ

ບໍ່ເຫມືອນກັບ vanguards ອື່ນໆ, futurism ເປັນການເຄື່ອນໄຫວທີ່ຍົກຍ້ອງອຸດົມການໂດຍອີງໃສ່ຄວາມຮຸນແຮງ, ເຕັກໂນໂລຊີ, ອຸດສາຫະກໍາ. ແລະມີຊີວິດຊີວາ.

ອະທິບາຍໂດຍນັກຂຽນ Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944), ນິທານນິກາຍ futurist 1909 ແມ່ນມຸ້ງໄປຫາວັນນະຄະດີເປັນຕົ້ນຕໍ.

ຄວາມເຄື່ອນໄຫວຂອງລົດຍົນ (1913), ໂດຍ Luigi Russolo

ຫຼັງຈາກນັ້ນ, ຕໍ່ມາ, ໄດ້ມີການປະສົມປະສານຂອງສິລະປະການເບິ່ງເຫັນ, ກັບ Umberto Boccioni (1882-1916), Carlos Carrà (1881-1966), Luigei Russolo (1885 - 1974) ແລະ Giacomo Balla (1871-1958). ສະມາຊິກບາງຄົນຂອງສາຂານີ້ເຖິງແມ່ນວ່າຕໍ່ມາໄດ້ເຂົ້າຮ່ວມພັກ fascist ຂອງອິຕາລີ.

Dadaism: the "anti-art"

ດ້ວຍການລະບາດຂອງສົງຄາມໂລກຄັ້ງທໍາອິດ (1914-1918), ເຂົາເຈົ້າໄດ້ຖືກເນລະເທດໃນ. Zurich, ສະວິດເຊີແລນ, ປັນຍາຊົນ ແລະນັກສິລະປິນບາງຄົນຄັດຄ້ານຄວາມຮ້າຍແຮງຂອງຂໍ້ຂັດແຍ່ງ, ປະຕິເສດການມີສ່ວນຮ່ວມຂອງປະເທດເຂົາເຈົ້າໃນສົງຄາມ.

ແຫຼ່ງຂໍ້ມູນ (1917), ໂດຍ Marcel Duchamp

ມັນຢູ່ໃນສະພາບການນີ້, ແລະບໍ່ເຊື່ອຢ່າງເລິກເຊິ່ງໃນໂລກທີ່ເຂົາເຈົ້າອາໄສຢູ່, ທີ່ເຂົາເຈົ້າໄດ້ພົບເຫັນການເຄື່ອນໄຫວທີ່ມີຈຸດປະສົງເພື່ອສະແດງໃຫ້ເຫັນຄວາມສັບສົນແລະຄວາມໂງ່ຂອງເວລາຂອງພວກເຂົາ.

ປະຈຸບັນແມ່ນຊື່ວ່າ Dadá, ເປັນຄໍາທີ່ເລືອກໂດຍສຸ່ມ, ເມື່ອນັກກະວີ Tristan Tzara (1896-1963) ເປີດວັດຈະນານຸກົມແລະເອົານິ້ວມືຂອງລາວໃສ່ຄໍາ, ເຊິ່ງໃນພາສາຝຣັ່ງຫມາຍຄວາມວ່າ "ມ້ານ້ອຍ".

ດັ່ງນັ້ນ Dadaism ເກີດມາ ທີ່ມີຈຸດປະສົງເພື່ອສ້າງສິລະປະໂດຍອີງໃສ່ແນວຄິດທີ່ບໍ່ເສຍຄ່າແລະ spontaneous, ເຊິ່ງເຫັນວ່າໂອກາດເປັນເຄື່ອງມືສໍາລັບຂະບວນການສ້າງສັນ.

ແນວຄວາມຄິດຕົ້ນຕໍຂອງນັກສິລະປິນເຫຼົ່ານີ້ແມ່ນ ວິພາກວິຈານ ແລະ ດູຖູກມາດຕະຖານທົ່ວໄປ. ຊຶ່ງ​ໄດ້​ພາ​ໃຫ້​ຢູ​ໂຣບ​ກ້າວ​ໄປ​ສູ່​ເສັ້ນ​ທາງ​ແຫ່ງ​ສົງ​ຄາມ ແລະ​ການ​ພິ​ນາດ. ດັ່ງນັ້ນ, ປະຈຸບັນບໍ່ໄດ້ຈໍາກັດກັບສິລະປະ, ຍ້ອນວ່າມັນໄດ້ສະເຫນີການປ່ຽນແປງທາງດ້ານວັດທະນະທໍາແລະອຸດົມການ, ເອີ້ນຕົວເອງວ່າ "ຕ້ານສິລະປະ". . ນັກສິລະປິນຊາວຝຣັ່ງໄດ້ເຮັດໃຫ້ເກີດຄວາມວຸ້ນວາຍໂດຍການນໍາສະເຫນີວັດຖຸທີ່ເຮັດແລ້ວເປັນສິລະປະ, ອັນທີ່ເອີ້ນວ່າ ເຄື່ອງເຮັດແລ້ວ . ໜຶ່ງໃນຜົນງານເຫຼົ່ານີ້ແມ່ນ Fountain (1917), ນ້ຳຍ່ຽວທີ່ມີນາມສະກຸນ ແລະຖືກວາງໄວ້ໃນຫ້ອງສິລະປະ.

Surrealism: ການຄົ້ນຫາຈັກກະວານ oneiric

Surrealism ປະກົດຂຶ້ນໃນສິລະປະເປັນ offshoot ຂອງປະຈຸບັນ Dadaist, ໃນຄວາມຫມາຍວ່າມັນຍັງຊອກຫາການກົງກັນຂ້າມກັບວັດຖຸນິຍົມແລະສົມເຫດສົມຜົນຂອງເວລາ.

O sono (1937 ), ໂດຍ Salvador Dalí

ແນວໂນ້ມນີ້ເກີດຂື້ນໃນ 1924 ດ້ວຍ manifesto ທີ່ກະກຽມໂດຍ André Breton (1896-1966). ພວກເຂົາເຈົ້າໄດ້ປ້ອງກັນການໃຊ້ psychic automatism ເປັນເຄື່ອງມືທີ່ສ້າງສັນ, ດັ່ງນັ້ນຈຶ່ງສາມາດຜະລິດຜົນງານໄດ້ດ້ວຍ.ຄືກັບຄວາມຝັນ, ອີງໃສ່ຈັກກະວານຂອງຄວາມຝັນ, ການປຽບທຽບ ແລະສິ່ງທີ່ໂງ່. -1983 ) ແລະ Max Ernst (1891-1976) ພັດທະນາໃນວັນນະຄະດີ, ແລະບາງຄົນກໍ່ເກີດມາຈາກການສະແດງອອກທາງວັນນະຄະດີ.

ນີ້ແມ່ນກໍລະນີຂອງ futurism, ເຊິ່ງໃຊ້ຄໍານາມສຸ່ມ, ຄໍາກິລິຍາໃນ infinitive ແລະ onomatopoeias, ແມ້ກະທັ້ງການສະກັດກັ້ນເຄື່ອງຫມາຍວັກຕອນ.

Dadaism ຍັງ ມີສະຖານທີ່ໃນການຂຽນພາສາ, ແລະນັກກະວີ Tristan Tzara ແນະນໍາວ່າການຂຽນຂໍ້ຄວາມ Dada ມັນເປັນສິ່ງຈໍາເປັນສໍາລັບ "ຄວາມຄິດທີ່ອອກມາຈາກປາກ".

ວັນນະຄະດີ Surrealist, ເຊັ່ນ: ການແຕ້ມຮູບ, ຍັງຊີ້ໃຫ້ເຫັນເຖິງ ໂລກຂອງສະຕິປັນຍາ, ແລະເປັນຕົວແທນໂດຍ André Breton.

Avant-garde ຂອງເອີຣົບມີອິດທິພົນຕໍ່ສິລະປະ Brazilian ແນວໃດ?

ໃນປະເທດບຣາຊິນ, avant-garde ເອີຣົບໄດ້ຮັບອິດທິພົນຢ່າງແຂງແຮງຈາກສິລະປະແລະວັດທະນະທໍາຈາກ ຊຸມປີ 1920 ເປັນຕົ້ນມາ. ມີນັກສິລະປິນຄົນໜຶ່ງທີ່ໄດ້ນຳສະເໜີຜົນງານທີ່ມີລັກສະນະສະແດງອອກ, ມັນແມ່ນ Lasar Segall (1891-1957).

Bananal (1927), ໂດຍ Lasar Segall<1

O ນັກແຕ້ມຮູບ, ເກີດຢູ່ໃນລິທົວເນຍ, ອາໄສຢູ່ແລະສຶກສາໃນເຢຍລະມັນ, ມາ Brazil ໃນ 1913 ເພື່ອປະຕິບັດງານວາງສະແດງ, ເປັນເຫດການທີ່ຊີ້ໃຫ້ເຫັນເຖິງລັດທິທັນສະໄຫມແຫ່ງຊາດ.

ໃນປີ 1924 Segal ຍ້າຍໄປຢູ່ໃນດິນ Brazilian ແລະເລີ່ມຜະລິດຜ້າໃບດ້ວຍຫົວຂໍ້ຂອງປະເທດໃຫມ່. ນັກແຕ້ມຮູບເປັນຄົນທໍາອິດທີ່ນໍາເອົາຄວາມສົດຊື່ນແລະການວິພາກວິຈານທີ່ມີຢູ່ໃນ avant-garde, ໃນກໍລະນີໃດກໍ່ຕາມ, ມັນຍັງຄົງເປັນລັກສະນະຕ່າງປະເທດ, ດັ່ງນັ້ນລາວບໍ່ໄດ້ຖືກປະຕິເສດໃນລັກສະນະທີ່ຮຸນແຮງຫຼາຍ.

ສິ່ງດຽວກັນ. ບໍ່ເກີດຂຶ້ນກັບນັກແຕ້ມ Brazilian Anita Malfatti (1896-1964), ຜູ້ທີ່, ຫຼັງຈາກການສຶກສາສິລະປະໃນເອີຣົບແລະໄດ້ຮັບອິດທິພົນຈາກ avant-garde, ໄດ້ຈັດງານວາງສະແດງໃນປີ 1914 ແລະ 1917. ການສະແດງສຸດທ້າຍໄດ້ຖືກວິພາກວິຈານຢ່າງຫນັກໂດຍນັກຂຽນ Monteiro Lobato.

Tropical (1917), ໂດຍ Anita Malfatti

ດັ່ງນັ້ນ, ຈາກຜົນກະທົບທາງລົບຂອງນັກສິລະປິນເຫຼົ່ານີ້, ປັນຍາຊົນອື່ນໆໄດ້ເລີ່ມເຈາະເລິກເຖິງຂໍ້ສະເຫນີກ່ຽວກັບຄວາມງາມໃຫມ່ທີ່ມາຈາກ. ພາຍນອກ.

ຈາກນັ້ນເຂົາເຈົ້າໄດ້ຕັ້ງອາທິດສິລະປະສະໄໝໃໝ່ຂອງປີ 1922, ເຊິ່ງເປັນເຫດການທີ່ເຂົາເຈົ້າໄດ້ສະແດງການຜະລິດທີ່ໄດ້ຮັບແຮງບັນດານໃຈຈາກກະແສຕ່າງປະເທດ, ແຕ່ເນັ້ນໃສ່ຫົວຂໍ້ແຫ່ງຊາດ. ວຽກງານດັ່ງກ່າວກວມເອົາທັງສິລະປະການເບິ່ງເຫັນ ແລະວັນນະຄະດີ ແລະແມ້ແຕ່ດົນຕີ.

ພວກເຮົາສາມາດອ້າງອີງເຖິງບຸກຄະລິກກະພາບທີ່ໂດດເດັ່ນໃນຂະນະນັ້ນ ແລະໃນເລື່ອງທີ່ຕິດຕາມມາ: Oswald de Andrade, Mario de Andrade, Di Cavalcante, Tarsila do Amaral, Vicente do Rego Monteiro, Menotti del Picchia, ແລະອື່ນໆ.

ຖ້າທ່ານຕ້ອງການລົງເລິກກ່ຽວກັບວິຊາທີ່ກ່ຽວຂ້ອງ, ອ່ານ :