L'histoire de la danse à travers le temps

La danse est un langage expressif qui utilise les mouvements du corps comme outil d'élaboration artistique et de communication. Elle est également un moyen de divertissement et, souvent, d'interaction sociale.

Comme d'autres manifestations artistiques, la danse peut, dans certains cas, transmettre les valeurs culturelles d'un peuple spécifique, ainsi que traduire en gestes une vaste gamme d'émotions et de sentiments.

Danse primitive (dans la préhistoire)

L'origine de la danse remonte aux civilisations primitives. On peut considérer que la langue des signes a été l'une des premières formes de communication entre les êtres humains, apparue avant même la parole.

Pour se faire une idée des débuts de la danse, on peut observer les peintures rupestres que ces civilisations nous ont laissées, dont certaines révèlent des groupes de personnes en train de danser.

Peinture rupestre représentant des groupes de personnes en train de danser

On pense que cette manifestation est apparue en même temps que les premières expressions musicales, car, bien que l'une puisse exister séparément de l'autre, ce sont des langages qui se soutiennent mutuellement.

Ainsi, stimulés par les bruits de la nature, les battements de mains, les battements de cœur et d'autres bruits, les hommes et les femmes préhistoriques ont commencé à bouger leur corps à des fins communicatives et spirituelles.

Danses millénaires (dans l'Antiquité)

Avant que le christianisme ne s'impose comme la plus grande puissance du monde occidental et ne condamne la danse comme profane, cette expression était au contraire considérée comme sacrée par les peuples de l'Antiquité.

Dans les civilisations mésopotamienne, indienne, égyptienne et grecque, la danse était considérée comme un moyen de célébrer les divinités et était principalement pratiquée dans le cadre de rituels.

Des peintures contenant des scènes de danse ont été retrouvées sur des objets grecs et égyptiens.

Peinture égyptienne représentant une femme en position acrobatique suggérant une danse

La danse au Moyen Âge (entre le 5e et le 15e siècle)

Le Moyen Âge est une période où l'Église catholique dicte les règles de la société, où le sens de la morale est très fort et où la danse, par l'utilisation du corps, est considérée comme une manifestation profane, liée à la culture païenne et hérétique.

Cependant, les paysans ont continué à pratiquer des danses lors des fêtes populaires, généralement en groupe.

Même dans les châteaux, des danses étaient pratiquées lors des célébrations, qui donneront plus tard naissance aux danses de cour.

La danse de mariage (1566), de Pieter Bruegel l'Ancien

La danse à la Renaissance (entre le XVIe et le XVIIe siècle)

C'est à la Renaissance que la danse a commencé à prendre de l'importance sur le plan artistique. Ce langage, auparavant rejeté et considéré comme hérétique, a gagné de l'espace parmi la noblesse et a commencé à être configuré comme un symbole de la liberté et de l'égalité des chances. statut sociale.

C'est ainsi qu'apparaissent les professionnels de la danse et une plus grande systématisation de cette expression, avec des groupes de savants qui se consacrent à la création de gestes et de mouvements standardisés. C'est à ce moment-là que le ballet voit le jour.

Appelé balleto En Italie, cette façon de danser a gagné d'autres territoires, avant d'être mise en valeur en France au XVIe siècle.

Dans ce contexte, la danse impliquait également d'autres langages, tels que le chant, la poésie et l'orchestre.

Au siècle suivant, la danse quitte les salles de bal et commence à être présentée sur les scènes, avec l'apparition des spectacles de danse.

C'est en territoire français que cette danse prend son essor, notamment à la cour du roi Louis XIV, qui s'intéresse de près au ballet et devient danseur.

Son surnom de "Sun-King" lui a été donné après une représentation au Ballet de la Nuit Il portait une tenue très voyante et brillante représentant l'étoile royale.

Représentation du roi de France Louis XIV dansant à l'occasion du Ballet de la Nuit portant un costume de soleil, ce qui lui a valu le surnom de "Roi Soleil".

La danse dans le romantisme (fin du 18e et 19e siècle)

La période romantique, qui apparaît à la fin du XVIIIe siècle, est très fertile pour la danse classique en Europe, et plus précisément pour le ballet. C'est à ce moment-là que ce type de danse se consolide et devient l'une des expressions artistiques les plus représentatives de l'époque, transmettant tout le sentimentalisme, l'idéalisation et la tendance à "s'évader de la réalité", typiques des romantiques.

Les costumes de ces spectacles contribuent également à créer l'atmosphère "sucrée" des ballets romantiques, avec des danseuses portant des jupes de tulle longues comme le mollet, des baskets montantes et des cheveux attachés en coiffure.

L'une des émissions qui s'est distinguée à l'époque était la suivante Giselle (ou Les Willis ), créé en 1840 par l'Opéra national de Paris.

La danse raconte l'histoire de Giselle, une paysanne qui tombe amoureuse d'un homme et qui est déçue lorsqu'elle découvre qu'il était déjà fiancé. En outre, il y a une forte présence d'esprits de jeunes femmes vierges qui sont mortes sans s'être mariées.

Il s'agit du premier ballet à être monté avec toutes les danseuses chaussées de pointes, utilisées pour donner la sensation de lévitation sur scène. Giselle par la danseuse russe Natalia Osipova au Royal Opera House.

Il est également important de noter que d'autres parties du monde ont connu des manifestations différentes de la danse.

Au Brésil, par exemple, au milieu du 19e siècle, la samba, danse et musique à forte influence africaine, a fait son apparition au sein de la population noire réduite en esclavage.

Danse moderne (première moitié du 20e siècle)

Dans la première moitié du XXe siècle, lorsque l'art moderne est apparu, apportant un nouveau regard sur la création artistique en général, la danse moderne a également vu le jour aux États-Unis et en Europe.

La danse moderne est donc un ensemble d'expressions qui cherchent à rompre avec la rigidité de la danse classique. Pour cela, plusieurs techniques ont été élaborées afin d'apporter plus de fluidité et de liberté au geste, en explorant en profondeur l'agitation et les émotions humaines.

Bien que l'éventail des possibilités de la danse moderne soit très large, certaines caractéristiques sont récurrentes. On y trouve l'utilisation du centre du corps comme axe, c'est-à-dire le déplacement du tronc dans des torsions et des dégagements, ainsi que l'exploration de mouvements de chute, accroupis ou allongés, qui n'étaient pas utilisés jusqu'alors.

De nombreuses personnes sont à l'origine de cette nouvelle façon de créer et d'apprécier la danse, dont l'Américaine Isadora Duncan (1877-1927), considérée comme le précurseur de la danse moderne.

Isadora Duncan se produisant dans les années 1920. Crédits : Getty Images

Isadora a révolutionné l'art du mouvement en introduisant des gestes plus souples et plus émotionnels. Elle a également abandonné les costumes rigides du ballet classique, en investissant dans des vêtements légers et flottants et dans la liberté des pieds nus.

Aujourd'hui, il est possible d'apprécier son héritage grâce aux danseurs qui interprètent les chorégraphies laissées par Isadora, comme l'Espagnole Tamara Rojo lorsqu'elle interprète en solo Cinq valses de Brahms à la manière d'Isadora Duncan.

Danse contemporaine (du milieu du 20e siècle à nos jours)

Comme d'autres manifestations de l'art contemporain, la danse d'aujourd'hui apporte plusieurs références et inspirations, qui ont émergé autour des années 60.

L'origine de la danse contemporaine tend à être liée aux recherches gestuelles menées par les artistes nord-américains de l'époque du Théâtre de danse Judson Ce collectif de danseurs, d'artistes visuels et de musiciens a innové la scène de la danse new-yorkaise et influencé le langage de la danse qui allait suivre.

La danseuse Yvonne Rainer sur une photo prise en 1963 lors de répétitions à l'Opéra de Paris. Théâtre de danse Judson Crédits : Al Giese

Bien qu'il n'y ait pas qu'une seule façon de la développer, au Brésil, il est courant pour cette langue d'utiliser certaines techniques telles que travail au sol (Dans cette méthode, les mouvements sont explorés dans un plan bas, en utilisant le sol comme support.

Cependant, le plus important est que la danse contemporaine puisse être comprise comme une expression qui recherche la conscience corporelle, en s'intéressant à des questions qui vont au-delà des aspects techniques et en valorisant la créativité et l'improvisation.

Deborah Colker est une danseuse et chorégraphe brésilienne de renommée internationale. L'artiste a fondé la Cia de Dança Deborah Colker, qui a fait sa première présentation en 1994. Les mouvements proposés par Deborah sont instigateurs, et dans certaines chorégraphies défient la gravité, travaillant sur l'équilibre et la confiance en soi de l'équipe.

Une autre compagnie brésilienne de danse contemporaine de grande renommée est la Groupe Corpo Fondé en 1975 à Minas Gerais, le groupe effectue un travail minutieux de chorégraphie allié à la musique, généralement la musique populaire brésilienne.

Dans l'émission Tourner présentée en 2017 par la société, la bande originale a été composée par le groupe Metá Metá D'où le nom de "gira", qui désigne à la fois le mouvement du corps et l'événement rituel d'origine africaine.

Consultez le reportage de Canal Curta qui présente des extraits et explique le contexte de l'exposition.