ສິລະປະຮ່ວມສະໄໝແມ່ນຫຍັງ? ປະຫວັດສາດ, ນັກສິລະປິນຕົ້ນຕໍແລະວຽກງານ

ສິລະປະຮ່ວມສະໄໝແມ່ນທ່າອ່ຽງທີ່ເກີດຈາກການເປີດເຜີຍ - ແລະເອົາຊະນະ - ຂອງການສະແດງສິລະປະທີ່ທັນສະໄຫມ. ດ້ວຍເຫດນີ້, ມັນຍັງສາມາດເອີ້ນວ່າສິລະປະຫຼັງຍຸກສະໄໝໄດ້.

ໄດ້ເກີດຂຶ້ນໃນເຄິ່ງທີ່ສອງຂອງສະຕະວັດທີ 20, ລັກສະນະນີ້ຈຶ່ງເປັນວິທີການຜະລິດສິລະປະແບບໃໝ່, ເຊິ່ງຖືກຜະລິດຈົນເຖິງທຸກວັນນີ້.

ມີຄວາມເປັນຫ່ວງຫຼາຍຂຶ້ນກັບການລວມເອົາຊີວິດປະຈຳວັນເຂົ້າກັບຈັກກະວານສິລະປະ, ສິລະປະຮ່ວມສະໄໝມີທ່າອ່ຽງລວມພາສາຕ່າງໆ.

ສິນລະປິນຮ່ວມສະໄໝ Yayoi Kusama, ຊາວຍີ່ປຸ່ນ, ປະກອບອາຊີບຕໍ່ໜ້າຜົນງານໜຶ່ງຂອງລາວ

ປະຈຸບັນ, ມັນໃຊ້ເທັກໂນໂລຍີ ແລະສື່ດິຈິຕອລເປັນພັນທະມິດທີ່ດີເພື່ອກະຕຸ້ນຄຳຖາມ ແລະປະສົບການນະວັດຕະກໍາໃຫ້ກັບທັງນັກສິລະປິນ ແລະສາທາລະນະຊົນ.

ປະຫວັດຄວາມເປັນມາຂອງສິລະປະຮ່ວມສະໄໝ

ພວກເຮົາສາມາດພິຈາລະນາໃນຍຸກສະໄໝນັ້ນໄດ້. ສິລະປະເລີ່ມເກີດຜົນມາຈາກການເຄື່ອນໄຫວເຊັ່ນ: ສິລະປະປັອບ ແລະລັດທິໜ້ອຍ, ເຊິ່ງມີສະຫະລັດອາເມລິກາເປັນດິນອຸດົມສົມບູນໃນຊຸມປີ 60.

ໃນຂະນະນັ້ນ, ສະພາບການທີ່ມີຊີວິດຢູ່ໃນຍຸກຫຼັງສົງຄາມ, ການພັດທະນາທາງດ້ານເທັກໂນໂລຍີ ແລະ ການສ້າງຄວາມເຂັ້ມແຂງ. ຂອງທຶນນິຍົມ ແລະ ໂລກາພິວັດ.

ດັ່ງນັ້ນ, ອຸດສາຫະກໍາວັດທະນະທໍາ, ແລະດ້ວຍເຫດນັ້ນ, ສິນລະປະ, ມີການປ່ຽນແປງທີ່ສໍາຄັນທີ່ວາງພື້ນຖານສໍາລັບການປະກົດຕົວຂອງສິ່ງທີ່ພວກເຮົາປະຈຸບັນເອີ້ນວ່າສິນລະປະຮ່ວມສະໄຫມ.

ການປະຕິບັດສິລະປະໃຫມ່ນີ້ເລີ່ມຕົ້ນ. ໃຫ້ຄຸນຄ່າແນວຄວາມຄິດ ແລະຂະບວນການສິລະປະຫຼາຍຂຶ້ນຕໍ່ກັບຄວາມເສຍຫາຍຂອງຮູບແບບໂດຍ Ron Mueck ທີ່ Pinacoteca de São Paulo

Land Art

ສິລະປະທີ່ດິນ ແມ່ນການເຄື່ອນໄຫວທີ່ເປັນສ່ວນຫນຶ່ງຂອງບົດສະເຫນີສິລະປະໃຫມ່ທີ່ເກີດຂື້ນໃນຊຸມປີ 1960 ໃນສະຫະລັດແລະເອີຣົບ.

ຄຳສັບ ສິລະປະທີ່ດິນ ໝາຍເຖິງ "ສິລະປະຂອງດິນແດນ". ນີ້ແມ່ນຍ້ອນວ່າວຽກງານເຫຼົ່ານີ້ມີການເຊື່ອມໂຍງທີ່ເຂັ້ມແຂງກັບທໍາມະຊາດ, ການນໍາໃຊ້ສະຖານທີ່ທໍາມະຊາດເປັນການສະຫນັບສະຫນູນແລະວັດສະດຸ. ດ້ວຍວິທີນີ້, ສິ່ງທີ່ທ່ານມີແມ່ນສິລະປະທີ່ປະສົມປະສານເຂົ້າກັບສະພາບແວດລ້ອມໄດ້ຢ່າງສົມບູນ.

Spiral Platform (1970), ໂດຍ Robert Smithson ແມ່ນຜົນງານທີ່ມີຊື່ສຽງຂອງສິລະປະທີ່ດິນ

Street Art

The street art , ຫຼື street art, ເກີດຂຶ້ນໃນສະຫະລັດໃນຊຸມປີ 70s. ນີ້ແມ່ນການສະແດງຢູ່ໃນພື້ນທີ່ສາທາລະນະ, ແລະສາມາດລວມເຖິງການແຕ້ມຮູບ (graffiti ແລະ stencil), ການສະແດງ, ການສະແດງລະຄອນ, ໃນບັນດາຮູບແບບອື່ນໆຂອງການສ້າງ. ການໂຕ້ຕອບກັບປະຊາຊົນຍັງເປັນຈຸດສໍາຄັນ, ແລະວຽກງານເຫຼົ່ານີ້ປົກກະຕິແລ້ວແມ່ນດໍາເນີນຢູ່ໃນໃຈກາງເມືອງທີ່ມີການໄຫຼວຽນຂອງຂອງປະຊາຊົນຢ່າງຫຼວງຫຼາຍ.

Selaron Staircase, ໂດຍ Jorge Selaron, ເຮັດໃນປີ 2013 ໃນ Rio de Janeiro, ເປັນຕົວຢ່າງຂອງ street art

Body Art

ປະຕິບັດຕາມຂະບວນການສ້າງສັນທີ່ສ້າງສັນຂອງຊຸມປີ 60 ແລະ 70, ສິລະປະຮ່າງກາຍ , ຫຼືສິລະປະຮ່າງກາຍ. ໃນພາສານີ້, ນັກສິລະປິນໃຊ້ຮ່າງກາຍເປັນບັນຫາ. ເພາະສະນັ້ນ, ຫຼາຍຄັ້ງ ສິນລະປະຮ່າງກາຍ ຜະສົມຜະສານກັບ ປະສິດທິພາບ ແລະການສະແດງອອກອື່ນໆ.

ໃນວຽກງານເຫຼົ່ານີ້, ສິ່ງທີ່ພວກເຮົາມັກຈະເຫັນແມ່ນຮ່າງກາຍຖືກນໍາໃຊ້ເປັນພະລັງງານສູງສຸດສໍາລັບການສະແດງອອກຂອງຄວາມຮູ້ສຶກທີ່ຫນ້າສົງໄສ, ເຊັ່ນ: ຄວາມເຈັບປວດ, ຄວາມທຸກທໍລະມານ ແລະ ຄວາມສຸກ, ເຊັ່ນດຽວກັນກັບເຄື່ອງມືເພື່ອກະຕຸ້ນຄໍາຖາມ.

Bruce Nauman, ນັກສິລະປິນຊາວອາເມລິກາທີ່ໃຊ້ພາສານີ້, ເວົ້າວ່າ: "ຂ້ອຍຕ້ອງການໃຊ້ຮ່າງກາຍຂອງຂ້ອຍເປັນວັດຖຸແລະການຈັດການມັນ".

ຊຸດ Silhouettes , ໂດຍ Cuban Ana Mendieta, ຖືກຜະລິດໃນລະຫວ່າງປີ 1973 ແລະ 1980

ຄວາມແຕກຕ່າງລະຫວ່າງສິລະປະສະໄໝໃໝ່ ແລະສິລະປະຮ່ວມສະໄໝ

ສິລະປະສະໄໝໃໝ່ແມ່ນຜະລິດມາຈາກ ທ້າຍສະຕະວັດທີ 19 ແລະຕົ້ນສະຕະວັດທີ 20. ດ້ວຍການປ່ຽນແປງທີ່ກຳລັງເກີດຂຶ້ນໃນໂລກ, ສິລະປະກໍ່ມີການຫັນປ່ຽນໄປນຳ.

ມັນເປັນເລື່ອງຍາກທີ່ຈະກຳນົດໄດ້ວ່າສິລະປະຍຸກສະໄໝເລີ່ມຕົ້ນເມື່ອໃດ, ແຕ່ສິ່ງທີ່ສຳຄັນຫຼາຍແມ່ນກະແສສິລະປະປັອບ, ເຊິ່ງເລີ່ມລວມເຂົ້າກັນທົ່ວໄປ. ຄວາມສົນໃຈຂອງປະຊາຊົນ ແລະວັດທະນະທໍາມະຫາຊົນກັບສິລະປະ.

ດັ່ງນັ້ນ, ເຖິງແມ່ນວ່າຄວາມແຕກຕ່າງລະຫວ່າງແນວໂນ້ມຫນຶ່ງແລະອີກອັນຫນຶ່ງແມ່ນບໍ່ຊັດເຈນຫຼາຍ, ມັນສາມາດເວົ້າໄດ້ວ່າໃນສິລະປະຮ່ວມສະໄຫມມີຄວາມເປັນຫ່ວງຫຼາຍໃນການເຮັດໃຫ້ສິລະປະໃກ້ຊິດກັບຊີວິດ.

ຈຸດອື່ນໆທີ່ສົມຄວນຖືກຍົກໃຫ້ເຫັນແມ່ນຈຸດເຊື່ອມຕໍ່ຂອງພາສາ, ການນໍາໃຊ້ເຕັກໂນໂລຢີ ແລະການຍົກຍ້ອງຂອງແນວຄວາມຄິດຕໍ່ກັບຄວາມເສຍຫາຍຂອງຮູບແບບໃນສິລະປະຍຸກສະໄໝ.

ໃນຄວາມໝາຍນີ້, ສິລະປະປັອບປັອບທີ່ມີຕົວຊີ້ບອກຂອງມັນ Andy Warhol, Roy Lichtenstein ແລະນັກສິລະປິນອື່ນໆ, ສ້າງຄວາມຕັ້ງໃຈທາງດ້ານວັດທະນະທຳທີ່ເອື້ອອໍານວຍໃຫ້ແກ່ສິລະປະຍຸກສະໄໝ.

ສິລະປະປັອບສາມາດຖືວ່າເປັນ "ຕົວກະຕຸ້ນ" ສໍາລັບສິລະປະຮ່ວມສະໄຫມ. ທີ່ນີ້, ວຽກງານຂອງ Andy Warhol, Marilyn Monroe (1962)

ອັນນີ້ແມ່ນຍ້ອນວ່າສາຍນີ້ເຫັນວັດທະນະທໍາມະຫາຊົນເປັນການສະຫນັບສະຫນູນການສ້າງຕັ້ງຂອງຕົນ, ການນໍາໃຊ້ comics, ການໂຄສະນາແລະແມ້ກະທັ້ງສະເຫຼີມສະຫຼອງເປັນວັດສະດຸສໍາລັບການສ້າງ, ເຮັດໃຫ້ສາທາລະນະຊົນໄດ້ເຂົ້າໃກ້ຈັກກະວານສິລະປະຫຼາຍຂຶ້ນ.

ເຊັ່ນດຽວກັນ, ນິຍາມໜ້ອຍ ແລະ ຍຸກຫຼັງນ້ອຍສຸດ (ໃນທ້າຍຊຸມປີ 50 ແລະ 60 ປີ) ໄດ້ໃຫ້ໂອກາດທີ່ຈະຄິດກ່ຽວກັບການລວມກັນລະຫວ່າງພາສາຕ່າງໆ ເຊັ່ນ: ການແຕ້ມຮູບ ແລະ ການປະຕິມາກຳ ເປັນຕົ້ນ. ເປັນການນໍາໃຊ້ພື້ນທີ່ໃນວິທີການປະດິດສ້າງ, ບໍ່ວ່າຈະເປັນສະພາບແວດລ້ອມຂອງຄັງ, ສະຖານທີ່ສາທາລະນະໃນຕົວເມືອງຫຼືໃນທ່າມກາງທໍາມະຊາດ.

ຕໍ່ມາ, ການພັດທະນາໃຫມ່ໄດ້ເກີດຂຶ້ນແລະເຮັດໃຫ້ການປະກົດຕົວຂອງຮູບແບບການສະແດງອອກອື່ນໆ, ເຊັ່ນ: ການສະແດງ. , ສິນລະປະວິດີໂອ, ການຕິດຕັ້ງ ແລະ ອື່ນໆ.

ຄຸນລັກສະນະຂອງສິລະປະຮ່ວມສະໄໝ

ສິນລະປະຮ່ວມສະໄໝ, ຍ້ອນວ່າມັນຖືກແຊກເຂົ້າໄປໃນໂລກທີ່ມີຂໍ້ມູນຂ່າວສານອັນຍິ່ງໃຫຍ່ ແລະ ນະວັດຕະກໍາທາງດ້ານເຕັກໂນໂລຊີ ແລະ ສື່ຕ່າງໆ , ຊັບພະຍາກອນເຫຼົ່ານີ້ຖືກນໍາໃຊ້ເປັນວິທີການການສື່ສານ.

ນອກຈາກນັ້ນ, ມັນທໍາລາຍສິ່ງກີດຂວາງກ່ຽວກັບພາສາຂອງສິນລະປະ, ການລວມເອົາປະເພດຕ່າງໆຂອງສິລະປະ ເຂົ້າໃນວຽກງານ, ຍ້າຍອອກໄປຈາກການຊ່ວຍເຫຼືອແບບດັ້ງເດີມ.

ນີ້ແມ່ນທ່າອ່ຽງທີ່ໃຫ້ຄຸນຄ່າ ການປະມານລະຫວ່າງສິລະປະ ແລະຊີວິດ , ມັກຈະເຮັດໃຫ້ການສະທ້ອນເຖິງຂອບເຂດລວມ, ການສົມທົບທາງດ້ານການເມືອງ ແລະຄວາມບໍ່ເປັນວັດຖຸ. ມັນຍັງນໍາເອົາລັກສະນະແລະຫົວຂໍ້ໃຫມ່, ເຊັ່ນ: ບັນຫາເຊື້ອຊາດ, ປິຕຸນິຍົມ, ເພດແລະເພດ, ຄວາມບໍ່ສະເຫມີພາບແລະອື່ນໆ.

ການສືບທອດຈິດໃຈທີ່ທ້າທາຍຂອງ Dadaists, ສິນລະປະຮ່ວມສະໄຫມຍັງເປັນຫ່ວງກັບ ສືບສວນຕົວມັນເອງ , ຕັ້ງຄໍາຖາມກ່ຽວກັບແນວຄວາມຄິດດ້ານສິລະປະແລະຊຸກຍູ້ຄໍາຖາມເກົ່າ "ຫຼັງຈາກທັງຫມົດ, ສິນລະປະແມ່ນຫຍັງ?". ເຊິ່ງເຂົາເຈົ້າຊອກຫາປະສົບການທີ່ເປັນເອກະລັກສະເພາະໃຫ້ກັບຄົນທີ່ເຂົ້າມາສຳຜັດກັບຜົນງານ.

ສິລະປະຮ່ວມສະໄໝໃນປະເທດບຣາຊິນ

ໂດຍປົກກະຕິແລ້ວ ທ່າອ່ຽງສິລະປະໃໝ່ຈະປາກົດຢູ່ໃນປະເທດບຣາຊິນ ຫຼັງຈາກໄລຍະເວລາໃດໜຶ່ງ. ເວລາທີ່ເຂົາເຈົ້າເກີດຂຶ້ນແລ້ວໃນສະຖານທີ່ອື່ນໆ, ເຊັ່ນເອີຣົບແລະສະຫະລັດ, ໂດຍພື້ນຖານແລ້ວ. ຢ່າງໃດກໍຕາມ, ໃນກໍລະນີຂອງສິນລະປະຮ່ວມສະໄຫມ, ຊ່ອງຫວ່າງຂອງເວລານີ້ແມ່ນບໍ່ຫຼາຍ.

ໃນແຜ່ນດິນ Brazilian, ມັນສາມາດເວົ້າໄດ້ວ່າສິນລະປະປະເພດນີ້ໄດ້ເລີ່ມຕົ້ນໂດຍ neoconcretists, ຜູ້ທີ່ກໍ່ຕັ້ງ Manifesto.Neoconcrete ໃນປີ 1959. ຜູ້ທີ່ຮັບຜິດຊອບເອກະສານແມ່ນ Amilcar de Castro (1920-2002), Ferreira Gullar (1930-2016), Franz Weissmann (1911-2005), Lygia Clark (1920-1988), Lygia Pape (1927). - 2004), Reynaldo Jardim (1926-2011) ແລະ Theon Spanudis (1915-1986).

ສ່ວນໜຶ່ງຂອງຊຸດ Bichos , ໂດຍ Lygia Clarck, ຜະລິດລະຫວ່າງ 1960 ແລະ 1964

ຊື່ພື້ນຖານອີກອັນໜຶ່ງຂອງສິລະປະຮ່ວມສະໄໝແຫ່ງຊາດແມ່ນ Hélio Oiticica (1937-1980), ເຊິ່ງແມ່ນແຕ່ໄດ້ຮັບຊື່ສຽງຢູ່ນອກປະເທດ.

ຊ່ວງເວລາອັນຍິ່ງໃຫຍ່ຂອງສິລະປະຮ່ວມສະໄໝຂອງປະເທດບຣາຊິນ ກໍ່ຖືກໝາຍໄວ້ໂດຍ ງານວາງສະແດງ ທ່ານເປັນແນວໃດ, Generation 80? , ທີ່ຈັດຂຶ້ນໃນ Rio de Janeiro, ຢູ່ Parque Lage ໃນປີ 1984.

ງານວາງສະແດງໄດ້ນໍາເອົານັກສິລະປິນ 123 ຄົນເຂົ້າຮ່ວມ ແລະມີຈຸດປະສົງເພື່ອວາງແຜນການຜະລິດຕ່າງໆໃນສະໄໝນັ້ນ. ນັກສິລະປິນທີ່ກາຍເປັນຜູ້ອ້າງອີງໄດ້ເຂົ້າຮ່ວມເຊັ່ນ Alex Vallauri (1949-1987), Beatriz Milhazes (1960), Daniel Senise (1955), Leda Catunda (1961) ແລະ Leonilson (1957-1993).

ສາກົນ Biennials São Paulo ຍັງເປັນສູນວັດທະນະທໍາທີ່ຍິ່ງໃຫຍ່ທີ່ຊີ້ໃຫ້ເຫັນເຖິງຜົນໄດ້ຮັບແລະການທົດລອງໃນອານາເຂດສິລະປະຂອງ Brazilian.

ນັກສິລະປິນຮ່ວມສະໄຫມຕົ້ນຕໍ

ຫຼາຍຄົນໄດ້ອຸທິດຕົນເອງແລະອຸທິດຕົນເພື່ອການຜະລິດສິລະປະຮ່ວມສະໄຫມໃນປະເທດບຣາຊິນແລະ ໃນ​ໂລກ. ລາຍຊື່ນັກສິລະປິນທີ່ ສຳ ຄັນທັງ ໝົດ ພາຍໃນຈັກກະວານນີ້ຈະເປັນວຽກງານທີ່ມີອັດຕາສ່ວນອັນໃຫຍ່ຫຼວງ. ພົບກັບບາງຄົນ:

ກຸ່ມ Fluxus

TheGrupo Fluxus ແມ່ນການເຄື່ອນໄຫວສິລະປະທີ່ມີຢູ່ໃນຊຸມປີ 60 ແລະມີນັກສິລະປິນຫຼາຍຄົນທີ່ໃຊ້ການສະຫນັບສະຫນູນທີ່ແຕກຕ່າງກັນເພື່ອຜະລິດສິລະປະທີ່ທ້າທາຍ, ກະຕຸ້ນແລະກ້າຫານ. ກຸ່ມດັ່ງກ່າວແມ່ນມີຄວາມຈໍາເປັນສໍາລັບການລວມຕົວຂອງສິນລະປະຮ່ວມສະໄຫມໃນໂລກ.

Yoko Ono ໃນການສະແດງ Cut Piece (1966) ທີ່ສາທາລະນະໄດ້ຕັດເຄື່ອງນຸ່ງຂອງນັກສິລະປິນ

Fluxus ໄດ້ຖືກຕັ້ງຊື່ຫຼາຍເພາະວ່າຄໍານາມພາສາລະຕິນມາຈາກ fluxu , ຊຶ່ງຫມາຍຄວາມວ່າ "ການໄຫຼ", "ຄວາມຄ່ອງຕົວ". ນັກສິລະປິນຂອງການເຄື່ອນໄຫວເຊື່ອໃນການປະສົມປະສານທີ່ໃຫຍ່ກວ່າລະຫວ່າງສິລະປະແລະຊີວິດ

ສະມາຊິກຂອງມັນມີຢູ່ໃນຫຼາຍປະເທດ, ພວກເຂົາແມ່ນ:

• ຝຣັ່ງ: Ben Vautier (1935)
• ສະຫະລັດ - Higgins (1938-1998), Robert Watts (1923-1988), George Brecht (1926), Yoko Ono (1933)
• ຍີ່ປຸ່ນ - Shigeko Kubota (1937), Takato Saito (1929) )
• ປະເທດ Nordic - Per Kirkeby (1938)
• ເຢຍລະມັນ - Wolf Vostell (1932-1998), Joseph Beuys (1912-1986), Nam June Paik (1932-2006).<16

Dick Higgins, ນັກສິລະປິນຊາວອາເມລິກາທີ່ເຂົ້າຮ່ວມໃນກຸ່ມ, ເຄີຍໃຫ້ຄໍານິຍາມການເຄື່ອນໄຫວດັ່ງນີ້:

Fluxus ບໍ່ແມ່ນຊ່ວງເວລາໃນປະຫວັດສາດຫຼືການເຄື່ອນໄຫວສິລະປະ. ມັນເປັນວິທີການເຮັດສິ່ງຕ່າງໆ [... ], ວິທີການດໍາລົງຊີວິດແລະການຕາຍ.

Marina Abramović (1946-)

Marina Abramović ເກີດຢູ່ໃນເຊີເບຍແລະຖືວ່າເປັນຫນຶ່ງໃນທີ່ສຸດ. ນັກສິລະປິນຍຸກປະຈຸບັນມີຄວາມສໍາຄັນ, ເພາະວ່າບົດບາດຂອງມັນທີ່ສໍາຄັນໃນພາສາຂອງການປະຕິບັດໃນ 70s.

ຮ່ວມກັບອະດີດຄູ່ຮ່ວມງານຂອງລາວ, ນັກສິລະປິນເຍຍລະມັນ Ulay , ລາວສ້າງຜົນງານທີ່ທົດສອບຂອບເຂດຂອງຕົນເອງ, ເຂົ້າໃກ້ວິຊາຕ່າງໆເຊັ່ນ: ເວລາ, ຕົວຕົນແລະ ຄວາມສຳພັນຄວາມຮັກ .

ການສະແດງຄັ້ງສຸດທ້າຍທີ່ເຂົາເຈົ້າໄດ້ສະແດງແມ່ນເຮັດເພື່ອເປັນການລະນຶກເຖິງການແບ່ງແຍກຂອງຄູ່ຮັກ, ຜູ້ທີ່ໄດ້ຍ່າງຫຼາຍກິໂລແມັດ, ຊອກຫາຕົນເອງຢູ່ກຳແພງເມືອງຈີນ.

ຢູ່ດ້ານລຸ່ມ, ພວກເຮົາສາມາດເບິ່ງຮູບໄດ້ ຂອງການສະແດງ ສິລະປິນແມ່ນປະຈຸບັນ , ນໍາສະເຫນີຢູ່ MoMa ໃນປີ 2010, ໃນນິວຢອກ. ໃນໂອກາດດັ່ງກ່າວ, ນາງມາຣິນາໃຊ້ເວລາຫຼາຍຊົ່ວໂມງນັ່ງແລກປ່ຽນກັບສາທາລະນະຊົນ.

ສິ່ງທີ່ນາງບໍ່ຮູ້ແມ່ນວ່າ Ulay ຢູ່ໃນງານວາງສະແດງ. ລາວນັ່ງຢູ່ກົງກັນຂ້າມກັບນັກສິລະປິນແລະການຊຸມນຸມກັນຫຼັງຈາກເວລາຫຼາຍປີແມ່ນມີຄວາມຮູ້ສຶກ.

Marina Abramovic ໃນການສະແດງໃນປີ 2010 ກັບຄືນຄູ່ຮ່ວມງານເກົ່າຂອງລາວໃນຊີວິດແລະສິລະປະ

Hélio Oiticica (1937-1980). )

Hélio Oiticica ເປັນສິນລະປິນຊາວບຣາຊິນທີ່ມີຊື່ສຽງໃນເວທີແຫ່ງຊາດ. ລາວໄດ້ເຮັດວຽກກັບການຊ່ວຍເຫຼືອເຊັ່ນ: ການປະຕິມາກໍາ, ການສະແດງ, ການແຕ້ມຮູບ.

Hélio ມີຄວາມຫ້າວຫັນຫຼາຍ, ມີສ່ວນຮ່ວມໃນການເຄື່ອນໄຫວທີ່ສໍາຄັນເຊັ່ນ Grupo Frente (1955 ແລະ 1956) ແລະ Grupo Neoconcreto (1959).

ລາວ ການປະກອບສ່ວນທີ່ມີອິດທິພົນອັນໃຫຍ່ຫຼວງແມ່ນຢູ່ອ້ອມຮອບຄວາມເຂົ້າໃຈຂອງອາວະກາດ, ເລີ່ມຕົ້ນຈາກສອງມິຕິໄປສູ່ສາມມິຕິ. ຕົວຢ່າງຄລາສສິກແມ່ນຮູບປັ້ນຜ້າທີ່ມີສີສັນ Parangolés ທີ່ມີຊື່ສຽງຄົນໃສ່.

ຜົນງານ Parangolés , ເຮັດໃນຊຸມປີ 60 ໂດຍ Hélio Oiticica, ແມ່ນຂ້ອນຂ້າງເປັນຕົວແທນຂອງສິລະປະຮ່ວມສະໄໝ

Rosana Paulino (1967-)

Rosana Paulino ເປັນສິນລະປິນຊາວບຣາຊິນທີ່ນຳສະເໜີຜົນງານທີ່ມີຄຳຖາມຢ່າງໜັກແໜ້ນກ່ຽວກັບຫົວຂໍ້ທີ່ສຳຄັນ ເຊັ່ນ: ການຈຳແນກເຊື້ອຊາດຜິວພັນ ແລະ ສະຖານະການຂອງຜູ້ຍິງໃນປະເທດບຣາຊິນ.

ນາງສະແດງຜະລິດຕະພັນໃນພາສາຕ່າງໆ ເຊັ່ນ: ການຖັກແສ່ວ, ຮູບປັ້ນ. , ການແຕ້ມຮູບ, ການຖ່າຍຮູບ.

ວຽກງານຂ້າງລຸ່ມນີ້, ຫົວຂໍ້ Backstage (1997), ນໍາສະເຫນີຮູບຂອງແມ່ຍິງສີດໍາໃນກອບໄມ້. ປາກ ແລະຕາຂອງເຂົາເຈົ້າຖືກປິດໄວ້, ກ່າວເຖິງຄວາມອ່ອນແອ ແລະ ການມິດງຽບຂອງຜູ້ເຄາະຮ້າຍຈາກຄວາມຮຸນແຮງໃນຄອບຄົວ ແລະ, ໃນຄວາມໝາຍກວ້າງກວ່າ, ຂອງການກົດຂີ່ຂົ່ມເຫັງທາງສັງຄົມ.

ພື້ນຫຼັງ (1997), ໂດຍ Rosana Paulino

Banksy

ສິນລະປິນອັງກິດ Banksy ເປັນໜຶ່ງໃນສິນລະປິນທີ່ໄດ້ຮັບລາງວັນຫຼາຍທີ່ສຸດໃນມື້ນີ້. ບໍ່ຄ່ອຍມີໃຜຮູ້ກ່ຽວກັບຕົວຕົນທີ່ແທ້ຈິງຂອງລາວ, ເຊິ່ງລາວຢືນຢັນວ່າຈະຮັກສາໄວ້ເປັນຄວາມລຶກລັບ.

ໂດຍປົກກະຕິແລ້ວ, ວຽກງານຂອງລາວແມ່ນເຮັດຢູ່ຖະໜົນໃນເມືອງໃຫຍ່. ພວກມັນເປັນຮູບແຕ້ມທີ່ຜະລິດດ້ວຍເຕັກນິກ stencil ແລະມີຄຳຖາມອັນໃຫຍ່ຫຼວງກ່ຽວກັບສັງຄົມຜູ້ບໍລິໂພກ, ຄຸນຄ່າ, ຫຼັກສິນທຳ ແລະ ສັງຄົມ. , ວຽນນາ, ອົດສະຕຣາລີ, ອາເມລິກາ ແລະຕາເວັນອອກກາງ.

ຮູບແຕ້ມ ຊື້ເຄື່ອງຈົນກວ່າເຈົ້າຈະລຸດລົງ (2011), ສ້າງຂຶ້ນໃນລອນດອນໂດຍBanksy

ເພື່ອເບິ່ງຜົນງານອື່ນໆຂອງນັກສິລະປິນ, ອ່ານ: ຜົນງານທີ່ມະຫັດສະຈັນຂອງ Banksy

ການເຄື່ອນໄຫວໃນສິລະປະຮ່ວມສະໄໝ

ການເຄື່ອນໄຫວສິລະປະພາຍໃນສິລະປະຮ່ວມສະໄໝແມ່ນມີຄວາມຫຼາກຫຼາຍ ແລະ ມັກຈະມີຂອບເຂດຈຳກັດຂອງພວກມັນ. , ການລວມເຂົ້າກັນ.

ຢ່າງໃດກໍຕາມ, ພວກເຮົາຈັດລາຍການບາງອັນ ແລະສາມາດກໍານົດພວກມັນໄດ້ດັ່ງນີ້:

ສິລະປະແນວຄວາມຄິດ

ໃນປະເພດສິລະປະນີ້, ການປະເມີນມູນຄ່າແມ່ນສໍາລັບ ແນວຄວາມຄິດ - ແນວຄວາມຄິດ - ກັບຄວາມເສຍຫາຍຂອງຮູບແບບສຸດທ້າຍ. ຢູ່​ທີ່​ນີ້, ພວກ​ເຮົາ​ສະ​ແຫວ​ງຫາ​ການ​ສ້າງ​ຄຳ​ຖາມ​ຜ່ານ​ທາງ​ສິລະ​ປະ, ແນະນຳ​ທັດສະນະ​ຈິດ. ຄັ້ງທໍາອິດທີ່ໃຊ້ຄໍາສັບນີ້ແມ່ນຢູ່ໃນກຸ່ມ Fluxus, ໃນຊຸມປີ 60.

ກ່ຽວກັບປະຈຸບັນນີ້, ນັກສິລະປິນ Sol LeWitt (1928-2007) ເວົ້າວ່າ:

ແນວຄວາມຄິດຫຼາຍ, ເຖິງແມ່ນວ່າ ມັນບໍ່ໄດ້ຖືກສ້າງເປັນຕາ, ມັນເປັນວຽກງານສິລະປະຫຼາຍເທົ່າກັບຜະລິດຕະພັນອື່ນໆ.

ການໃສ່ໃນວົງຈອນອຸດົມການ: Projeto Cédula (1970), ໂດຍ Brazilian Cildo Meireles ເປັນຕົວຢ່າງຂອງສິນລະປະແນວຄວາມຄິດ

Arte Povera

The arte povera ແມ່ນການເຄື່ອນໄຫວສິລະປະທີ່ເກີດຂື້ນໃນອິຕາລີໃນຊຸມປີ 1960, ພະຍາຍາມຜະລິດສິລະປະທີ່ສາມາດເຂົ້າເຖິງໄດ້, "ທຸກຍາກ " ແລະວັດສະດຸ rustic , ເພື່ອສ້າງຄວາມງາມໃຫມ່.

ຄວາມຕັ້ງໃຈຂອງນັກສິລະປິນແມ່ນເພື່ອວິພາກວິຈານການບໍລິໂພກ, ອຸດສາຫະກໍາແລະລະບົບທຶນນິຍົມ, ຊຸກຍູ້ຄໍາຖາມກ່ຽວກັບວັດຖຸສິລະປະທີ່ມີວັດສະດຸທີ່ງ່າຍດາຍແລະ ephemeral.

ວຽກ ຮູບປັ້ນມີຊີວິດ (1966), ໂດຍ MarisaMerz

ການສະແດງໃນສິລະປະ

ສິນລະປະການສະແດງຍັງເປັນການສະແດງອອກທີ່ມີຕົ້ນກຳເນີດໃນຊຸມປີ 60 ເປັນຜົນມາຈາກການທົດລອງຂອງນັກສິລະປິນທີ່ແຕກຕ່າງກັນ ເຊັ່ນ: ການເຄື່ອນໄຫວຂອງ Fluxus, ຕົວຢ່າງ.

ໃນພາສານີ້, ໂດຍປົກກະຕິແລ້ວມີການປະສົມກັບຮູບແບບການສະແດງອອກອື່ນໆ, ນັກສິລະປິນຈະໃຊ້ຮ່າງກາຍຂອງຕົນເອງເປັນວັດສະດຸ ແລະ ການສະໜັບສະໜູນໃນການປະຕິບັດວຽກງານ.

ຄຸນລັກສະນະຂອງມັນແມ່ນຄວາມຊົ່ວຊ້າ, ນັ້ນແມ່ນ, ການກະທຳເກີດຂຶ້ນ. ໃນສະຖານທີ່ແລະເວລາທີ່ແນ່ນອນ, ດັ່ງນັ້ນການເຮັດວຽກມີໄລຍະເວລາ. ເຖິງວ່າຈະມີສິ່ງນີ້, ຄົນເຮົາສາມາດໄດ້ຮັບຄວາມຄິດຂອງວຽກງານໂດຍຜ່ານບັນທຶກທີ່ສ້າງຂຶ້ນ, ໂດຍປົກກະຕິແລ້ວຜ່ານການຖ່າຍຮູບແລະວິດີໂອ.

ຂ້ອຍມັກອາເມລິກາແລະອາເມລິກາມັກຂ້ອຍ (1974 ) ແມ່ນການສະແດງໂດຍ Joseph Beuys ທີ່ລາວໃຊ້ເວລາຫຼາຍມື້ກັບ coyote ປ່າຢູ່ໃນຫ້ອງ

Hyper-realism

ປະຈຸບັນຂອງສິນລະປະຮ່ວມສະໄໝນີ້ໄດ້ຮັບແຮງຈູງໃຈໃນທ້າຍຊຸມປີ 1960 ໃນສະຫະລັດ. ຈຸດປະສົງຂອງມັນແມ່ນເພື່ອສືບຕໍ່ຄວາມງາມທີ່ເປັນຕົວເລກທີ່ເປັນຈິງ/ສັດຊື່, ກົງກັນຂ້າມກັບການສະແດງອອກແບບບໍ່ມີຕົວຕົນ ແລະ ໜ້ອຍທີ່ສຸດ, ເຊິ່ງສະແຫວງຫາຮູບແບບການສະແດງອອກທີ່ມີຫົວຂໍ້ຫຼາຍກວ່າ. ເຫດການປັດຈຸບັນ ແລະຫົວຂໍ້.

ໃນວິດີໂອຂ້າງລຸ່ມນີ້ທ່ານສາມາດເບິ່ງລາຍງານ TV Folha ກ່ຽວກັບງານວາງສະແດງໂດຍຊ່າງແກະສະຫຼັກຊາວອົດສະຕຣາລີ Ron Mueck ທີ່ມີຄວາມນິຍົມສູງທີ່ຈັດຂຶ້ນຢູ່ Pinacoteca de São Paulo ໃນປີ 2014.