តើសិល្បៈសហសម័យគឺជាអ្វី? ប្រវត្តិ សិល្បករ និងស្នាដៃសំខាន់ៗ

សិល្បៈសហសម័យគឺជានិន្នាការមួយដែលមានដើមកំណើតជាការលាតត្រដាង និងយកឈ្នះលើការបង្ហាញសិល្បៈសម័យទំនើប។ ដោយសារតែនេះ វាក៏អាចត្រូវបានគេហៅថាសិល្បៈក្រោយសម័យទំនើបផងដែរ។

បានកើតនៅពាក់កណ្តាលទីពីរនៃសតវត្សទី 20 ទិដ្ឋភាពនេះបង្កើតបានជាវិធីថ្មីក្នុងការផលិត និងកោតសរសើរសិល្បៈ ដែលត្រូវបានផលិតរហូតមកដល់សព្វថ្ងៃនេះ។

ខ្វល់ខ្វាយកាន់តែច្រើនជាមួយនឹងការរួមបញ្ចូលជីវិតប្រចាំថ្ងៃជាមួយពិភពសិល្បៈ សិល្បៈសហសម័យមាននិន្នាការបង្រួបបង្រួមភាសាផ្សេងៗគ្នា។

វិចិត្រករសហសម័យ Yayoi Kusama មានដើមកំណើតជប៉ុន ឈរនៅមុខស្នាដៃមួយរបស់នាង

បច្ចុប្បន្ន វាប្រើប្រាស់បច្ចេកវិទ្យា និងប្រព័ន្ធផ្សព្វផ្សាយឌីជីថលជាសម្ព័ន្ធមិត្តដ៏អស្ចារ្យ ដើម្បីបង្កចម្ងល់ និងបទពិសោធន៍ប្រកបដោយភាពច្នៃប្រឌិតសម្រាប់ទាំងសិល្បករ និងសាធារណជន។

ប្រវត្តិសិល្បៈសហសម័យ

យើងអាចពិចារណាថាសហសម័យ សិល្បៈចាប់ផ្តើមទទួលផ្លែផ្កាពីចលនាដូចជាសិល្បៈប៉ុប និងតិចតួចបំផុត ដែលមានសហរដ្ឋអាមេរិកជាដីមានជីជាតិក្នុងទសវត្សរ៍ទី 60។

នៅពេលនោះ បរិបទដែលរស់នៅក្រោយសង្គ្រាម ការអភិវឌ្ឍន៍បច្ចេកវិទ្យា និងការពង្រឹង នៃមូលធននិយម និងសកលភាវូបនីយកម្ម។

ដូច្នេះ ឧស្សាហកម្មវប្បធម៌ ហើយជាលទ្ធផលសិល្បៈ បានទទួលការផ្លាស់ប្តូរសំខាន់ៗ ដែលដាក់មូលដ្ឋានគ្រឹះសម្រាប់ការលេចចេញនូវអ្វីដែលយើងហៅថាសិល្បៈសហសម័យ។

ការអនុវត្តសិល្បៈថ្មីនេះចាប់ផ្តើម ផ្តល់តម្លៃដល់គំនិត និងដំណើរការសិល្បៈបន្ថែមទៀត ដល់ការខូចទ្រង់ទ្រាយដោយ Ron Mueck នៅ Pinacoteca de São Paulo

Land Art

Land Art គឺជាចលនាដែលជាផ្នែកមួយនៃការស្នើរសុំសិល្បៈថ្មីដែលបានផុសឡើងក្នុងទសវត្សរ៍ឆ្នាំ 1960 នៅសហរដ្ឋអាមេរិក និងអឺរ៉ុប។

ពាក្យ សិល្បៈដី មានន័យថា "សិល្បៈដី"។ នេះគឺដោយសារតែការងារទាំងនេះមានទំនាក់ទំនងខ្លាំងជាមួយធម្មជាតិ ដោយប្រើលំហធម្មជាតិជាជំនួយ និងសម្ភារៈ។ តាមវិធីនេះ អ្វីដែលអ្នកមានគឺជាសិល្បៈមួយដែលរួមបញ្ចូលយ៉ាងពេញលេញទៅក្នុងបរិស្ថាន។

Spiral Platform (1970) ដោយ Robert Smithson គឺជាស្នាដៃដ៏ល្បីល្បាញនៃសិល្បៈដីធ្លី

Street Art

The street art , ឬ street art បានលេចចេញនៅសហរដ្ឋអាមេរិកក្នុងទសវត្សរ៍ទី 70។ នេះជាការសម្ដែងដែលធ្វើឡើងនៅទីសាធារណៈ ហើយអាចរួមបញ្ចូលការគូរគំនូរ (គំនូរព្រាង និង stencil), ការសម្តែង, ល្ខោន, ក្នុងចំណោមទម្រង់ផ្សេងទៀតនៃការបង្កើត។

វាមានតួអក្សរមិនច្បាស់លាស់ ពីព្រោះចាប់ពីពេលដែលវានៅតាមផ្លូវ វិចិត្រករលែងមានការគ្រប់គ្រងលើការងារទៀតហើយ។ អន្តរកម្មជាមួយសាធារណជនក៏ជាចំណុចសំខាន់មួយដែរ ហើយការងារទាំងនេះជាធម្មតាត្រូវបានអនុវត្តនៅកណ្តាលទីក្រុងដែលមានមនុស្សចរាចរច្រើន។

Selaron Staircase ដោយ Jorge Selaron ដែលធ្វើឡើងក្នុងឆ្នាំ 2013 នៅទីក្រុង Rio de Janeiro គឺជាឧទាហរណ៍នៃ សិល្បៈតាមផ្លូវ

សិល្បៈរាងកាយ

ដោយធ្វើតាមដំណើរការច្នៃប្រឌិតប្រកបដោយភាពច្នៃប្រឌិតនៃទសវត្សរ៍ទី 60 និង 70 សិល្បៈរាងកាយ ឬសិល្បៈរាងកាយ។ នៅក្នុងភាសានេះ វិចិត្រករប្រើរាងកាយជាបញ្ហា។ ដូច្នេះ ច្រើនដង សិល្បៈរាងកាយ លាយឡំជាមួយ ការសម្តែង និងការបង្ហាញផ្សេងៗទៀត។

នៅក្នុងស្នាដៃទាំងនេះ អ្វីដែលយើងឃើញជាញឹកញាប់គឺរាងកាយត្រូវបានប្រើប្រាស់ជាថាមពលអតិបរមាសម្រាប់ការបញ្ចេញអារម្មណ៍គួរឱ្យសង្ស័យ ដូចជាការឈឺចាប់ ការឈឺចាប់ និង ភាពរីករាយ ក៏ដូចជាឧបករណ៍សម្រាប់បង្កចម្ងល់។

Bruce Nauman សិល្បករជនជាតិអាមេរិកដែលប្រើភាសានេះបាននិយាយថា៖ "ខ្ញុំចង់ប្រើរាងកាយរបស់ខ្ញុំជាសម្ភារៈ និងរៀបចំវា"។

ស៊េរី Silhouettes ដោយ Cuban Ana Mendieta ត្រូវបានផលិតនៅចន្លោះឆ្នាំ 1973 និង 1980

ភាពខុសគ្នារវាងសិល្បៈទំនើប និងសិល្បៈសហសម័យ

សិល្បៈសម័យទំនើបគឺផលិតចេញពី ចុងសតវត្សទី 19 និងដើមសតវត្សទី 20 ។ ជាមួយនឹងការផ្លាស់ប្តូរដែលកំពុងកើតឡើងនៅក្នុងពិភពលោក សិល្បៈក៏កំពុងផ្លាស់ប្តូរផងដែរ។

វាពិបាកក្នុងការកំណត់យ៉ាងច្បាស់ថានៅពេលណាដែលសិល្បៈសហសម័យចាប់ផ្តើម ប៉ុន្តែព្រឹត្តិការណ៍ដ៏សំខាន់មួយគឺបច្ចុប្បន្នសិល្បៈប៉ុប ដែលចាប់ផ្តើមបញ្ចូលគ្នា។ ចំណាប់អារម្មណ៍របស់មនុស្ស និងវប្បធម៌មហាជនជាមួយនឹងសិល្បៈ។

ដូច្នេះ ទោះបីជាភាពខុសគ្នារវាងនិន្នាការមួយ និងនិន្នាការមួយទៀតមិនមានភាពច្បាស់លាស់ក៏ដោយ វាអាចនិយាយបានថានៅក្នុងសិល្បៈសហសម័យមានការព្រួយបារម្ភកាន់តែខ្លាំងក្នុងការធ្វើឱ្យសិល្បៈកាន់តែខិតទៅជិតជីវិត។

ចំណុចផ្សេងទៀតដែលសមនឹងទទួលបានការគូសបញ្ជាក់គឺចំណុចប្រសព្វនៃភាសា ការប្រើប្រាស់បច្ចេកវិទ្យា និងការដឹងគុណចំពោះគំនិតក្នុងការធ្វើឱ្យខូចទ្រង់ទ្រាយនៅក្នុងសិល្បៈសហសម័យ។

ក្នុងន័យនេះ សិល្បៈប៉ុបដែលមាននិទស្សន្ត Andy Warhol, Roy Lichtenstein និងសិល្បករដទៃទៀត បង្កើតឱ្យមានវប្បធម៌ដែលអំណោយផលដល់សិល្បៈសហសម័យ។

សិល្បៈប៉ុបអាចត្រូវបានចាត់ទុកថាជា "គន្លឹះ" សម្រាប់សិល្បៈសហសម័យ។ នៅទីនេះ ការងាររបស់ Andy Warhol, Marilyn Monroe (1962)

នេះគឺដោយសារតែខ្សែនេះមើលឃើញវប្បធម៌ដ៏ធំជាការគាំទ្រស្ថាបនិករបស់ខ្លួន ដោយប្រើប្រាស់រឿងកំប្លែង ការផ្សាយពាណិជ្ជកម្ម និងសូម្បីតែតារាល្បីៗជាសម្ភារៈសម្រាប់ការបង្កើត។ ការនាំសាធារណជនឱ្យខិតទៅជិតពិភពសិល្បៈ។

ដូចគ្នានេះដែរ ភាពតិចតួចបំផុត និងក្រោយតូចបំផុត (នៅចុងទសវត្សរ៍ទី 50 និង 60) ផ្តល់ឱកាសឱ្យគិតអំពីការរួបរួមរវាងភាសាដូចជាគំនូរ និងចម្លាក់ផងដែរ។ ក្នុងនាមជាការប្រើប្រាស់លំហរតាមរបៀបច្នៃប្រឌិត មិនថាបរិស្ថានវិចិត្រសាល ទីធ្លាសាធារណៈក្នុងទីក្រុង ឬនៅកណ្តាលធម្មជាតិ។

ក្រោយមក ការវិវឌ្ឍន៍ថ្មីបានកើតឡើង និងបានបើកឱ្យមានការលេចឡើងនៃទម្រង់ផ្សេងទៀតនៃការបញ្ចេញមតិ ដូចជាការសម្តែងជាដើម។ សិល្បៈវីដេអូ ការដំឡើង និងផ្សេងៗទៀត។

លក្ខណៈនៃសិល្បៈសហសម័យ

សិល្បៈសហសម័យ ដូចដែលវាត្រូវបានបញ្ចូលទៅក្នុងពិភពលោកដែលមានលំហូរព័ត៌មានដ៏អស្ចារ្យ និង ការច្នៃប្រឌិតផ្នែកបច្ចេកវិទ្យា និងប្រព័ន្ធផ្សព្វផ្សាយ ធនធានទាំងនេះត្រូវបានប្រើប្រាស់ជាមធ្យោបាយមួយ។ការប្រាស្រ័យទាក់ទង។

លើសពីនេះទៅទៀត វាបំបែកឧបសគ្គទាក់ទងនឹងភាសាសិល្បៈ ការបង្រួបបង្រួមប្រភេទផ្សេងៗនៃការបង្កើតសិល្បៈ នៅក្នុងការងារ ដោយផ្លាស់ប្តូរឆ្ងាយពីការគាំទ្របែបប្រពៃណី។

នេះគឺជានិន្នាការដែលផ្តល់តម្លៃដល់ ការប្រហាក់ប្រហែលរវាងសិល្បៈ និងជីវិត ដែលជារឿយៗនាំមកនូវការឆ្លុះបញ្ចាំងពីវិសាលភាពសមូហភាព រួមបញ្ចូលគ្នារវាងនយោបាយ និងអរូបី។ វាក៏នាំមកនូវតួអង្គ និងមុខវិជ្ជាថ្មីៗផងដែរ ដូចជាបញ្ហាពូជសាសន៍ បុព្វបុរស ភេទ និងបញ្ហាយេនឌ័រ វិសមភាព និងផ្សេងៗទៀត។

ការទទួលមរតកនូវស្មារតីប្រកួតប្រជែងរបស់ពួកដាដានិយម សិល្បៈសហសម័យនៅតែមានការព្រួយបារម្ភជាមួយ ស៊ើបអង្កេតខ្លួនឯង ដោយលើកជាសំណួរអំពីគំនិតសិល្បៈ និងលើកទឹកចិត្តសំណួរចាស់ "បន្ទាប់ពីទាំងអស់ តើសិល្បៈគឺជាអ្វី?"។

លក្ខណៈគួរឱ្យចាប់អារម្មណ៍មួយទៀតគឺការពេញចិត្តចំពោះទំនាក់ទំនងរវាងសាធារណជន និងការងារ សិល្បករជាច្រើនជ្រើសរើសផ្លូវក្នុង ដែលពួកគេស្វែងរកដើម្បីផ្តល់នូវបទពិសោធន៍ពិសេសមួយសម្រាប់អ្នកដែលទាក់ទងជាមួយស្នាដៃ។

សិល្បៈសហសម័យនៅក្នុងប្រទេសប្រេស៊ីល

ជាធម្មតានិន្នាការសិល្បៈថ្មីទំនងជាលេចឡើងនៅក្នុងប្រទេសប្រេស៊ីលបន្ទាប់ពីរយៈពេលជាក់លាក់ណាមួយ។ នៅពេលដែលពួកគេកំពុងកើតឡើងរួចហើយនៅកន្លែងផ្សេងទៀត ដូចជាអឺរ៉ុប និងសហរដ្ឋអាមេរិកជាដើម ។ ទោះជាយ៉ាងណាក៏ដោយ ក្នុងករណីសិល្បៈសហសម័យ គម្លាតនៃពេលវេលានេះគឺមិនធំប៉ុន្មានទេ។

នៅក្នុងទឹកដីប្រេស៊ីល គេអាចនិយាយបានថាសិល្បៈប្រភេទនេះបានចាប់ផ្តើមដោយពួក neoconcretists ដែលបានបង្កើត ManifestoNeoconcrete ក្នុងឆ្នាំ 1959។ អ្នកទទួលខុសត្រូវលើឯកសារគឺ Amilcar de Castro (1920-2002), Ferreira Gullar (1930-2016), Franz Weissmann (1911-2005), Lygia Clark (1920-1988), Lygia Pape (1927 - 2004), Reynaldo Jardim (1926-2011) និង Theon Spanudis (1915-1986)។

ផ្នែកនៃស៊េរី Bichos ដោយ Lygia Clarck ផលិតនៅចន្លោះឆ្នាំ 1960 និង 1964

ឈ្មោះមូលដ្ឋានមួយទៀតសម្រាប់សិល្បៈសហសម័យជាតិគឺ Hélio Oiticica (1937-1980) ដែលថែមទាំងទទួលបានភាពល្បីល្បាញនៅក្រៅប្រទេសផងដែរ។

ពេលវេលាដ៏អស្ចារ្យនៃសិល្បៈសហសម័យរបស់ប្រេស៊ីលក៏ត្រូវបានសម្គាល់ដោយ ការតាំងពិពណ៌ តើអ្នកសុខសប្បាយជាទេ ជំនាន់ទី 80? ដែលប្រារព្ធឡើងនៅទីក្រុង Rio de Janeiro នៅ Parque Lage ក្នុងឆ្នាំ 1984។

កម្មវិធីនេះបានប្រមូលផ្តុំសិល្បករចំនួន 123 នាក់ ហើយមានគោលបំណងគូសផែនទីផលិតកម្មផ្សេងៗនាពេលនោះ។ សិល្បករដែលក្លាយជាឯកសារយោងបានចូលរួម ដូចជា Alex Vallauri (1949-1987), Beatriz Milhazes (1960), Daniel Senise (1955), Leda Catunda (1961) និង Leonilson (1957-1993)។

The International Biennials São Paulo ក៏ជាមជ្ឈមណ្ឌលវប្បធម៌ដ៏អស្ចារ្យដែលចង្អុលបង្ហាញពីលទ្ធផល និងការពិសោធន៍នៅក្នុងទឹកដីសិល្បៈប្រេស៊ីល។

សិល្បករសហសម័យសំខាន់ៗ

មនុស្សជាច្រើនបានលះបង់ខ្លួនឯង និងឧទ្ទិសដល់ការផលិតសិល្បៈសហសម័យនៅក្នុងប្រទេសប្រេស៊ីល និង នៅ​លើ​ពិភពលោក។ ការចុះបញ្ជីសិល្បករសំខាន់ៗទាំងអស់នៅក្នុងសកលលោកនេះនឹងក្លាយជាកិច្ចការនៃសមាមាត្រដ៏ធំសម្បើម។ ជួបជាមួយមួយចំនួន៖

Fluxus Group

TheGrupo Fluxus គឺជាចលនាសិល្បៈដែលមាននៅក្នុងទសវត្សរ៍ទី 60 ហើយមានសិល្បករជាច្រើនដែលបានប្រើការគាំទ្រផ្សេងៗគ្នាដើម្បីផលិតសិល្បៈដែលពិបាក បង្កហេតុ និងហ៊ាន។ ក្រុមនេះមានសារៈសំខាន់សម្រាប់ការបង្រួបបង្រួមសិល្បៈសហសម័យនៅក្នុងពិភពលោក។

Yoko Ono នៅក្នុងការសម្តែង Cut Piece (1966) ដែលសាធារណៈជនបានកាត់សំលៀកបំពាក់របស់វិចិត្រករ

Fluxus ត្រូវ​បាន​គេ​ដាក់​ឈ្មោះ​ដូច្នេះ​ដោយ​សារ​ពាក្យ​ឡាតាំង​មក​ពី fluxu ដែល​មាន​ន័យ​ថា "លំហូរ", "លំហូរ" ។ សិល្បករនៃចលនានេះជឿជាក់លើការរួមបញ្ចូលកាន់តែច្រើនរវាងសិល្បៈ និងជីវិត

សមាជិករបស់វាមានវត្តមាននៅក្នុងប្រទេសជាច្រើន ពួកគេគឺ៖

• ប្រទេសបារាំង៖ Ben Vautier (1935)
• សហរដ្ឋអាមេរិក - Higgins (1938-1998), Robert Watts (1923-1988), George Brecht (1926), Yoko Ono (1933)
• ជប៉ុន - Shigeko Kubota (1937), Takato Saito (1929) )
• ប្រទេស Nordic - Per Kirkeby (1938)
• អាល្លឺម៉ង់ - Wolf Vostell (1932-1998), Joseph Beuys (1912-1986), Nam June Paik (1932-2006)។

លោក Dick Higgins សិល្បករជនជាតិអាមេរិកដែលបានចូលរួមក្នុងក្រុមនេះ ធ្លាប់បានកំណត់ចលនានេះដូចខាងក្រោម៖

Fluxus មិនមែនជាពេលមួយនៅក្នុងប្រវត្តិសាស្ត្រ ឬចលនាសិល្បៈទេ។ វាជាវិធីនៃការធ្វើអ្វីមួយ [... ] ដែលជាវិធីនៃការរស់នៅ និងការស្លាប់។

Marina Abramović (1946-)

Marina Abramović កើតនៅប្រទេសស៊ែប៊ី ហើយត្រូវបានចាត់ទុកថាជាមនុស្សម្នាក់ក្នុងចំណោមមនុស្សច្រើនបំផុត។ សិល្បករសហសម័យមានសារៈសំខាន់ ដោយសារតែតួនាទីរបស់វា។សំខាន់នៅក្នុងភាសានៃការសម្តែងក្នុងទសវត្សរ៍ទី 70 ។

រួមគ្នាជាមួយអតីតដៃគូរបស់គាត់ សិល្បករអាឡឺម៉ង់ Ulay គាត់បានបង្កើតស្នាដៃដែលសាកល្បងដែនកំណត់ផ្ទាល់ខ្លួនរបស់គាត់ ទាក់ទងប្រធានបទដូចជា ពេលវេលា អត្តសញ្ញាណ និង ទំនាក់ទំនងស្នេហា .

ការសម្តែងចុងក្រោយដែលពួកគេបានសម្តែងគឺធ្វើឡើងដើម្បីសម្គាល់ការបែកគ្នារបស់គូស្នេហ៍ដែលបានដើររាប់គីឡូម៉ែត្រ ស្វែងរកខ្លួនឯងនៅលើមហាកំផែងប្រទេសចិន។

ខាងក្រោម យើងអាចមើលឃើញរូបភាពមួយ នៃការសម្តែង សិល្បករមានវត្តមាន ដែលបង្ហាញនៅ MoMa ក្នុងឆ្នាំ 2010 នៅទីក្រុងញូវយ៉ក។ ក្នុងឱកាសនោះ ម៉ារីណា បានចំណាយពេលជាច្រើនម៉ោងអង្គុយ និងផ្លាស់ប្តូរការសម្លឹងមើលជាមួយសាធារណជន។

អ្វីដែលនាងមិនដឹងនោះគឺថា Ulay មានវត្តមាននៅក្នុងពិព័រណ៍នេះ។ គាត់បានអង្គុយទល់មុខអ្នកសិល្បៈ ហើយការជួបជុំគ្នាវិញបន្ទាប់ពីជាច្រើនឆ្នាំធ្វើឱ្យមានអារម្មណ៍រំជួលចិត្ត។

Marina Abramovic ក្នុងការសម្តែងក្នុងឆ្នាំ 2010 បានជួបជុំដៃគូចាស់របស់គាត់ក្នុងជីវិត និងសិល្បៈ

Hélio Oiticica (1937-1980) )

Hélio Oiticica គឺជាវិចិត្រករប្រេស៊ីលដ៏ល្បីល្បាញនៅលើឆាកជាតិ។ គាត់បានធ្វើការជាមួយនឹងការគាំទ្រដូចជា ចម្លាក់ ការសម្តែង គំនូរ។

Hélio គឺសកម្មខ្លាំងណាស់ ដោយបានចូលរួមក្នុងចលនាសំខាន់ៗដូចជា Grupo Frente (1955 និង 1956) និង Grupo Neoconcreto (1959)។

របស់គាត់ ការរួមចំណែកឥទ្ធិពលដ៏អស្ចារ្យគឺនៅជុំវិញការយល់ដឹងនៃលំហ ដោយចាប់ផ្តើមពីវិមាត្រពីរទៅបីវិមាត្រ។

Hélio ក៏បានបង្កើតថ្មីដោយការបង្រួបបង្រួមរាងកាយទៅនឹងការងារសិល្បៈ។ ឧទាហរណ៍បុរាណគឺ Parangolés ដ៏ល្បីល្បាញ រូបចម្លាក់ក្រណាត់ចម្រុះពណ៌មនុស្សពាក់។

ស្នាដៃ Parangolés ដែលផលិតក្នុងទសវត្សរ៍ទី 60 ដោយ Hélio Oiticica គឺពិតជាតំណាងនៃសិល្បៈសហសម័យ

Rosana Paulino (1967-)

Rosana Paulino គឺជាវិចិត្រករជនជាតិប្រេស៊ីលដែលបង្ហាញស្នាដៃជាមួយនឹងការសាកសួរយ៉ាងខ្លាំងអំពីប្រធានបទសំខាន់ៗ ដូចជាការរើសអើងជាតិសាសន៍តាមរចនាសម្ព័ន្ធ និងស្ថានភាពរបស់ស្ត្រីនៅក្នុងប្រទេសប្រេស៊ីល។

នាងបង្ហាញផលិតកម្មជាភាសាផ្សេងៗគ្នាដូចជា ប៉ាក់ ចម្លាក់ជាដើម។ គំនូរ ការថតរូប។

ការងារខាងក្រោមដែលមានចំណងជើងថា Backstage (1997) បង្ហាញរូបថតស្ត្រីស្បែកខ្មៅនៅក្នុងស៊ុមឈើ។ មាត់ និងភ្នែករបស់ពួកគេត្រូវបានដេរភ្ជាប់ សំដៅទៅលើភាពទន់ខ្សោយ និងការបំបិទមាត់ជនរងគ្រោះនៃអំពើហិង្សាក្នុងគ្រួសារ និងក្នុងន័យទូលំទូលាយនៃការគៀបសង្កត់ក្នុងសង្គម។

Backstage (1997), ដោយ Rosana Paulino

Banksy

វិចិត្រករជនជាតិអង់គ្លេស Banksy គឺជាសិល្បករម្នាក់ក្នុងចំណោមសិល្បករដែលទទួលបានការទទួលស្គាល់បំផុតនាពេលបច្ចុប្បន្ននេះ។ មានគេដឹងតិចតួចអំពីអត្តសញ្ញាណពិតរបស់គាត់ ដែលគាត់ទទូចឱ្យរក្សាទុកជាអាថ៌កំបាំង។

ជាធម្មតា ស្នាដៃរបស់គាត់ត្រូវបានធ្វើឡើងនៅតាមដងផ្លូវនៃទីក្រុងធំៗ។ ពួកវាជាគំនូរដែលផលិតឡើងដោយប្រើបច្ចេកទេសស្ទីល ហើយមានសំណួរដ៏អស្ចារ្យអំពីសង្គមអ្នកប្រើប្រាស់ គុណតម្លៃ គោលការណ៍សីលធម៌ និងសង្គម។

ស្នាដៃនេះមានវត្តមាននៅកន្លែងជាច្រើនក្នុងពិភពលោក ដូចជាប្រទេសអង់គ្លេស បាសេឡូណា បារាំងជាដើម។ ទីក្រុងវីយែន ប្រទេសអូស្ត្រាលី សហរដ្ឋអាមេរិក និងមជ្ឈិមបូព៌ា។

គំនូរ ទិញទំនិញរហូតដល់អ្នកទម្លាក់ (2011) ផលិតនៅទីក្រុងឡុងដ៍ដោយBanksy

ដើម្បីមើលស្នាដៃផ្សេងទៀតរបស់វិចិត្រករ សូមអាន៖ ស្នាដៃដ៏អស្ចារ្យរបស់ Banksy

ចលនាក្នុងសិល្បៈសហសម័យ

ចលនាសិល្បៈនៅក្នុងសិល្បៈសហសម័យមានភាពចម្រុះ ហើយជារឿយៗដែនកំណត់របស់ពួកគេត្រូវបានសាយភាយ រួមបញ្ចូលគ្នាជាមួយគ្នាទៅវិញទៅមក។

ទោះជាយ៉ាងណាក៏ដោយ យើងរាយបញ្ជីពួកវាមួយចំនួន ហើយអាចកំណត់វាដូចខាងក្រោម៖

សិល្បៈគំនិត

នៅក្នុងប្រភេទសិល្បៈនេះ ការវាយតម្លៃគឺសម្រាប់ គំនិត - គំនិត - ដល់ការបំផ្លាញទម្រង់ចុងក្រោយ។ នៅទីនេះ យើងស្វែងរកការបង្កើតសំណួរតាមរយៈសិល្បៈ បង្ហាញពីអាកប្បកិរិយាផ្លូវចិត្ត។ ជាលើកដំបូងពាក្យនេះត្រូវបានគេប្រើនៅក្នុង Fluxus Group ក្នុងទសវត្សរ៍ទី 60។

អំពីចរន្តនេះ វិចិត្រករ Sol LeWitt (1928-2007) បាននិយាយថា៖

គំនិតនេះ ទោះបីជា វា​មិន​ត្រូវ​បាន​គេ​បង្កើត​ឱ្យ​ឃើញ​ទេ វា​ជា​ស្នាដៃ​សិល្បៈ​ដូច​នឹង​ផលិតផល​ផ្សេង​ទៀត​ដែរ។

ការ​បញ្ចូល​ក្នុង​សៀគ្វីមនោគមវិជ្ជា៖ Projeto Cédula (1970) ដោយ Cildo Meireles ជនជាតិ​ប្រេស៊ីល គឺជាឧទាហរណ៍នៃសិល្បៈទស្សនទាន

Arte Povera

The arte povera គឺជាចលនាសិល្បៈដែលបានផុសឡើងនៅក្នុងប្រទេសអ៊ីតាលីក្នុងទសវត្សរ៍ឆ្នាំ 1960 ដោយព្យាយាមផលិតសិល្បៈដែលអាចចូលប្រើបាន "ក្រីក្រ " និងវត្ថុធាតុច្រេះ ដើម្បីបង្កើតសោភ័ណភាពថ្មី។

គោលបំណងរបស់វិចិត្រករគឺដើម្បីរិះគន់អ្នកប្រើប្រាស់ ឧស្សាហកម្ម និងប្រព័ន្ធមូលធននិយម ដោយលើកទឹកចិត្តឱ្យមានសំណួរអំពីវត្ថុសិល្បៈជាមួយនឹងសម្ភារៈសាមញ្ញ និង ephemeral ។

ការងារ រូបចម្លាក់រស់នៅ (1966) ដោយ MarisaMerz

ការសម្តែងក្នុងសិល្បៈ

សិល្បៈការសម្តែងក៏ជាការបង្ហាញដែលមានដើមកំណើតក្នុងទសវត្សរ៍ទី 60 ដែលជាលទ្ធផលនៃការពិសោធន៍របស់សិល្បករផ្សេងៗគ្នា ដូចជាចលនា Fluxus ជាឧទាហរណ៍។

នៅក្នុងភាសានេះ ជាធម្មតាលាយឡំជាមួយនឹងទម្រង់ផ្សេងទៀតនៃការបញ្ចេញមតិ វិចិត្រករប្រើរូបកាយរបស់គាត់ជាសម្ភារៈ និងជំនួយសម្រាប់ការអនុវត្តការងារ។

លក្ខណៈរបស់វាគឺភាពអសកម្ម ពោលគឺសកម្មភាពកើតឡើង នៅកន្លែង និងពេលវេលាជាក់លាក់មួយ ដូច្នេះការងារមានរយៈពេល។ ទោះបីជាបែបនេះក៏ដោយ មនុស្សម្នាក់អាចទទួលបានគំនិតនៃការងារតាមរយៈកំណត់ត្រាដែលត្រូវបានធ្វើឡើង ជាធម្មតាតាមរយៈការថតរូប និងវីដេអូ។

ខ្ញុំចូលចិត្តអាមេរិច ហើយអាមេរិចចូលចិត្តខ្ញុំ (1974 ) គឺជាការសម្តែងដោយ Joseph Beuys ដែលគាត់ចំណាយពេលជាច្រើនថ្ងៃជាមួយសត្វកន្លាតព្រៃនៅក្នុងបន្ទប់

Hyper-realism

បច្ចុប្បន្ននៃសិល្បៈសហសម័យនេះទទួលបានសន្ទុះនៅចុងទសវត្សរ៍ឆ្នាំ 1960 នៅសហរដ្ឋអាមេរិក។ គោលបំណងរបស់វាគឺដើម្បីបន្តសោភ័ណភាពជាក់ស្តែង/ភាពស្មោះត្រង់ឡើងវិញ ផ្ទុយទៅនឹងការបញ្ចេញមតិអរូបី និងតិចតួចបំផុត ដែលស្វែងរកទម្រង់នៃការបញ្ចេញមតិតាមប្រធានបទបន្ថែមទៀត។

នៅក្នុងប្រភេទនៃភាពប្រាកដនិយមនេះ ការបំផុសគំនិតមកពីពិភពសហសម័យ ដោយប្រើជាមូលដ្ឋាន កិច្ចការបច្ចុប្បន្ន និងប្រធានបទ។

នៅក្នុងវីដេអូខាងក្រោម អ្នកអាចមើលឃើញរបាយការណ៍របស់ TV Folha ស្តីពីការតាំងពិពណ៌ដោយជាងចម្លាក់ជនជាតិអូស្ត្រាលី Ron Mueck ដែលបានធ្វើឡើងនៅ Pinacoteca de São Paulo ក្នុង 2014។