Tartalomjegyzék
A kortárs művészet olyan irányzat, amely a modern művészeti megnyilvánulások mellékágaként jött létre - és meghaladta azokat. Emiatt posztmodern művészetnek is nevezhetjük.
A 20. század második felében jelent meg ez az irányzat, amely a művészet előállításának és megbecsülésének új módját jelenti, és egészen napjainkig tart.
A mindennapi élet és a művészeti univerzum összekapcsolásával foglalkozó kortárs művészet hajlamos arra, hogy egyesítse a különböző nyelveket.
Yayoi Kusama japán kortárs művésznő pózol egyik műve előtt.
Jelenleg a technológiát és a digitális médiát nagyszerű szövetségesként használja, hogy megkérdőjelező és innovatív élményeket idézzen elő mind a művészek, mind a közönség számára.
A kortárs művészet története
Úgy vélhetjük, hogy a kortárs művészet olyan mozgalmakból kezdi meg a termést, mint a pop art és a minimalizmus, amelyeknek termékeny talaját az 1960-as években az Egyesült Államok jelentette.
Akkoriban a háború utáni időszak, a technológiai fejlődés, a kapitalizmus és a globalizáció erősödése volt a kontextus.
Így a kulturális ipar és következésképpen a művészet is jelentős átalakulásokon ment keresztül, amelyek megteremtették az alapját annak, amit ma kortárs művészetnek nevezünk.
Lásd még: 5 megható vers Conceição Evaristo-tólEz az új művészeti gyakorlat az eszméket és a művészi folyamatot kezdi nagyobbra értékelni, mint a végső formát vagy a tárgyat, vagyis a művészek a világról és magáról a művészetről való gondolkodásra való ösztönzésre törekednek. Továbbá arra törekszenek, hogy a művészetet közelebb hozzák a hétköznapi élethez.
Ebben az értelemben a pop art, Andy Warhol, Roy Lichtenstein és más művészek képviselőivel, kedvező kulturális forgatókönyvet teremtett a kortárs művészet számára.
A pop art a kortárs művészet "kiváltójának" tekinthető, itt Andy Warhol munkái, Marilyn Monroe (1962)
Ez az irányzat ugyanis a tömegkultúrát tekintette alapvető támaszának, és a képregényeket, a reklámokat, sőt a hírességeket is kreatív anyagként használta, közelebb hozva a közönséget a művészeti univerzumhoz.
Ugyanígy a minimalizmus és a poszt-minimalizmus (az 1950-es évek végén és az 1960-as években) lehetőséget kínál arra, hogy elgondolkodjunk az olyan nyelvek, mint a festészet és a szobrászat egyesítésén, valamint a tér innovatív módon történő használatán, legyen szó galériákról, városi közterekről vagy a természet közepén lévő terekről.
Ezt követően új fejlemények következtek be, amelyek lehetővé tették más kifejezési formák megjelenését, mint például a performanszok, a videoművészet, az installációk és mások.
A kortárs művészet jellemzői
A kortárs művészet, mert egy olyan világba illeszkedik, ahol nagy az információáramlás és a technológiai és média innovációk , ezeket az erőforrásokat a kommunikáció egyik formájaként használja.
A művészeti nyelvek tekintetében is lebontja a korlátokat, a művészi alkotás különböző típusainak egyesítése egy műben, eltávolodva a hagyományos médiától.
Ez egy olyan tendencia, amely értékeli a a művészet és az élet közelebb hozása egymáshoz Új szereplőket és témákat is felvonultat, mint például a faji kérdés, a patriarchátus, a szexualitás és a nemek kérdései, az egyenlőtlenségek és mások.
A dadaisták vitázó szellemét átörökítve a kortárs művészet is foglalkozik a következő kérdésekkel vizsgálja meg magát Ez az első alkalom, hogy olyan művészeti kiállítást láttam, amely a művészeti koncepciókkal kapcsolatos kérdéseket hordoz magában, és a régi kérdésre ösztönöz: "Végül is, mi a művészet?".
Egy másik érdekes jellemző a közönség és a mű közötti interakció felértékelődése, sok művész olyan utakat választ, amelyeken arra törekszenek, hogy egyedi élményt nyújtsanak a művekkel kapcsolatba kerülő embereknek.
Kortárs művészet Brazíliában
Általában az új művészeti irányzatok Brazíliában általában egy bizonyos idő után jelennek meg, amikor máshol, például Európában és az Egyesült Államokban már zajlanak. A kortárs művészet esetében azonban ez az időbeli különbség nem volt olyan nagy.
Brazíliában azt lehet mondani, hogy ez a fajta művészet a neokonzervatívokkal kezdődött, akik megalapítottak egy Neokonkrét kiáltvány A dokumentum felelősei Amilcar de Castro (1920-2002), Ferreira Gullar (1930-2016), Franz Weissmann (1911-2005), Lygia Clark (1920-1988), Lygia Pape (1927-2004), Reynaldo Jardim (1926-2011) és Theon Spanudis (1915-1986).
A sorozat részét képező munkák Bugs Lygia Clarck, 1960 és 1964 között készült
A brazil kortárs művészet egy másik alapvető neve Hélio Oiticica (1937-1980), aki még az országon kívül is ismertté vált.
A kortárs brazil művészet nagy pezsgésének pillanatát jelzi a kiállítás is. Hogy vagy, 80-as generáció? Rio de Janeiróban, a Parque Lage-ben tartották 1984-ben.
A kiállításon 123 művész vett részt, és célja az volt, hogy feltérképezze a korszak változatos produkcióit. Olyan művészek vettek részt, akik referenciává váltak, mint Alex Vallauri (1949-1987), Beatriz Milhazes (1960), Daniel Senise (1955), Leda Catunda (1961) és Leonilson (1957-1993).
A São Pauló-i Nemzetközi Biennálék szintén jelentős kulturális központok, amelyek a brazil művészeti terület eredményeit és kísérleteit mutatják.
Főbb kortárs művészek
Sokan vannak, akik Brazíliában és szerte a világon a kortárs művészetnek szentelték és szentelik magukat. Óriási feladat lenne felsorolni az összes fontos művészt ebben az univerzumban. Ismerj meg néhányat közülük:
Fluxus Csoport
A Fluxus Csoport egy művészeti mozgalom volt, amely az 1960-as években létezett, és számos olyan művészt foglalt magában, akik különböző médiumokat használtak, hogy kihívást jelentő, provokatív és merész művészetet hozzanak létre. A csoport alapvető fontosságú volt a kortárs művészet megszilárdulásában a világon.
Yoko Ono előadásban Vágott darab (1966), amelyben a közönség levágja a művész köntösét.
A Fluxus azért kapta ezt a nevet, mert a latin kifejezés a fluxu A mozgalom művészei hittek a művészet és az élet nagyobb integrációjában.
Tagjai több országban is jelen voltak:
Lásd még: Frázis Örökké felelős leszel azért, amit fogva tartasz (magyarázat)- Franciaország: Ben Vautier (1935)
- Amerikai Egyesült Államok - Higgins (1938-1998), Robert Watts (1923-1988), George Brecht (1926), Yoko Ono (1933)
- Japán - Shigeko Kubota (1937), Takato Saito (1929)
- Skandináv országok - Per Kirkeby (1938)
- Németország - Wolf Vostell (1932-1998), Joseph Beuys (1912-1986), Nam June Paik (1932-2006).
Dick Higgins, egy amerikai művész, aki részt vett a csoportban, egyszer a következőképpen határozta meg a mozgalmat:
A fluxus nem egy történelmi pillanat vagy művészeti mozgalom volt, hanem a dolgok csinálásának egy módja [...], az élet és a halál egy módja.
Marina Abramović (1946-)
Marina Abramović Szerbiában született, és az 1970-es években a performansz nyelvében betöltött alapvető szerepe miatt az egyik legfontosabb kortárs művésznek tartják.
Korábbi partnerével, a német művésznővel együtt Ulay olyan műveket hozott létre, amelyek saját határait tesztelik, és olyan kérdésekkel foglalkoznak, mint az idő, az identitás és a szerelmi kapcsolatok.
Utolsó fellépésük a pár különválásának jeleként történt, akik kilométereket gyalogoltak, és a Kínai Nagy Falnál találkoztak.
Az alábbiakban láthatunk egy képet az előadásról A művész jelen van Ez alkalommal Marina több órán át ült, és pillantásokat váltott a közönséggel.
Azt nem tudta, hogy Ulay is jelen volt a kiállításon. A művésznővel szemben ült, és a sok év utáni találkozás érzelmes volt.
Marina Abramovic 2010-es performanszában találkozik egykori élet- és művészeti partnerével
Hélio Oiticica (1937-1980)
Hélio Oiticica neves brazil művész volt, aki szobrászattal, performansszal és festészettel foglalkozott.
Hélio nagyon aktív volt, olyan fontos mozgalmakban vett részt, mint a Front Csoport (1955 és 1956) és a Neo-Beton Csoport (1959).
Az ő nagy hozzájárulása a tér megértése körül forgott, a kétdimenziósból a háromdimenziósba.
Hélio a test és a műalkotás egyesítésével is újított. Klasszikus példa erre a híres Parangolés színes szövetszobrok, amelyeket az emberek viseltek.
A munka Parangolés , amelyet Hélio Oiticica az 1960-as években készített, a kortárs művészet igen reprezentatív alkotása.
Rosana Paulino (1967-)
Rosana Paulino brazil művész, aki olyan fontos témákat feszegető műveket mutat be, mint a strukturális rasszizmus és a nők helyzete Brazíliában.
Különböző nyelveken állítja ki produkcióit, mint például hímzés, szobrászat, rajz, fotográfia.
Az alábbi műben, amelynek címe A színfalak mögött (1997) című filmben fából készült hátsó színpadon álló fekete nők fotói láthatók. Szájuk és szemük be van varrva, utalva a családon belüli erőszak és tágabb értelemben a társadalmi elnyomás áldozatainak tehetetlenségére és elhallgattatására.
A színfalak mögött (1997), írta Rosana Paulino
Banksy
A brit művész, Banksy napjaink egyik legelismertebb művésze. Valódi kilétéről keveset tudni, amit igyekszik titokban tartani.
Művei általában a nagyvárosok utcáin készülnek, stencil technikával készült festmények, amelyek nagy kérdéseket hordoznak a fogyasztói társadalomról, az értékekről, az erkölcsi és társadalmi elvekről.
A művek a világ különböző pontjain vannak jelen, például Angliában, Barcelonában, Franciaországban, Bécsben, Ausztráliában, az Egyesült Államokban és a Közel-Keleten.
Festés Vásárolj, amíg csak bírsz (2011), Londonban készítette Banksy
A művészek más munkáiért olvassa el: Banksy fantasztikus művei
Kortárs művészeti mozgalmak
A kortárs művészeten belüli művészeti irányzatok sokfélék, és gyakran a határaik elmosódnak, egymásba olvadnak.
Néhányat azonban felsoroltunk közülük, és a következőképpen határozhatjuk meg őket:
Konceptuális művészet
A kifejezést először a Fluxus csoporton belül használták az 1960-as években.
Sol LeWitt (1928-2007) művész azt mondta erről az áramlatról:
Maga az ötlet, még ha nem is válik láthatóvá, ugyanolyan műalkotás, mint bármely termék.
Beillesztések ideológiai körforgásokba: Cédula projekt (1970), a brazil Cildo Meireles alkotása a konceptuális művészet egyik példája.
Arte Povera
A arte povera egy olyan művészeti áramlat volt, amely az 1960-as években alakult ki Olaszországban, és amely arra törekedett, hogy hozzáférhető, "szegényes" és rusztikus anyagokból hozzon létre művészetet, hogy új esztétikát teremtsen.
A művészek szándéka a fogyasztói társadalom, az ipar és a kapitalista rendszer kritikája volt, kérdéseket vetve fel a művészi tárgyakkal kapcsolatban egyszerű és efemer anyagokkal.
Munka Élő szobor (1966), Marisa Merz
Előadás a művészetben
A performanszművészet szintén egy olyan megnyilvánulás volt, amely az 1960-as években született különböző művészek, például a Fluxus mozgalom kísérletezéseinek következményeként.
Ebben a nyelvben, amely általában más kifejezési formákkal keveredik, a művész a saját testét használja anyagként és a mű hordozójaként.
Jellemzője az efemeritás, azaz a cselekvés egy bizonyos helyen és időben zajlik, tehát a műnek van időtartama. Mindazonáltal a munkáról képet kaphatunk a készített felvételek révén, amelyek általában fotó és videó segítségével készülnek.
Szeretem Amerikát és Amerika szeret engem (1974) Joseph Beuys performansza, amelyben napokat tölt egy vad prérifarkassal egy szobában.
Hiperrealizmus
A kortárs művészetnek ez az áramlata az 1960-as évek végén erősödött meg az Egyesült Államokban. Célja a figuratív realista/hű esztétika újjáélesztése, szemben az absztrakt expresszionizmussal és a minimalizmussal, amelyek szubjektívebb kifejezésmódokat kerestek.
Ebben a fajta realizmusban az inspirációk a kortárs világból származnak, aktuális kérdéseket és témákat használva alapul.
Az alábbi videón a TV Folha riportja látható Ron Mueck ausztrál hiperrealista szobrászművész 2014-es kiállításáról, amelyet a Pinacoteca de São Paulóban rendeztek.
Ron Mueck művei a Pinacoteca de São PaulóbanLand Art
A land art egy olyan mozgalom, amely az 1960-as években az Egyesült Államokban és Európában kialakult új művészeti javaslatok része.
A kifejezés land art Ez azért van így, mert ezek a művek erősen kapcsolódnak a természethez, a természetes tereket használják támaszként és anyagként. Így egy olyan művészetről van szó, amely teljesen integrálódik a környezetbe.
Spirál platform (1970), Robert Smithson híres land art műve.
Utcai művészet
A utcai művészet Ez a kifejezés a nyilvános térben történik, és magában foglalhatja a festést (graffiti és stencil), az előadást, a színházat és más alkotási formákat.
Ez efemer jellegű, mert attól a pillanattól kezdve, hogy az utcán van, a művésznek már nincs kontrollja a mű felett. A közönséggel való interakció szintén fontos szempont, és ezek a művek általában olyan városi központokban készülnek, ahol nagy a tömeg.
A 2013-ban Rio de Janeiróban készült Escadaria Selaron, Jorge Selaron alkotása. utcai művészet
Body Art
Az 1960-as és 1970-es évek innovatív kreatív folyamatainak nyomán a body art Ezen a nyelven a művészek a testet használják tárgyként. body art keveredik teljesítmény és egyéb kifejezések.
Ezekben a művekben gyakran látjuk, hogy a testet maximális erőnek használják a kétes érzések - fájdalom, gyötrelem, öröm - kifejezésére, valamint a megkérdőjelezés eszközeként.
Bruce Nauman, egy amerikai művész, aki ezt a nyelvet használja, azt mondta: "A testemet anyagként akarom használni és manipulálni.
A sorozat Sziluettek a kubai Ana Mendieta 1973 és 1980 között készült.
A modern és a kortárs művészet közötti különbség
A modern művészet a 19. század végétől és a 20. század elejétől kezdve keletkezett. A világban végbement változásokkal együtt a művészet is átalakult.
Nehéz pontosan meghatározni, hogy mikor kezdődik a kortárs művészet, de jelentős mérföldkőnek tekinthető a pop art áramlat, amely az emberek közös érdekeit és a tömegkultúrát kezdi ötvözni a művészettel.
Így, bár az egyik és a másik irányzat közötti különbségek nem nagyon egyértelműek, elmondható, hogy a kortárs művészetben nagyobb gondot fordítanak arra, hogy a művészetet közelebb hozzák az élethez.
További említésre méltó pontok a nyelvek kombinációja, a technológia használata és az ötletnek a formával szembeni értékelése a kortárs művészetben.
