Arte rococò: definizione, caratteristiche, opere e artisti

Il rococò è stato un movimento artistico europeo di origine francese caratterizzato da uno stile allegro e dal gusto per la decorazione eccessiva, che si è manifestato nella pittura, nell'architettura, nelle arti decorative e nella scultura.

L'arte rococò si sviluppò all'inizio del XVIII secolo, nel periodo di transizione tra l'arte barocca e quella neoclassica. Pur condividendo con il barocco l'interesse per la profusione di dettagli, se ne differenzia per la sostituzione della solennità e del dramma con il piacere e il divertimento.

Jean-Honore Fragonard: L'altalena, 1767, olio su tela, 81 × 65 cm, Wallace Collection, Londra.

Il desiderio di intrattenimento era tale che, secondo lo studioso Michael Levey, il rococò non rispettava né la Chiesa né lo Stato: l'amore, la sensualità e la vita quotidiana erano temi più interessanti delle glorie spirituali.

La parola rococò deriva dal termine rocaille, un tipo di decorazione da giardino basata sull'uso di conchiglie o sassolini, molto popolare in Italia e in Francia nel XVII secolo. Sia l'uso di questi motivi che la somiglianza degli effetti ottenuti hanno portato ad applicare il termine rococò a questo stile.

Caratteristiche dell'arte rococò

Jean-Honoré Fragonard: Il bacio rubato, 1788, olio su tela, 45 × 55 cm, Museo dell'Ermitage, San Pietroburgo.

A differenza dell'arte barocca, quella rococò si caratterizzò per essere gioiosa, celebrativa della vita, dando spazio all'umorismo, alla grazia e a un leggero erotismo. Si può dire che fu, infatti, l'espressione di una classe sociale che sfuggiva alla noia attraverso un'arte entusiasta, senza pretese trascendentali o didascaliche.

Carattere grazioso e festoso

L'arte rococò era soprattutto uno stile che cercava di esprimere grazia e gioia. Sebbene il rococò fosse ornato nelle sue decorazioni, la sua atmosfera cercava di essere luminosa e di dimostrare entusiasmo.

Umorismo e malizia

L'arte rococò è l'espressione di un'élite che si diverte, quindi ha una grande quantità di umorismo e di malizia che sopprime ogni tentativo di solennità. Per questo motivo, il rococò esprime anche il rilassamento dell'etichetta.

Temi senza pretese moralistiche o didascaliche

I temi preferiti del rococò erano le avventure sentimentali, le scene pastorali, i divertimenti dell'élite oziosa e la vita domestica. Ma nonostante l'aspetto zuccheroso dei temi, essi avevano un legame con l'esperienza. I temi religiosi, mitologici o storici non venivano tralasciati, ma erano spogliati della loro solennità.

Sono spariti i moralismi, i didascalismi o le scene che millantano potere: ogni argomento passa attraverso il filtro della grazia, del piacere e della vita quotidiana.

Erotismo velato

L'arte si è nutrita di un erotismo velato, sia nelle forme che nei temi. Per alcuni artisti, la mitologia è stata un nascondiglio per giustificare lo sviluppo del nudo erotico, in modo da non subire le critiche delle élite intellettuali.

Interno dell'abbazia di Ottobeuren, in Baviera.

Il rococò era un'arte attenta al dettaglio e all'ornamento eccessivo. Gli artisti, i designer e gli architetti arricchivano la decorazione delle opere con elementi tanto esuberanti quanto fantasiosi. Non era strano trovare elementi provenienti dalle culture orientali come fauna, flora e motivi di ogni tipo.

Uso di toni pastello e del bianco

Uno dei modi che gli artisti del rococò trovarono per conferire grazia e divertimento fu quello di cambiare la tavolozza dai toni terrosi e scuri alle tonalità pastello e ai bianchi. Questo fu applicato sia nella pittura che nella decorazione architettonica, per conferire grazia e sensualità.

L'arte liberata dalla sua funzione propagandistica

Il Rococò liberò l'arte dal suo ruolo propagandistico: l'arte non era più al servizio di cause ecclesiastiche o assolutistiche, e questo influenzò la libertà tematica e stilistica. L'arte non aveva più bisogno di essere il veicolo di una "verità", né di essere seria.

Pittura rococò

Fragonard, Il lettore (1772)

La pittura rococò rappresenta il trionfo del rubenismo sul poussinismo.

Il Rubenismo si riferisce alla corrente di pittori coloristi ispirati al pittore barocco fiammingo Pedro Pablo Rubens (1577-1640), che fece prevalere il colore sul disegno.

Il poussinismo si riferisce alla tendenza che privilegia il disegno rispetto al colore, influenzata dal pittore francese Nicolas Poussin (1594-1665). Il colorismo era caratteristico dei pittori rococò.

Il suo carattere placido e aggraziato contrasta con la drammaticità del Barocco. In Francia, la vita di corte inizia a ruotare intorno all'intrattenimento e alle banalità, come gli amori, i giochi o la vita quotidiana, che si riflettono nella pittura.

Questo spirito allegro pervase rapidamente i tribunali europei, ma ogni paese lo adattò alle proprie peculiarità.

Pittori rococò

Antoine Watteau (1684-1721) Watteau, pittore proveniente da una città fiamminga annessa alla Francia, fu il primo artista a cedere alle preoccupazioni dell'élite oziosa, ma fu anche colui che diede "umanità" ai personaggi. Tra le sue opere più importanti ricordiamo il Pellegrinaggio all'isola di Citera (1717), la Salita d'amore (1717) e la Festa veneziana (1719).

Jean-Baptiste-Simeon Chardin (1699-1779) Fu un pittore francese autonomo, grazie alle risorse economiche della moglie. Si occupò in particolare della rappresentazione della vita domestica. Tra le sue opere più importanti si ricordano Il ragazzo con la trottola (1737), La giovane governante (1740) e La benedizione.

François Boucher (1703-1770) Pittore francese che lavorò sotto il patrocinio della marchesa de Pompadour, favorita del re Luigi XV. Trattò con grande esuberanza molti soggetti mitologici, pastorali e idilliaci. Tra le sue opere più importanti si ricordano Ritratto di Madame de Pompadour (1759); Giovane ragazza reclinata (1752) e Diana dopo il bagno (1742).

Jean-Honoré Fragonard (1732-1806) Fu un pittore francese che fece dell'edonismo, dell'erotismo, dell'esuberanza e dell'atmosfera intima i segni più rappresentativi della sua pittura. Tra le sue opere più importanti si ricordano L'altalena (1767), La gallina cieca (1769), La serratura (1779), Il bacio rubato (1788).

Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770) Pittore italiano ampiamente riconosciuto in Europa, sviluppò il tema religioso, ma eseguì anche temi mitologici e quotidiani. Alcune delle sue opere più note sono: la Traslazione della Santa Casa di Loreto (1743-1745), gli Affreschi della Residenza di Würzburg (1752-1753), il Giovane con pappagallo (1760) e gli Affreschi del Palazzo Reale di Madrid ( 1762 - 1766).

William Hogarth (1697-1764) Pittore inglese che mise in pratica le risorse e i colori chiari del rococò, ma ridicolizzò le convenzioni sociali, soprattutto quelle dell'élite. Tra le sue opere più note: Le quattro ore del giorno (1736), La carriera di una prostituta (1732) e Matrimonio a-la-mode (1743 circa).

Thomas Gainsborough (1727-1788) Pittore inglese che si caratterizzò per la rappresentazione di persone in atteggiamenti aggraziati. Si concentrò sulla piccola aristocrazia locale. Si distinse per il suo interesse per il paesaggio, che utilizzò sempre come sfondo per i suoi dipinti. Tra le sue opere: Mr and Mrs Andrews (1749), The Blue Boy (1770) e Dr Ralph Schomberg.

Architettura rococò

Facciata dell'Hotel de Soubise, Parigi. Foto: Parsifall

L'architettura rococò è caratterizzata da finiture esterne austere, ma da una decorazione interna molto ricca ed esuberante. Gli spazi interni sono più piccoli e trattati in modo più intimo, grazie all'uso di forme delicate e morbide.

La decorazione degli interni si distingueva per l'ingegnosità e la fantasia: le applique dorate erano all'ordine del giorno, al servizio di forme curve con motivi floreali, conchiglie e sinuosità di ogni tipo. I colori erano sempre vivaci e allegri.

L'architetto francese Germain Boffrand fu responsabile dell'introduzione del rococò in Francia e lo mise soprattutto al servizio dell'ordine monarchico, pur sviluppando progetti religiosi. Partecipò a progetti come Place Vendôme a Parigi, il Conservatorio di Versailles, l'Hotel de Soubise a Parigi e il Castello di Lunéville.

Interno del Palazzo Sanssouci, Potsdam.

L'estetica rococò era molto apprezzata in Austria e negli Stati tedeschi che facevano parte del Sacro Romano Impero, sia nell'architettura religiosa che in quella civile.

Ne sono un esempio la Basilica di Vierzehnheiligen di Johann Balthasar Neumann e l'Abbazia di Ottobeuren in Baviera, mentre in Prussia spicca la costruzione del Palazzo Sanssouci a Potsdam sotto la direzione di Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff.

In Spagna, la preminenza del barocco e la mancanza di scambi artistici con la Francia e la Germania ostacolarono soprattutto la diffusione dello stile rococò.

Ad esempio, la decorazione della sacrestia della Cartuja di Granada, iniziata probabilmente da Hurtado Izquierdo e proseguita da José de Bada, e il Transparente della Cattedrale di Toledo, opera di Narciso Tomé. Infine, la facciata del Palacio del Marqués de Dos Aguas, progettata da Hipólito Rovira.

Mobili rococò

In questo periodo fu creato uno stile chiamato Luigi XV, in attenzione al gusto estetico dominante a corte, che divenne una moda internazionale.

La falegnameria era caratterizzata dall'uso della vernice e dell'intarsio in bronzo; i motivi più utilizzati erano quelli floreali.

Allo stesso modo, i mobili cominciarono a essere progettati per il soggiorno rilassato dei nobili a corte, cosa che fino ad allora non era abituale, e questo portò allo sviluppo dell'arte dei mobili imbottiti.

Scultura rococò

Sia la scultura autonoma che quella al servizio dell'architettura giocarono un ruolo nel Rococò. Una delle sue differenze più notevoli fu la diminuzione delle dimensioni colossali del Barocco.

Il rococò cerca anche di accentuare la morbidezza e la delicatezza nel trattamento della texture e del movimento. Sebbene gli scultori mantengano un interesse per il marmo, la porcellana viene ampiamente utilizzata.

Venivano realizzate anche sculture in gesso e in legno. Per quanto riguarda il colore, quando lo applicavano, mantenevano i toni pastello per alleggerire l'atmosfera. Tra gli scultori rococò più importanti troviamo Antonio Corradini ed Étienne-Maurice Falconet.

Antonio Corradini (1688-1752) Fu uno scultore italiano che lavorò alla corte di Carlo VI. Era noto per il modo in cui trattava gli abiti, in particolare per l'effetto delle trasparenze. Alcune delle sue opere più commentate sono: la Donna velata (La Fe) e la Pudicizia, detta anche La verità velata.

Étienne-Maurice Falconet (francese, 1716 - 1791) Fu uno dei protetti della marchesa di Pompadour. Alcuni studiosi d'arte lo considerano una figura di transizione al neoclassicismo. Tra le sue opere: Cupido minaccioso (1757) e Pigmalione e Galatea (1763).

Contesto storico del Rococò

Pellegrinaggio all'isola di Citera , 1717, olio su tela, 129 × 194 cm, Museo del Louvre, Parigi. Di Antoine Watteau

Il Barocco ha dominato l'estetica occidentale dalla metà del XVI secolo e per tutto il XVII secolo, in un'epoca di guerre religiose e di consolidamento dell'assolutismo.

In Francia, negli ultimi anni del regno di Luigi XIV, la stabilità raggiunta rese superfluo il cerimoniale barocco. Poi il Re Sole vide i nobili come una minaccia e, alla fine del suo regno, li spogliò del loro potere, rendendoli un'élite inattiva.

Tre eventi furono fondamentali per l'impulso del rococò:

1. la morte del re Luigi XIV;
2. l'influenza della favorita del re Luigi XV, la marchesa di Pompadour;
3. lo scambio di artisti tra le diverse corti europee.

Il Re è morto. Lunga vita al Re!

François Boucher: Marchesa di Pompadour , 1756

Alla morte di Luigi XIV, la corte si trasferì da Versailles a Parigi mentre l'infante Luigi XV attendeva la sua età per salire al trono.

A Parigi, i nobili entrarono in contatto con le élite economiche più potenti e con i funzionari del Tesoro. Gradualmente, le forme di etichetta si allentarono, secondo quanto scrive lo studioso Stephen Richard Jones nel suo libro Introduzione alla storia dell'arte: il XVII secolo.

Ora che i nobili erano oziosi e annoiati, era necessario mantenere vivo l'interesse per la corte e fornire loro nuove occupazioni. A poco a poco si troverà una risposta nell'arte, come afferma Jones:

L'arte rococò era destinata solo a deliziare una società ricca e veramente oziosa, per la quale l'unico peccato era annoiarsi.

Quando il giovane Luigi XV prese il potere, la prosperità rinnovò gli ideali del mecenatismo nelle mani del settore privato.

Uno dei mecenati più importanti dell'epoca era l'amante del re, Jeanne-Antoine Poisson, marchesa di Pompadour, nota come protettrice delle arti.

Nasce così un mercato che, ispirandosi all'artista Watteau, si interessa alla vita domestica, all'erotismo, alla celebrazione della vita e del piacere.

Ma soprattutto era interessato alle relazioni amorose, il miglior antidoto alla noia. In questo momento storico si assiste alla mobilità degli artisti tra i Paesi come mai prima d'ora. La nuova arte, che si lascia alle spalle la trascendenza del Barocco, si fa strada in gran parte d'Europa.

Declino

A metà del XVIII secolo, pensatori illuministi come Voltaire proclamarono il dominio della ragione e la misura delle passioni per il bene comune.

Accusato di essere superfluo, se non addirittura immorale, il rococò fu associato al declino dell'Ancien Régime.

Sotto l'influenza dell'Illuminismo, l'architetto Jacques François Blodel si unì alle voci che squalificavano lo stile artistico dell'Antico Regime, proponendo una modernizzazione dell'arte che accompagnasse il crescente repubblicanesimo nel dibattito politico.

Col tempo il disegno tornò a trionfare sul colore e, sotto il comando del pensiero filosofico e politico, l'arte tornò all'accademismo, alla moralizzazione e alla propaganda di Stato. Nacque così l'arte neoclassica.

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Riferimenti :

• Levey, Michael (1998): Del rococó a la Revolución: principales tendencias de la pintura en el siglo XVIII. Barcellona: Ediciones Destino.
• Jones, Stephen Richard (1985): Introduzione alla storia dell'arte: il XVIII secolo. Barcellona: Editorial Gustavo Gili / Circle of Readers / Cambridge University.