Arta rococo: definiție, caracteristici, lucrări și artiști

Rococo a fost o mișcare artistică europeană de origine franceză, caracterizată de un stil vesel și de gustul pentru decorațiuni excesive, care s-a manifestat în pictură, arhitectură, arte decorative și sculptură.

Arta rococo s-a dezvoltat la începutul secolului al XVIII-lea, în perioada de tranziție dintre arta barocă și cea neoclasică. Deși împărtășește cu barocul interesul pentru profunzimea detaliilor, se deosebește de acesta prin înlocuirea solemnității și a dramatismului cu plăcerea și divertismentul.

Jean-Honore Fragonard: Leagănul, 1767, ulei pe pânză, 81 × 65 cm, Wallace Collection, Londra.

Dorința de divertisment era atât de mare încât, potrivit cercetătorului Michael Levey, rococo nu respecta nici Biserica, nici statul. Dragostea, senzualitatea și viața de zi cu zi erau teme mai interesante decât gloria spirituală.

Cuvântul rococo provine de la termenul rocaille, un tip de decorare a grădinilor bazat pe utilizarea scoicilor sau a pietricelelor, foarte popular în Italia și în Franța în secolul al XVII-lea. Atât utilizarea acestor motive, cât și similitudinea efectelor obținute au dus la aplicarea termenului rococo la acest stil.

Caracteristicile artei rococo

Jean-Honoré Fragonard: Sărutul furat, 1788, ulei pe pânză, 45 × 55 cm, Muzeul Ermitaj, Sankt Petersburg.

Spre deosebire de arta barocă, arta rococo s-a caracterizat prin veselie, celebrarea vieții, lăsând loc umorului, grației și erotismului ușor. Se poate spune că a fost, de fapt, expresia unei clase sociale care a scăpat de plictiseală prin intermediul unei arte entuziaste, fără pretenții transcendentale sau didactice.

Caracter grațios și festiv

Arta rococo a fost, înainte de toate, un stil care a căutat să exprime grație și bucurie. Deși rococo era ornamentat în decorul său, atmosfera sa căuta să fie luminoasă și să demonstreze entuziasm.

Umor și răutate

Arta rococo este expresia unei elite care se distrează. Prin urmare, are o mare doză de umor și răutate care suprimă orice încercare de solemnitate. Prin urmare, rococo exprimă și relaxarea etichetei.

Teme fără pretenții moralizatoare sau didactice

Temele preferate ale rococoului erau aventurile sentimentale, scenele pastorale, distracțiile elitei leneșe și viața domestică. Dar, în ciuda aspectului dulceag al temelor, acestea aveau o legătură cu experiența. Temele religioase, mitologice sau istorice nu au fost omise, dar au fost lipsite de solemnitate.

Au dispărut scenele moralizatoare, didactice sau care se lăudau cu puterea. Fiecare subiect a trecut prin filtrul grației, al plăcerii și al vieții de zi cu zi.

Erotism voalat

Arta s-a hrănit cu un erotism voalat, atât în formele, cât și în temele sale. Pentru unii artiști, mitologia a fost o ascunzătoare pentru a justifica dezvoltarea nudului erotic, astfel încât să nu sufere critici din partea elitelor intelectuale.

În interiorul mănăstirii Ottobeuren, Bavaria.

Rococo a fost o artă atentă la detalii și la ornamentarea excesivă. Artiștii, designerii și arhitecții au îmbogățit decorul operelor cu elemente pe cât de exuberante, pe atât de pline de imaginație. Nu era ciudat să găsim elemente din culturile orientale, cum ar fi fauna, flora și tot felul de motive.

Utilizarea nuanțelor pastelate și a albului

Una dintre modalitățile găsite de artiștii rococo pentru a aduce grație și amuzament a fost schimbarea paletei de la tonuri pământii și întunecate la nuanțe pastelate și alb. Acest lucru a fost aplicat atât în pictură, cât și în decorarea arhitecturală, pentru a aduce grație și senzualitate.

Arta eliberată de funcția sa de propagandă

Rococo a eliberat arta de rolul său propagandistic. Arta nu mai era în slujba unor cauze ecleziastice sau absolutiste, iar acest lucru a influențat libertatea tematică și stilistică. Arta nu mai trebuia să fie vehiculul unui "adevăr" și nici nu mai trebuia să fie serioasă.

Pictură Rococo

Fragonard, Cititorul (1772)

Pictura rococo a reprezentat un triumf al rubenismului asupra picturii pușiniste.

Rubenismul se referă la curentul de pictori coloristi inspirați de pictorul baroc flamand Pedro Pablo Rubens (1577-1640), care a făcut ca culoarea să prevaleze asupra desenului.

Poussinismul se referă la curentul care a favorizat desenul în detrimentul culorii, influențat de pictorul francez Nicolas Poussin (1594-1665). Colorismul a fost caracteristic pictorilor rococo.

Caracterul său placid și grațios contrasta cu dramatismul barocului. În Franța, viața de la curte a început să se învârtă în jurul divertismentului și al banalităților, cum ar fi aventurile amoroase, jocurile sau viața de zi cu zi, toate reflectate în pictură.

Acest spirit vesel a pătruns rapid în instanțele europene, dar fiecare țară l-a adaptat la particularitățile sale.

Pictori Rococo

Antoine Watteau (1684-1721) . Watteau a fost un pictor dintr-un oraș flamand anexat la Franța. El a fost primul artist care a cedat preocupărilor elitei leneșe. Dar tot el a fost cel care a dat "umanitate" personajelor. Printre cele mai importante lucrări ale sale se numără Pelerinaj în insula Cythera (1717), Cățărarea iubirii (1717); Ospățul venețian (1719).

Jean-Baptiste-Simeon Chardin (1699-1779) A fost un pictor francez liber-profesionist, datorită resurselor economice ale soției sale. A fost preocupat în special de reprezentarea vieții domestice. Printre cele mai importante lucrări ale sale se numără Băiatul cu toporul (1737), Tânăra guvernantă (1740) și Binecuvântarea.

François Boucher (1703-1770) Pictor francez care a lucrat sub patronajul marchizei de Pompadour, favorită a regelui Ludovic al XV-lea. A tratat cu mare exuberanță numeroase subiecte mitologice, pastorale și idilice. Printre cele mai importante lucrări ale sale se numără Portretul doamnei de Pompadour (1759); Tânără culcată (1752) și Diana după baie (1742).

Jean-Honoré Fragonard (1732-1806) A fost un pictor francez care a făcut din hedonism, erotism, exuberanță și atmosferă intimă semnele cele mai reprezentative ale picturii sale. Printre cele mai importante lucrări ale sale se numără Leagănul (1767), Găina oarbă (1769), Ecluza (1779), Sărutul furat (1788).

Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770) Pictor italian recunoscut pe scară largă în Europa, a dezvoltat tematica religioasă. A executat, de asemenea, teme mitologice și cotidiene. Unele dintre cele mai cunoscute lucrări ale sale sunt: Traducerea Sfintei Case din Loreto (1743-1745), Frescele reședinței din Würzburg (1752-1753), Tânăr cu papagal (1760) și Frescele din Palatul Regal din Madrid ( 1762 - 1766).

William Hogarth (1697-1764) Pictor englez care a pus în practică resursele și culorile deschise ale rococo-ului, dar a ridiculizat convențiile sociale, în special pe cele ale elitei. Printre cele mai cunoscute lucrări ale sale se numără: The Four Times of the Day (1736), The Career of a Prostitute (1732) și Marriage a-la-mode (c. 1743).

Thomas Gainsborough (1727-1788) Pictor englez care s-a caracterizat prin reprezentarea oamenilor în atitudini grațioase. S-a concentrat asupra micii aristocrații locale. S-a remarcat prin interesul său pentru peisaj, pe care l-a folosit întotdeauna ca fundal pentru tablourile sale. Printre operele sale se numără: Mr and Mrs Andrews (1749), The Blue Boy (1770) și Dr. Ralph Schomberg.

Arhitectura Rococo

Fațada Hotelului de Soubise, Paris. Foto: Parsifall

Arhitectura rococo s-a caracterizat prin finisaje exterioare austere, dar prin decorațiuni interioare foarte bogate și exuberante. Spațiile interioare sunt mai mici și tratate mai intim, datorită utilizării unor forme delicate și moi.

Decorul interior se remarca prin ingeniozitate și imaginație. Sconcterele aurii erau la ordinea zilei, servind forme curbe cu motive florale, scoici și tot felul de sinuozități. Culorile erau întotdeauna luminoase și vesele.

Arhitectul francez Germain Boffrand a fost responsabil pentru introducerea rococo-ului în Franța și l-a pus în special în slujba ordinii monarhice, deși a dezvoltat și proiecte religioase. A participat la proiecte precum Place Vendôme din Paris, Conservatorul de la Versailles, Hotelul de Soubise din Paris și Castelul de Lunéville.

Interiorul Palatului Sanssouci, Potsdam.

Estetica rococo a fost foarte apreciată în Austria și în statele germane care făceau parte din Sfântul Imperiu Roman, atât în arhitectura religioasă, cât și în cea civilă.

Printre exemple se numără Bazilica Vierzehnheiligen a lui Johann Balthasar Neumann și Abația Ottobeuren din Bavaria. În Prusia, s-a remarcat construcția Palatului Sanssouci din Potsdam sub conducerea lui Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff.

În Spania, preeminența barocului și lipsa de schimburi artistice cu Franța și Germania au împiedicat în principal răspândirea stilului rococo.

De exemplu, decorarea sacristiei din La Cartuja de Granada, începută probabil de Hurtado Izquierdo și continuată de José de Bada. De asemenea, merită menționată și Transparența din Catedrala din Toledo, realizată de Narciso Tomé. În fine, fațada Palacio del Marqués de Dos Aguas, proiectată de Hipólito Rovira.

Mobilier rococo

În această perioadă, a fost creat un stil numit Ludovic al XV-lea, în atenția gustului estetic dominant la curte. Acest stil a devenit o modă internațională.

Tâmplăria era caracterizată prin utilizarea lacului și a marchetăriei de bronz. Motivele cele mai des folosite erau cele florale.

În același mod, mobilierul a început să fie conceput pentru șederea relaxată a nobililor la curte, ceea ce nu fusese obișnuit până atunci, ceea ce a dus la dezvoltarea artei mobilierului tapițat.

Sculptură Rococo

Atât sculptura autonomă, cât și sculptura în slujba arhitecturii au jucat un rol în Rococo. Una dintre diferențele cele mai notabile a fost diminuarea dimensiunilor colosale ale barocului.

Rococo a căutat, de asemenea, să accentueze moliciunea și delicatețea în tratarea texturii și a mișcării. Deși sculptorii au păstrat un interes pentru marmură, porțelanul a fost utilizat pe scară largă.

De asemenea, au fost realizate sculpturi în ghips și lemn. În ceea ce privește culoarea, atunci când au aplicat-o, au păstrat tonurile pastelate pentru a ușura atmosfera. Printre cei mai remarcabili sculptori rococo se numără Antonio Corradini și Étienne-Maurice Falconet.

Antonio Corradini (1688-1752) A fost un sculptor italian care a lucrat la curtea lui Carol al VI-lea. A fost cunoscut pentru modul în care a tratat hainele, în special pentru efectul de transparență. Unele dintre cele mai comentate lucrări ale sale sunt: Femeia voalată (La Fe) și Modestia, numită și Adevărul voalat.

Étienne-Maurice Falconet (franceză, 1716 - 1791) A fost unul dintre protejații marchizei de Pompadour. Unii cercetători de artă îl studiază ca pe o figură a tranziției către neoclasicism. Printre lucrările sale se numără: Cupidon amenințător (1757) și Pygmalion și Galateea (1763).

Contextul istoric al Rococo

Pelerinaj pe insula Cythera , 1717, ulei pe pânză, 129 × 194 cm, Muzeul Luvru, Paris. De Antoine Watteau

Barocul a dominat estetica occidentală de la jumătatea secolului al XVI-lea și pe tot parcursul secolului al XVII-lea. Au fost vremuri de războaie religioase și de consolidare a absolutismului.

În Franța, în ultimii ani de domnie ai lui Ludovic al XIV-lea, stabilitatea obținută a făcut inutil ceremonialul baroc. Apoi, Regele Soare a văzut în nobili o amenințare. La sfârșitul domniei sale, a deposedat nobilimea de putere, transformând-o într-o elită inactivă.

Trei evenimente au fost fundamentale pentru impulsul rococo:

1. moartea regelui Ludovic al XIV-lea;
2. influența favoritei regelui Ludovic al XV-lea, marchiza de Pompadour;
3. schimbul de artiști între diferitele instanțe europene.

Regele a murit. Trăiască regele!

François Boucher: Marchiza de Pompadour , 1756

La moartea lui Ludovic al XIV-lea, curtea s-a mutat de la Versailles la Paris, în timp ce copilul Ludovic al XV-lea își aștepta vârsta pentru a urca pe tron.

La Paris, nobilii au intrat în contact cu cele mai puternice elite economice și cu funcționari ai Trezoreriei. Treptat, formele de etichetă s-au relaxat, potrivit cercetătorului Stephen Richard Jones în cartea sa "Introducere în istoria artei: secolul al XVII-lea".

Acum, când nobilii erau leneși și plictisiți, era necesar să se mențină interesul la curte și să li se ofere noi ocupații. Încetul cu încetul, un răspuns va fi găsit în artă. Jones afirmă că::

Arta rococo era menită doar să încânte o societate bogată, cu adevărat leneșă, pentru care singurul păcat era să se plictisească.

Când tânărul Ludovic al XV-lea a preluat puterea, prosperitatea a reînnoit idealurile de patronaj în mâinile sectorului privat.

Unul dintre cei mai importanți patroni ai vremii a fost amanta regelui, Jeanne-Antoine Poisson, marchiză de Pompadour, cunoscută ca protectoare a artelor.

Astfel s-a creat o piață care, inspirată de artistul Watteau, era interesată de viața domestică, de erotism, de celebrarea vieții și de plăcere.

Dar, mai presus de toate, era interesat de aventurile amoroase, cel mai bun antidot împotriva plictiselii. În acest moment istoric, artiștii au cunoscut o mobilitate între țări cum nu se mai întâmplase niciodată până atunci. Noua artă - care a lăsat în urmă transcendența barocului - și-a croit drum în mare parte din Europa.

Declin

La mijlocul secolului al XVIII-lea, gânditori ai Iluminismului, precum Voltaire, au proclamat dominația rațiunii și măsurarea pasiunilor pentru binele comun.

Rococo li se părea un exces inacceptabil. Acuzat de superfluu, dacă nu chiar de imoralitate, rococo a fost asociat cu declinul Ancien Régime.

Sub influența Iluminismului, arhitectul Jacques François Blodel s-a alăturat vocilor care descalificau stilul artistic al Vechiului Regim și a propus o modernizare a artei care să însoțească republicanismul în creștere în dezbaterea politică.

Cu timpul, desenul a triumfat din nou asupra culorii și, sub comanda gândirii filozofice și politice, arta a revenit la academism, moralizare și propagandă de stat. Astfel s-a născut arta neoclasică.

S-ar putea să vă intereseze și :

Referințe :

• Levey, Michael (1998): Del rococó a la Revolución: principales tendencias de la pintura en el siglo XVIII. Barcelona: Ediciones Destino.
• Jones, Stephen Richard (1985): Introduction to the History of Art: The 18th Century. Barcelona: Editorial Gustavo Gili / Circle of Readers / Cambridge University.