Sztuka rokoko: definicja, charakterystyka, dzieła i artyści

Rokoko to europejski ruch artystyczny pochodzenia francuskiego, charakteryzujący się radosnym stylem i upodobaniem do nadmiernej dekoracji. Przejawiał się w malarstwie, architekturze, sztukach dekoracyjnych i rzeźbie.

Sztuka rokoko rozwinęła się na początku XVIII wieku, w okresie przejściowym między barokiem a neoklasycyzmem. Chociaż łączy ją z barokiem zainteresowanie bogactwem szczegółów, różni się od niego zastąpieniem powagi i dramatu przyjemnością i rozrywką.

Jean-Honore Fragonard: Huśtawka, 1767, olej na płótnie, 81 × 65 cm, Wallace Collection, Londyn.

Takie było pragnienie rozrywki, że według badacza Michaela Levey'a rokoko nie szanowało ani Kościoła, ani państwa. Miłość, zmysłowość i życie codzienne były bardziej interesującymi tematami niż duchowe chwały.

Słowo rokoko pochodzi od terminu rocaille, rodzaju dekoracji ogrodowej opartej na wykorzystaniu muszli lub kamyków, bardzo popularnej we Włoszech i Francji w XVII w. Zarówno wykorzystanie tych motywów, jak i podobieństwo osiąganych efektów doprowadziły do zastosowania terminu rokoko w odniesieniu do tego stylu.

Charakterystyka sztuki rokoko

Jean-Honoré Fragonard: Skradziony pocałunek, 1788, olej na płótnie, 45 × 55 cm, Muzeum Ermitażu, Petersburg.

W przeciwieństwie do sztuki barokowej, sztuka rokoko charakteryzowała się radością, celebracją życia, humorem, wdziękiem i lekkim erotyzmem. Można powiedzieć, że była w istocie wyrazem klasy społecznej, która uciekała od nudy poprzez sztukę entuzjastyczną, bez pretensji transcendentalnych czy dydaktycznych.

Wdzięczny i świąteczny charakter

Sztuka rokoko była przede wszystkim stylem, który starał się wyrazić wdzięk i radość. Chociaż rokoko było ozdobne w swoich dekoracjach, jego atmosfera starała się być świetlista i okazywać entuzjazm.

Humor i złośliwość

Sztuka rokoko jest wyrazem elity, która dobrze się bawi. Dlatego ma w sobie dużo humoru i psot, które tłumią wszelkie próby powagi. Dlatego rokoko wyraża również rozluźnienie etykiety.

Tematy bez pretensji moralizatorskich czy dydaktycznych

Ulubionymi tematami rokoka były sentymentalne przygody, sceny pasterskie, rozrywki próżniaczej elity i życie domowe. Ale pomimo słodkiego wyglądu tematów, miały one związek z doświadczeniem. Tematy religijne, mitologiczne lub historyczne nie zostały pominięte, ale zostały pozbawione powagi.

Zniknęło moralizatorstwo, dydaktyzm czy sceny epatujące mocą, a każdy temat został przepuszczony przez filtr wdzięku, przyjemności i codzienności.

Zawoalowany erotyzm

Sztuka karmiła się zawoalowanym erotyzmem, zarówno w swoich formach, jak i tematach. Dla niektórych artystów mitologia była kryjówką usprawiedliwiającą rozwój erotycznego aktu, aby nie narazić się na krytykę ze strony elit intelektualnych.

Wnętrze opactwa Ottobeuren, Bawaria.

Rokoko było sztuką przywiązującą wagę do detali i przesadnej ornamentyki. Artyści, projektanci i architekci wzbogacali dekoracje dzieł o elementy równie wybujałe, co fantazyjne. Nie było niczym dziwnym znalezienie elementów pochodzących z kultur orientalnych, takich jak fauna, flora i wszelkiego rodzaju motywy.

Użycie pastelowych odcieni i bieli

Jednym ze sposobów, w jaki rokokowi artyści wprowadzili wdzięk i zabawę, była zmiana palety z ziemistych i ciemnych tonów na pastelowe odcienie i biele. Zostało to zastosowane zarówno w malarstwie, jak i dekoracjach architektonicznych, aby wprowadzić wdzięk i zmysłowość.

Sztuka uwolniona od funkcji propagandowej

Rokoko uwolniło sztukę od jej propagandowej roli. Sztuka nie była już w służbie spraw kościelnych czy absolutystycznych, co wpłynęło na swobodę tematyczną i stylistyczną. Sztuka nie musiała już być nośnikiem "prawdy", ani nie musiała być poważna.

Malarstwo w stylu rokoko

Fragonard, Czytelnik (1772)

Malarstwo rokokowe reprezentowało triumf rubensizmu nad poussinizmem.

Rubensizm odnosi się do nurtu malarzy kolorystów zainspirowanych flamandzkim malarzem barokowym Pedro Pablo Rubensem (1577-1640), który sprawił, że kolor przeważył nad rysunkiem.

Poussinizm odnosi się do trendu, który preferował rysunek nad kolorem, pod wpływem francuskiego malarza Nicolasa Poussina (1594-1665). Koloryzm był charakterystyczny dla malarzy rokokowych.

Jego spokojny i pełen gracji charakter kontrastował z dramatyzmem baroku. We Francji życie dworskie zaczęło obracać się wokół rozrywki i banałów, takich jak romanse, gry czy życie codzienne, a wszystko to znajdowało odzwierciedlenie w malarstwie.

Ten radosny duch szybko przeniknął do europejskich sądów, ale każdy kraj dostosował go do własnej specyfiki.

Malarze rokoko

Antoine Watteau (1684-1721) Watteau był malarzem pochodzącym z flamandzkiego miasta, które zostało przyłączone do Francji. Był pierwszym artystą, który poddał się troskom próżniaczej elity. Ale to także on nadał "człowieczeństwo" postaciom. Do jego najważniejszych dzieł należą Pielgrzymka na wyspę Cythera (1717), Wspinaczka miłości (1717); Uczta wenecka (1719).

Jean-Baptiste-Simeon Chardin (1699-1779) Był samozatrudnionym francuskim malarzem, dzięki zasobom ekonomicznym swojej żony. Szczególnie interesował się przedstawianiem życia domowego. Do jego najważniejszych dzieł należą Chłopiec z czubkiem (1737), Młoda guwernantka (1740) i Błogosławieństwo.

François Boucher (1703-1770) Francuski malarz, który pracował pod patronatem markizy de Pompadour, ulubienicy króla Ludwika XV. Z wielkim rozmachem potraktował wiele mitologicznych, pasterskich i idyllicznych tematów. Do jego najważniejszych dzieł należą Portret Madame de Pompadour (1759); Młoda leżąca dziewczyna (1752) i Diana po kąpieli (1742).

Jean-Honoré Fragonard (1732-1806) Był francuskim malarzem, który uczynił hedonizm, erotyzm, żywiołowość i intymną atmosferę najbardziej reprezentatywnymi znakami swojego malarstwa. Do jego najważniejszych dzieł należą Huśtawka (1767), Ślepa kura (1769), Zamek (1779), Skradziony pocałunek (1788).

Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770) Włoski malarz szeroko znany w Europie, rozwinął tematykę religijną, a także mitologiczną i codzienną. Niektóre z jego najbardziej znanych dzieł to: Tłumaczenie Świętego Domu w Loreto (1743-1745), Freski w rezydencji w Würzburgu (1752-1753), Młody mężczyzna z papugą (1760) i Freski w Pałacu Królewskim w Madrycie (1762-1766).

William Hogarth (1697-1764) Angielski malarz, który wprowadził w życie środki i jasne kolory rokoko, ale wyśmiewał konwencje społeczne, zwłaszcza te elitarne. Do jego najbardziej znanych dzieł należą: Cztery pory dnia (1736), Kariera prostytutki (1732) i Małżeństwo a-la-mode (ok. 1743).

Thomas Gainsborough (1727-1788) Angielski malarz, który charakteryzował się przedstawianiem ludzi w pełnych wdzięku postawach. Koncentrował się na drobnej lokalnej arystokracji. Był znany ze swojego zainteresowania krajobrazem, który zawsze wykorzystywał jako tło dla swoich obrazów. Jego prace obejmują: Pan i Pani Andrews (1749), Niebieski chłopiec (1770) i Dr Ralph Schomberg.

Architektura w stylu rokoko

Fasada hotelu de Soubise, Paryż, zdjęcie: Parsifall

Architektura rokoko charakteryzowała się surowymi wykończeniami zewnętrznymi, ale bardzo bogatą i żywiołową dekoracją wnętrz. Przestrzenie wewnętrzne są mniejsze i traktowane bardziej intymnie, dzięki zastosowaniu delikatnych i miękkich form.

Wystrój wnętrz wyróżniał się pomysłowością i wyobraźnią. Złote kinkiety były na porządku dziennym, serwując zakrzywione kształty z motywami kwiatowymi, muszlami i wszelkiego rodzaju krętością. Kolory były zawsze jasne i wesołe.

Francuski architekt Germain Boffrand był odpowiedzialny za wprowadzenie rokoka we Francji i umieścił go szczególnie w służbie porządku monarchicznego, chociaż opracowywał projekty religijne. Brał udział w projektach takich jak Place Vendôme w Paryżu, Konserwatorium w Wersalu, Hotel de Soubise w Paryżu i Château de Lunéville.

Wnętrze pałacu Sanssouci w Poczdamie.

Estetyka rokoko była wysoko ceniona w Austrii i państwach niemieckich, które były częścią Świętego Cesarstwa Rzymskiego, zarówno w architekturze religijnej, jak i cywilnej.

Przykłady obejmują bazylikę Vierzehnheiligen Johanna Balthasara Neumanna i opactwo Ottobeuren w Bawarii. W Prusach wyróżniała się budowa pałacu Sanssouci w Poczdamie pod kierunkiem Georga Wenzeslausa von Knobelsdorffa.

W Hiszpanii dominacja baroku i brak wymiany artystycznej z Francją i Niemcami głównie utrudniały rozprzestrzenianie się stylu rokoko.

Na przykład dekoracja zakrystii La Cartuja de Granada, prawdopodobnie rozpoczęta przez Hurtado Izquierdo i kontynuowana przez José de Bada. Warto również wspomnieć o Transparente w katedrze w Toledo autorstwa Narciso Tomé. Wreszcie fasada Palacio del Marqués de Dos Aguas, zaprojektowana przez Hipólito Rovira.

Meble w stylu rokoko

W tym okresie, w nawiązaniu do dominującego na dworze gustu estetycznego, powstał styl zwany Ludwikiem XV, który stał się modą międzynarodową.

Stolarka charakteryzowała się zastosowaniem lakieru i intarsji z brązu. Najczęściej stosowanymi motywami były motywy kwiatowe.

W ten sam sposób meble zaczęły być projektowane z myślą o relaksującym pobycie szlachty na dworze, co do tej pory nie było powszechne. Przyniosło to rozwój sztuki mebli tapicerowanych.

Rzeźba w stylu rokoko

Zarówno autonomiczna rzeźba, jak i rzeźba w służbie architektury odegrały rolę w rokoko. Jedną z najbardziej zauważalnych różnic było zmniejszenie kolosalnych rozmiarów baroku.

Rokoko dążyło również do podkreślenia miękkości i delikatności w traktowaniu tekstury i ruchu. Chociaż rzeźbiarze nadal interesowali się marmurem, porcelana była szeroko stosowana.

Wykonywano również rzeźby w gipsie i drewnie. Jeśli chodzi o kolor, kiedy go nakładali, utrzymywali pastelowe odcienie, aby rozjaśnić atmosferę. Wśród najwybitniejszych rzeźbiarzy rokokowych znajdujemy Antonio Corradiniego i Étienne-Maurice Falconeta.

Antonio Corradini (1688-1752) Był włoskim rzeźbiarzem, który pracował na dworze Karola VI. Był znany ze sposobu, w jaki traktował ubrania, zwłaszcza efekt przezroczystości. Niektóre z jego najbardziej komentowanych dzieł to: Zawoalowana kobieta (La Fe) i Skromność, zwana także Zawoalowaną prawdą.

Étienne-Maurice Falconet (Francja, 1716-1791) Był jednym z protegowanych markizy de Pompadour. Niektórzy badacze sztuki uważają go za postać przejścia do neoklasycyzmu. Do jego dzieł należą: Groźny Kupidyn (1757) oraz Pigmalion i Galatea (1763).

Kontekst historyczny rokoka

Pielgrzymka na wyspę Cythera , 1717, olej na płótnie, 129 × 194 cm, Luwr, Paryż, autor: Antoine Watteau

Barok zdominował zachodnią estetykę od połowy XVI w. i przez cały XVII w. Były to czasy wojen religijnych i konsolidacji absolutyzmu.

We Francji, w ostatnich latach panowania Ludwika XIV, osiągnięta stabilność sprawiła, że barokowy ceremoniał stał się zbędny. Następnie Król Słońce uznał szlachtę za zagrożenie. Pod koniec swojego panowania pozbawił szlachtę władzy, czyniąc z niej bezczynną elitę.

Trzy wydarzenia miały fundamentalne znaczenie dla impulsu rokoko:

1. śmierć króla Ludwika XIV;
2. wpływ ulubienicy króla Ludwika XV, markizy de Pompadour;
3. wymianę artystów między różnymi sądami europejskimi.

Król nie żyje. Niech żyje król!

François Boucher: Markiza de Pompadour , 1756

Po śmierci Ludwika XIV dwór przeniósł się z Wersalu do Paryża, podczas gdy Ludwik XV oczekiwał na wstąpienie na tron.

W Paryżu szlachta weszła w kontakt z najpotężniejszymi elitami gospodarczymi i urzędnikami skarbowymi. Stopniowo formy etykiety zostały złagodzone, jak twierdzi badacz Stephen Richard Jones w swojej książce Wprowadzenie do historii sztuki: XVII wiek.

Teraz, gdy szlachta była bezczynna i znudzona, konieczne było utrzymanie zainteresowania dworem i zapewnienie im nowych zajęć. Stopniowo odpowiedź zostanie znaleziona w sztuce. Jones stwierdza, że:

Sztuka rokoko miała zachwycać jedynie bogate, naprawdę próżniacze społeczeństwo, dla którego jedynym grzechem była nuda.

Kiedy władzę przejął młody Ludwik XV, dobrobyt odnowił ideały mecenatu w rękach sektora prywatnego.

Jednym z najważniejszych mecenasów tamtych czasów była kochanka króla, Jeanne-Antoine Poisson, markiza de Pompadour, znana jako protektorka sztuki.

W ten sposób powstał rynek, który zainspirowany artystą Watteau, interesował się życiem domowym, erotyzmem, celebracją życia i przyjemnością.

Ale przede wszystkim interesowały go romanse, najlepsze antidotum na nudę. Ten moment w historii był świadkiem mobilności artystów między krajami, jak nigdy dotąd. Nowa sztuka - która pozostawiła za sobą transcendencję baroku - dotarła do dużej części Europy.

Spadek

W połowie XVIII wieku oświeceniowi myśliciele, tacy jak Wolter, głosili dominację rozumu i miarę namiętności dla wspólnego dobra.

Rokoko wydawało im się niedopuszczalnym nadmiarem. Oskarżane o zbyteczność, jeśli nie niemoralność, rokoko było kojarzone z upadkiem ancien régime'u.

Pod wpływem oświecenia architekt Jacques François Blodel dołączył do głosów dyskwalifikujących styl artystyczny Starego Reżimu, proponując modernizację sztuki, która towarzyszyłaby rosnącemu republikanizmowi w debacie politycznej.

Z czasem rysunek ponownie zatriumfował nad kolorem, a pod wpływem myśli filozoficznej i politycznej sztuka powróciła do akademizmu, moralizatorstwa i propagandy państwowej. Tak narodziła się sztuka neoklasyczna.

Możesz być także zainteresowany :

Referencje :

• Levey, Michael (1998): Del rococó a la Revolución: principales tendencias de la pintura en el siglo XVIII. Barcelona: Ediciones Destino.
• Jones, Stephen Richard (1985): Wprowadzenie do historii sztuki: XVIII w. Barcelona: Editorial Gustavo Gili / Circle of Readers / Cambridge University.