르네 마그리트를 이해하기 위한 10가지 작품

초현실주의의 가장 위대한 이름 중 하나인 르네 마그리트(1898-1969)는 오늘날까지 사람들의 흥미를 끄는 기억에 남을 만한 그림의 창조자입니다.

그는 그의 걸작으로 가장 잘 알려져 있지만

2> 이미지의 배신 (1929), 마그리트는 일련의 화려한 작품 뒤에 천재였습니다.

지금 화가의 10대 위대한 작품을 알아보십시오.

1. 이미지의 배반 (1929)

1929년에 그려진 캔버스 이미지의 배반 은 표현의 한계 와 대상 자체에 대해 성찰하게 한다.

학교 필체로 쓴 설명문은 보는 이로 하여금 예술과 현실의 경계에 대해 질문하게 만든다. 파이프라는 단어는 실제 파이프를 지칭하는 것이 아니라 명백해 보이지만 벨기에 화가가 매우 적절하게 제기한 관찰입니다.

우연이 아닌 예술계의 혁명적인 이미지입니다. 이 작품은 공개 당시 많은 논란에 휩싸였다. 화가 자신에 따르면:

유명한 파이프. 사람들이 저를 어떻게 비난했는지. 하지만 말해봐, 채워줄 수 있니? 물론 아닙니다. 단순한 표현일 뿐입니다. 그가 칠판에 "이것은 파이프입니다"라고 적었다면 그는 거짓말을 했을 것입니다.

또한 참조: 초현실주의의 영감을 주는 작품.

2. 인자 (1964)

빨간 넥타이와 중절모를 쓴 남자 그림 -풍경의 맥락에서 완전히 벗어난 - 얼굴 앞에 녹색 사과가 있는 것은 René Magritte의 가장 유명한 작품 중 하나입니다.

정적인 위치에 있는 인물은 배경에 수평선이 있습니다(및 그를 위해 등을 대고) 흐린 하늘이 그 위를 덮고 있고 그 뒤에는 작은 벽이 있습니다. 그 이미지는 너무나 상징적이어서 대중문화에 흡수되어 지금은 대량으로 복제되고 있습니다.

처음에 이 그림은 마그리트(자신의 후원자가 의뢰한)의 자화상이었지만 곧 화가는 보이는 것, 숨겨진 것, 그리고 인간의 호기심 사이의 보다 개념적인 논의를 통해 작업을 다른 것으로 바꾸십시오.

3. Golconda (1953)

빗방울로 표현된 남자들은 관찰자의 흥미를 유발한다. 실질적으로 동일하며 땅에서 떠 다니는지 하늘에서 소비되는지 명확하게 이해할 수 없습니다. 비슷한 외모를 가지고 있음에도 불구하고 자세히 들여다보면 남자들이 어떻게 다른지 알 수 있어 보는 사람으로 하여금 유사점과 차이점을 관찰하는 게임에 참여하도록 유도합니다. , 배경은 평범한 교외 건물이며 동일한 창문과 화면 상단에 푸른 하늘이 있습니다. 화면은 개성 및 집단 정체성에 대한 질문 을 제기합니다. 주체는 어느 정도까지 자율적입니까?

그림 이름에 대한 궁금증: 골콘다는 다이아몬드 무역으로 유명한 인도에 위치한 폐허가 된 도시(정확히는 하이데라바드 근처의 요새)다. 많은 사람들은 왜 마그리트가 자신의 그림에 이 도시의 이름을 붙였는지 궁금해합니다. 일부 예술이론가들은 중절모를 쓴 남자의 위치가 다이아몬드 구조와 닮았다고 제안한다.

4. Os Amantes (1928)

Os Amantes 는 적어도 불안하고 흥미롭다. 프레임 중앙에는 얼굴을 가린 채 사랑에 빠진 듯한 커플이 있다.

입은 가린 채 키스하는 모습이 매우 가깝다. 우리는 연인들의 정체를 볼 수 없으며 그들이 입고 있는 옷으로만 캐릭터의 성별을 구별할 수 있습니다. 서로? 관객으로부터? 가능한 공식 파트너로부터? 베일은 사랑은 눈이 멀었다는 말을 은유적으로 표현한 것일까요?

많은 초현실주의 작품이 그렇듯 오스 아만테스 도 답보다 더 많은 질문 을 담고 있으며 바로 그 이유를 모티브로 삼았습니다. 보는 이를 사로잡는다.

5. 데칼코마니아 (1966)

그림의 이름은 회화 전략을 의미한다. 데칼코마니아는 칠해진 표면 위에 종이 한 장을 눌러 제거하는 기법입니다.

위 캔버스에서 마그리트는 이 기법을 활용합니다.관객을 등지고 있는 남자의 일러스트로 게임을 독려한다.

익명의 주인공이 오른쪽 샷에서 제외되고 왼쪽 샷으로 옮겨간 것으로 보인다. 수평선을 볼 수 있는 일종의 창으로 기록된 등고선.

6. Personal Values (1952)

Magritte의 캔버스 오일은 완전히 특이한 비율로 비대해진 물체를 특징으로 하며 보는 사람에게 즉각적인 소외감과 불편함을 유발합니다 .

캔버스 Personal Values 에서는 빗, 면도솔 등 일상용품이 거대해 보이고 벽이 하늘처럼 칠해진 방에서는 침대와 러그가 작게 보인다.

요약하자면, 오브제들이 대중에게 방향감각 상실 을 일으킬 뿐만 아니라 내부와 외부라는 개념 자체가 그림에서 문제화되어 나타난다.

7. 거짓 거울 (1928)

마그리트가 그린 유화는 매우 정확한 확대/축소로 각 요소를 강조하여 지나치게 큰 왼쪽 인간의 눈에만 초점을 맞춥니다. 그러나 마그리트의 이미지는 우리가 일반적으로 홍채를 보는 데 익숙한 하늘의 윤곽을 보여주는 특수성을 가지고 있습니다.

여기서 주요 질문은 번역될 수 있습니다. 도중에서: 우리는 하늘을 반사하는 인간의 눈을 보고 있습니까?사람의 눈으로 보는 하늘?

8. Perspicacia (1936)

On the canvas Perspicacia 화가인 주인공은 쉬고 있는 캔버스 위에 새를 그리고 있다. 옆 탁자 위에 놓여 있는 달걀을 관찰하면서 이젤 위에서.

작가가 달걀에서 미래에 올 일(새)을 예상할 수 있는 것처럼 흥미로운 이미지에서.

화가는 오른손에는 붓을, 왼손에는 팔레트를 들고 앉아 달걀을 미래의 가능성으로 바라보고 있다. 아무도 보지 않는 것을 보는 사람은 작가뿐이다. 모두가 달걀을 바라보는 사이에 작가는 달걀이 내일 어떻게 될지 예측한다.

9. Tempo Trespassado (1938)

거실 위의 거울이 있는 벽난로. 우리는 방의 일부만 볼 수 있으며 평범하지 않습니다. 여기서 눈길을 끄는 것은 아궁이 안쪽 벽의 경계를 뚫고 나오는 기차다.

난방으로 뿜어야 할 연기는 사실 떠다니는 기차의 굴뚝에서 내뿜는 연기다. .

이미지가 말이 안 되지만(기차가 벽을 건너고 바닥에 지지대 없이 떠 있는 것) 그림자 투영과 같은 실제 세계의 일부 법칙을 준수한다는 점이 궁금합니다.<1

10. A Reproduction Interdita (1937)

책상 위에 책을 올려놓고 거울 앞에 선 남자오른쪽, 왼쪽 창을 통해 들어오는 일광. 그때까지만 해도 초현실주의 작품이 아니라 통속적인 회화였다고 말할 수 있었다. 거울은 주인공의 이미지를 복제하는 것이 아니라 복제하는 것입니다. 우리는 앞에서 남자를 보는 대신 뒤에서 그의 실루엣을 다시 봅니다. 풍경의 나머지 부분과 관련하여 가정합니다. 조리대와 그 위에 놓인 책을 완벽하게 반영합니다. 그러나 인간은 논리의 법칙을 따르지 않고 익명으로 남아 있어 보는 사람을 혼란스럽게 한다. 그의 이름과 성으로만 예술의 세계.

모자를 쓰는 방직공의 아들(중절모에 대한 집착의 많은 부분을 설명함)은 성년이 되었을 때 Académie Royale des에 가입했습니다. 브뤼셀의 Beux-Arts.

르네 마그리트의 초상.

22세에 첫 전문 전시회를 열었고 6년 후 회화에만 전념했습니다. . 그전까지 르네는 광고와 포스터 작업을 해야 했다.

1926년에 그린 그의 첫 초현실주의 작품은 Le Jockey Perdu 였다고 하는데, 그 작품은 별로 흥행하지 못했을 것이다.성공.

Le Jockey Perdu ( The Lost Jockey ), 마그리트의 첫 번째 초현실주의 작품.

이듬해 Magritte는 그곳에서 그는 그룹의 리더인 작가 앙드레 브르통을 포함하여 초현실주의 운동의 구성원들과 더 긴밀한 접촉을 시작했습니다.

파리에서 마그리트는 갤러리와 계약을 체결하여 시리즈를 제작할 수 있었습니다. 연인들 , 거짓 거울 으로 유명해질 작품.

벨기에 화가의 대표작 이미지의 배신 , 는 1929년에 고안되었습니다. 그의 모든 작업은 질문을 곱하고 특히 재현의 한계, 예술과 실재의 경계, 보이는 것과 숨겨진 것의 관계, 개인과 집단 사이의 얇은 경계에 대해 질문합니다. 1>

브뤼셀로 돌아온 르네는 1967년 8월 15일 사망할 때까지 그림을 계속 그렸습니다.

참조