Renæssance: alt om renæssancens kunst

Renæssancen er den historiske periode i Europa, der efterfulgte middelalderen, og som begyndte i midten af det 14. århundrede og sluttede i slutningen af det 16. århundrede. Der er dog ikke noget bestemt mærke, begivenhed eller dato for begyndelsen af denne periode, men den skete naturligt og gradvist.

Venus' fødsel - tempera på lærred, 1,72 m x 2,78 m, 1483 - Sandro Botticelli

- Galleria degli Uffizi, Firenze

Hvordan det hele begyndte

Det var digteren Petrarca (1304, Arezzo, Italien-1374, Arquà Petrarca, Italien), der vækkede renæssancens revolutionære åre og appellerede til æren for den klassiske oldtid (den epoke, der gik forud for middelalderen).

Denne opfordring blev gentaget flere gange tidligere, i middelalderen, men først da blev dens ekko hørt og dens virkninger følt.

En ny måde at tænke og se på verden og kunsten på var ved at blive født. Med humanismen blev mennesket universets centrum, og teocentrisme blev afløst af antropocentrisme. Der var en tilbagevenden til den klassiske periodes (græsk-romerske) ideer og herligheder, en genfødsel af klassiske idealer og kanoner.

Den romerske æra begyndte at blive opfattet som en tid med lys og velstand, mens den kristne æra (middelalderen) blev opfattet som en tid med mørke, og renæssancen satte sig derfor for at genoprette dette tabte lys.

Kort sagt, der er en rinascità (renæssance) i den klassiske oldtid, hvor man ifølge antikkens entusiaster havde nået højdepunktet i kunstnerisk skabelse.

Kunst i renæssancen

Athens skole - fresko, 500 cm × 770 cm, 1509-1511 - Rafael, Apostolsk Palads, Vatikanet

I kunstnerisk henseende vil renæssancen efterfølge gotikken, og som et hovedkendetegn har den sin tilnærmelse til antikken. Men renæssancekunstnerens mål var ikke at kopiere den klassiske kunsts storhed og fortræffelighed, men at matche disse skabelser.

I denne periode ophørte kunstnerne (inden for de skønne kunstarter) med at blive betragtet som håndværkere og begyndte at blive betragtet som intellektuelle mænd. Denne ændring i holdningen til kunstneren førte til indsamling af kunstværker, da alt, hvad der kom fra en mester, blev anset for at være af stor værdi.

Der opstod også værksteder, som senere førte til oprettelsen af akademier, og kunstnerne fik større frihed og fungerede næsten som iværksættere.

Arkitektur

Domkirken Santa Maria del Fiore - kuppel af Filippo Brunelleschi, Firenze

Renæssancearkitekturen har sin begyndelse til Filippo Brunelleschi (1377-1446, Firenze, Italien), der, selv om han begyndte sin karriere som billedhugger, fortsatte med at udmærke sig som arkitekt.

Omkring 1417-19 skulle Brunelleschi konkurrere om opførelsen af en kuppel med Lorenzo Ghiberti (1381-1455, italiensk billedhugger), som han nogle år tidligere havde tabt konkurrencen om døbefontens døre mod.

Den nævnte kuppel skulle overdække katedralen Santa Maria del Fiore, en monumental bygning, som var begyndt at blive bygget i middelalderen, og som skulle fortsætte med at blive færdiggjort indtil det 19. århundrede.

På grund af bygningens storhed var alle løsninger til opførelse af kuplen indtil da mislykkedes, men Brunelleschi formåede at finde en brugbar løsning og dermed at bygge det, der betragtes som det første store værk fra den italienske renæssance.

Brunelleschis løsning til den massive kuppel var ikke blot revolutionerende, men også en beundringsværdig ingeniørmæssig sejr: Den bestod i at bygge to separate store skrog, der var forbundet og sat ind i hinanden, således at det ene forstærkede det andet og således at vægten af strukturen blev fordelt.

Interiør af San Lorenzo kirken i Firenze (romansk kirke ombygget af Brunelleschi,

hvis arbejde først blev afsluttet ca. 20 år efter kunstnerens død, og facaden er stadig ufuldstændig den dag i dag)

Desuden nægtede Brunelleschi også at bruge de sædvanlige teknikker til transport af materialerne og skabte geniale løsninger til dette, såsom maskiner til at løfte materialerne.

Brunelleschis bidrag rækker langt ud over den storslåede kuppel, for han blev den første store arkitekt i den moderne tidsalder, introducerede lineært perspektiv i renæssancen og bragte buer med perfekt drejning og søjler i stedet for søjler tilbage.

Selv om han blev født og begyndte sin karriere i Firenze, var det i Rom, at hans fremtid skulle tegne sig. Sammen med Donatello rejste Brunelleschi til Rom for at studere værker fra den klassiske antikke tidsalder og senere tilpasse byggemetoder fra det antikke Rom til sine bygninger, men med andre proportioner.

Brunelleschi vil bruge geometriske og matematiske processer til projektion af rummet som det matematiske perspektiv, og han skylder ham andre videnskabelige opdagelser, som han brugte til fordel for kunsten og dermed bidrog til at løfte de smukke kunstarter.

Disse opdagelser af Brunelleschi blev samlet i skrift af Leone Battista Alberti (1404, Genova, Italien-1472, Rom, Italien), som skrev de første afhandlinger om maleri (dedikeret til Brunelleschi og med henvisning til Donatello, en fælles ven af de to) og skulptur i renæssancen og påbegyndte en om arkitektur.

Alberti var en meget kultiveret, humanistisk og social mand, og efter Brunelleschis død begyndte han at udøve denne aktivitet og blev selv en af renæssancens store arkitekter.

Interiør af basilikaen Sankt Andreas af Mantova i Mantova, Italien, af Leone Battista Alberti

(byggeriet blev påbegyndt i 1472, men blev først afsluttet i 1790)

Alberti mente, at cirklen var den mest perfekte form og derfor den form, der var tættest på det guddommelige, og han foretrak derfor centrerede planter til kirker, især inspireret af Pantheon i Rom, selv om sådanne planter ikke var særlig bekvemme for katolske gudstjenester. Efter at hans afhandling blev berømt, blev den centrerede plante dog med tiden accepteret og anvendt i vid udstrækning i renæssancen.

Generelt er renæssancearkitekturen kendetegnet ved en klassisk genoplivning, idet de arkitektoniske ordener (dorisk, jonisk, korintisk, toskansk og sammensat) vender tilbage, ligesom den perfekte rundbue.

I projektionen og opførelsen af bygningerne blev der fulgt en matematisk strenghed, og der var også en klar adskillelse mellem arkitektur og skulptur og maleri, da den nye arkitekturs imponerende grandiositet ikke tillod skulptur eller maleri nogen fremtrædende plads, idet de skinnede alene uden yderligere hjælp.

Skulptur

San Marcos - marmor, 2,48 m., 1411-13 - Donatello, Or San Michele, Firenze

Med gotikken forsvandt den arkitektoniske skulptur næsten, og den skulpturelle produktion blev mere koncentreret om f.eks. andagtsbilleder og gravmæler, men med renæssancen genvinder skulpturen sin uafhængighed af arkitekturen.

Det første skridt i denne retning blev taget af den store billedhugger fra protorenaissancen, Donatello (1386-1466, Firenze, Italien), med værket San Marcos, en marmorskulptur, der, selv om den er designet til at indgå i en niche i en gotisk katedral, ikke har brug for den arkitektoniske ramme for at skille sig ud.

David - bronze, 1,58 m., 1408-09 - Donatello, Museo Nazionale del Bargello, Firenze

Det var med Donatello, at de skulpturelle figurer begyndte at miste gotikkens stivhed, da de allerede var fleksible og havde skønhedsstandarder og proportioner, der lå tæt på dem fra den klassiske antikke tidsalder.

Donatello perfektionerede også teknikken med schiacciato (fladt), et lavt relief med billedlig dybde.

Renæssancens skulptur vil også genoplive den sensualitet af den nøgne krop, som var så karakteristisk for den klassiske periode, og det første store eksempel herpå er Donatellos David, som er den første uafhængige, livsnøgne skulptur i naturlig størrelse siden antikken.

Rytterstatue af Bartolomeo Colleoni - bronze, 3,96 m. (uden piedestal), 1483-88 - Andrea del Verrocchio,

Campo S.S. Giovanni e Paolo, Venedig

En anden stor billedhugger fra proto-renæssancen var Andrea Del Verrocchio (1435, Firenze, Italien-1488, Venedig, Italien), der ligesom Donatello skulle skabe store skulpturer, som f.eks. rytterstatuen af Bartolomeo Colleoni. Verrocchio var også maler og Leonardo Da Vincis mester, så hans maleriske arbejde har aldrig været fri for sammenligninger med hans elevs værker.

Generelt vandt renæssancens skulptur, der genvandt sin uafhængighed, storhed, volumen og realisme. Der var en genoplivning af det i antikken så almindelige portrætbusterportræt, som også var drevet af den kollektivisme, der var blevet populær i renæssancen. Således kunne kunstnere, der så en forretningsmulighed, fremstille buster, basrelieffer og små bronzer, der gjorde det lettere at bevæge sigaf delene.

Maleri

Uddrivelse fra Edens Have - fresko, 214 cm × 88 cm, 1425 - Masaccio, Brancacci-kapellet,

Kirke Santa Maria del Carmine, Firenze

Ligesom de første skridt mod renæssancen først blev taget af skulpturen og arkitekturen, vil maleriet følge den samme vej omkring et årti senere og i sine kompositioner spejle disse to gruppers præstationer.

De første skridt i renæssancemaleriet blev taget af den unge Masaccio (1401, San Giovanni Valdarno, Italien-1428, Rom, Italien), som tragisk nok døde for tidligt, kun 27 år gammel.

Masaccios tidlige værker viser en nærhed til Donatello og en afstandtagen til Giotto, den unge mester og landsmand til den unge mester. Også i Masaccios figurer er gevandterne uafhængige af kroppen, idet de er fremstillet som ægte stof, ligesom de arkitektoniske omgivelser, der omgiver figurerne, er fremstillet under hensyntagen til det videnskabelige perspektiv.udviklet af Brunelleschi.

Den hellige treenighed - fresko, 667 cm x 317 cm - Masaccio, Santa Maria Novella, Firenze

Masaccio såede således de vigtigste kimen til renæssancemaleriet, der i modsætning til gotikken, som foretrak en forestillet fremstilling af ting, foretrak en nøjagtig gengivelse af det virkelige.

Dybden af de interiører, der er afbildet i renæssancemaleriet, kan måles, og de formidler den idé, at hvis figurerne ville, kunne de bevæge sig rundt efter behag.

Efter Masaccio, Andrea Mantegna (1431, Republikken Venedig-1506, Mantova, Italien) var den vigtigste maler fra protorenaissancen, og han var også et tidligt geni, der allerede som 17-årig udførte bestillinger på egen hånd.

Sankt Sebastian - panel, 68 × 30 cm, 1456-1459 - Andrea Mantegna, Kunsthistorisches Museum, Wien, Østrig

Men det er med Sandro Botticelli (1445-1510, Firenze, Italien) begyndte maleriet at få mere bevægelse og ynde, selv om han ikke delte det mere kraftfulde og muskuløse anatomiske syn, som skulle komme til at kendetegne renæssancen, for hans kroppe var mere æteriske, men snarere vellystige og sensuelle.

Botticelli var yndlingsmaler for Lorenzo de Medici (den store mæcen for renæssancens kunst og hersker over byen Firenze), og det er til ham, Botticelli vil male sit mest berømte værk, Venus' fødsel (se første billede i artiklen).

Forår - tempera på træ, 2,02 × 3,14 m., 1470-1480 - Sandro Botticelli, Galleria degli Uffizi, Firenze

Generelt set var det oliemaleriet, der var fremherskende i modsætning til freskomaleriet, hvilket førte til, at malerierne blev mere mobile, og portrætter blev også mere udbredt.

De principper, der anvendes i arkitekturen, som f.eks. den matematiske stringens i forhold til proportioner og perspektiv, anvendes i maleriet, og i maleriske kompositioner indrammes figurerne nu i en falsk arkitektur eller et landskab efter målestoksforhold, idet de enkelte elementers proportioner respekteres, hvilket giver dybde og mere realisme til maleriet.

Den fulde renæssance

Pietà - marmor, 1,74 m x 1,95 m - Michelangelo, Basilica di San Pietro, Vatikanet

Den sidste fase af den italienske renæssance er kendt som renæssancen Pleno og er eksponent for det, der var blevet dyrket indtil da. I denne fase udvikles geniekultetet, som ender med at drive nogle kunstnere til at forsøge at opnå det umulige, f.eks. at søge efter absolut perfektion.

På dette tidspunkt fokuserer kunstnerne mere på værkernes effektivitet og på, hvordan de kan vække følelser hos beskueren, end på rationel stringens eller klassiske fortilfælde, og så snart nogle af de store mestre fra Full Renaissance blev skabt, blev de hurtigt betragtet som klassiske, unikke, uforlignelige og uforlignelige.

På denne måde er den fulde renæssance, arving til protorenaissancen, unik og meget eksklusiv, og selv om den påvirkede den senere kunst, var den en kokon uden metamorfose.

Leonardo da Vinci

Mona Lisa - olie på panel, 77 cm x 53 cm, 1503 - Leonardo da Vinci, Louvre, Paris

Leonardo da Vinci (1452, Anchiano eller Vinci (?), Italien-1519, Château Du Clos Lucé, Amboise, Frankrig) anses for at være renæssancens første store mester. Han kom i lære i Verrocchios værksted, og hans nysgerrige sind fik ham til at gå i gang med forskellige områder som skulptur, arkitektur og militær ingeniørkunst, men det var maleriet, der udødeliggjorde hans navn og ophøjede ham til et geni og til enmyte.

I Leonardos værker har lyset en stor betydning, og i løbet af hans kunstneriske liv vil han udvikle og perfektionere brugen af chiaroscuro ( chiaroscuro Et andet karakteristisk træk ved hans maleri er sfumato, som giver hans kompositioner en udviskning af formerne, en udvanding af landskabets konturer ved hjælp af lyset, i modsætning til protorenaissancens mestre, som foretrak en fremhævelse af konturerne.

Den sidste nadver - 4,6 m x 8,8 m - Leonardo da Vinci,

Refektorium i klosteret Santa Maria Delle Grazie, Milano

Han perfektionerede også luftperspektivet, og de figurer, der er afbildet i hans værker, er overvejende androgyne og gådefulde. Der lægges også stor vægt på gestus, og vi finder ofte i Leonardos malerier figurer, der udtrykker sig gennem kraftfulde fagter.

Med hensyn til teknikken havde han en forkærlighed for olie, hvilket i tilfældet med Den sidste nadver viste sig at være forfærdeligt for maleriets bevarelse, for selv om det var en fresko, brugte Leonardo ikke æggetempera, som det var almindeligt, men olie, hvilket betød, at kort efter at det var færdigt, begyndte det at forfalde.

Se flere værker af Leonardo da Vinci

Bramante

Tempietto - 1481-1500 - Bramante, S. Pietro in Montorio, Rom

Donato Bramante (1444, Fermignano, Italien-1514, Rom, Italien) er en af renæssancens vigtigste arkitekter og den, der gennemfører den nye stil i praksis til perfektion. Han vil anvende Brunelleschis princip om "skulpturelle vægge" med fortræffelighed, hvilket giver hans bygninger større storhed og særpræg.

Hans store øjeblik kom, da pave Julius II gav ham til opgave at bygge en ny basilika i Peterskirken, hvilket Bramante benyttede som en mulighed for at designe en storslået plan, der skulle erstatte de to største bygninger fra antikken, Pantheon og Konstantinbasilikaen.

Af logistiske og økonomiske årsager brugte Bramante en gammel teknik fra romertiden, betonbyggeri, som senere skulle revolutionere arkitekturen.

Byggeriet gik langsomt, og da Bramante døde, var der ikke meget bygget på det tidspunkt. Projektet blev derefter ledet af arkitekter, der var blevet uddannet af Bramante, men det var først i 1546, med Michelangelo, at bygningen gik ind i sin endelige fase af design og opførelse.

Michelangelo

Michelangelos fresker i det sixtinske kapel

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (1475, Caprese Michelangelo, Italien-1564, Rom, Italien) var maler, billedhugger, digter og arkitekt, og frem for alt var han den bedste indkapsling af ideen om et geni under guddommelig inspiration. Desuden kan drama og tragedie ikke adskilles fra hans værk og liv, hvilket gør Michelangelo til prototypen på den ensomme og plagede kunstner.

Michelangelo anså skulpturen for at være den ædleste kunstart, og han betragtede sig selv først og fremmest som billedhugger. Med sit arbejde forsøgte han at nå det guddommelige og den absolutte perfektion, men til sidst kom han til den konklusion, at han havde fejlet på begge fronter, selv om historien giver ham en fremtrædende plads i kunstnerisk skabelse som en af de største, hvis ikke den største kunstner gennem tiderne.

David - marmor, 4.089, 1502-1504 - Michelangelo, Galleria dell'Accademia, Firenze

For Michelangelo var menneskekroppen et udtryk for det guddommelige, og at fremstille den uden tøj var den eneste måde at absorbere hele dens guddommelighed på. Derfor er hans værker fulde af nøgne og stærke kroppe, for i modsætning til Leonardo, hvis figurer synes gennemsyret af en latent kvindelighed, er tendensen hos Michelangelo maskulin.

Michelangelo er den kunstner, der kommer tættest på antikkens klassikere, fordi han i hele sit værk har fokuseret på mennesket, og hans David, den første monumentale skulptur i denne fase, er det bedste eksempel på alle Michelangelos kunsts kvaliteter og karakteristika.

Se flere værker af Michelangelo

Rafael

Jomfruens bryllup - olie på træ, 170 x 117 cm, 1504 - Rafael, Pinacoteca di Brera, Milano

Raphael Sanzio (1483, Urbino, Italien-1520, Rom, Italien) var en kunstner og en stor mand i samfundet. Han var samtidig med Michelangelo, og de var begge berømte på den tid, de levede, men historien har henvist Raphael til baggrunden, som om hans betydning eller berømmelse var mindre end Michelangelos på renæssancens tid.

Rafaels historie mangler dramatik eller det tragiske element i modsætning til Michelangelos, og der kom ikke så mange nyskabelser ud af hans arbejde, men hans genialitet er ubestridelig, og det samme gælder hans bidrag til en stil, som han repræsenterede bedre end nogen anden.

Pave Leo X med sine nevøer Giulio de Medici og Luigi de Rossi - olie på træ, 155 × 119 cm,

1517-1518 - Raphael, Galleria degli Uffizi, Firenze

Hans store billedkunstneriske arbejde er et eksempel på en sammensmeltning af renæssancens bedste, idet hans kompositioner bærer Leonardos åbenhjertighed og lyrisme og Michelangelos dramatik og kraft i sig. Rafael var også en produktiv og dygtig portrætmaler.

Få mere at vide om Rafaels hovedværker

Lær også følgende at kende