Renesans: wszystko o sztuce renesansu

Renesans to okres historyczny w Europie, który nastąpił po średniowieczu, począwszy od połowy XIV wieku do końca XVI wieku. Nie ma jednak konkretnego znaku, wydarzenia ani daty rozpoczęcia tego okresu, ale stało się to naturalnie i stopniowo.

Narodziny Wenus - tempera na płótnie, 1,72 m x 2,78 m, 1483 - Sandro Botticelli

- Galleria degli Uffizi, Florencja

Jak to się wszystko zaczęło

To był poeta Petrarka (1304, Arezzo, Włochy-1374, Arquà Petrarca, Włochy), który obudził rewolucyjną żyłkę renesansu, odwołując się do czci klasycznej starożytności (epoki poprzedzającej średniowiecze).

Wezwanie to było powtarzane wielokrotnie wcześniej, w średniowieczu, ale dopiero wtedy jego echa zostały usłyszane, a reperkusje odczuwalne.

Narodził się nowy sposób myślenia i patrzenia na świat i sztukę. Wraz z humanizmem człowiek stał się centrum wszechświata, a teocentryzm ustąpił miejsca antropocentryzmowi. Nastąpił powrót do idei i chwały okresu klasycznego (grecko-rzymskiego), odrodzenie klasycznych ideałów i kanonów.

Era rzymska zaczęła być postrzegana jako czas światła i dobrobytu, podczas gdy era chrześcijańska (średniowiecze) zaczęła być postrzegana jako czas ciemności. Tak więc renesans postanowił przywrócić to utracone światło.

Krótko mówiąc, istnieje rinascità (renesans) starożytności klasycznej, gdzie według entuzjastów starożytności osiągnięto szczyt twórczości artystycznej.

Sztuka w epoce renesansu

Szkoła ateńska - fresk, 500 cm × 770 cm, 1509-1511 - Rafael, Pałac Apostolski, Watykan

Pod względem artystycznym renesans będzie następcą gotyku, a jego główną cechą charakterystyczną jest podejście do starożytności. Jednak celem artysty renesansowego nie było kopiowanie wielkości i doskonałości sztuki klasycznej, ale dorównanie tym dziełom.

W tym okresie artyści (sztuk pięknych) przestali być uważani za zwykłych rzemieślników i zaczęli być postrzegani jako intelektualiści. Ta zmiana w podejściu do artysty doprowadziła do kolekcjonowania dzieł sztuki, ponieważ wszystko, co wyszło z rąk mistrza, było uważane za bardzo wartościowe.

Pojawiły się również warsztaty, które później doprowadziły do powstania akademii, a artyści zyskali większą swobodę, funkcjonując niemal jak przedsiębiorcy.

Architektura

Katedra Santa Maria del Fiore - kopuła autorstwa Filippo Brunelleschiego, Florencja

Architektura renesansowa zawdzięcza swoje początki Filippo Brunelleschi (1377-1446, Florencja, Włochy), który, choć rozpoczął karierę jako rzeźbiarz, doskonalił się jako architekt.

Około 1417-19 roku Brunelleschi miał rywalizować o budowę kopuły z Lorenzo Ghibertim (1381-1455, włoski rzeźbiarz), z którym kilka lat wcześniej przegrał rywalizację o drzwi do baptysterium.

Wspomniana kopuła miała zwieńczyć katedrę Santa Maria del Fiore, monumentalny budynek, którego budowę rozpoczęto w czasach średniowiecza i który miał być ukończony aż do XIX wieku.

Ze względu na wielkość budynku, wszystkie rozwiązania dotyczące budowy kopuły zawiodły do tego czasu, ale Brunelleschi zdołał wymyślić realne rozwiązanie, a tym samym zbudować to, co jest uważane za pierwsze wielkie dzieło włoskiego renesansu.

Rozwiązanie Brunelleschiego dla masywnej kopuły było nie tylko rewolucyjne, ale także godne podziwu zwycięstwo inżynieryjne. Polegało ono na budowie dwóch oddzielnych dużych kadłubów połączonych i umieszczonych jeden wewnątrz drugiego, tak że jeden wzmacniał drugi, a tym samym ciężar konstrukcji był rozłożony.

Wnętrze kościoła San Lorenzo, Florencja (romański kościół przebudowany przez Brunelleschiego,

którego dzieło ukończono dopiero około 20 lat po śmierci artysty, a fasada do dziś pozostaje niekompletna)

Ponadto Brunelleschi odmówił również stosowania zwykłych technik transportu materiałów, tworząc w tym celu pomysłowe rozwiązania, takie jak maszyny do podnoszenia materiałów.

Wkład Brunelleschiego wykracza daleko poza wspaniałą kopułę, ponieważ stał się pierwszym wielkim architektem epoki nowożytnej, wprowadził perspektywę liniową do renesansu i przywrócił idealne łuki obrotowe i kolumny zamiast filarów.

Chociaż Brunelleschi urodził się i rozpoczął karierę we Florencji, to właśnie w Rzymie miała się ukształtować jego przyszłość. Wraz z Donatello Brunelleschi podróżował do Rzymu i tam studiował dzieła klasycznego antyku, a później zaadaptował metody konstrukcyjne ze starożytnego Rzymu w swoich budynkach, ale o innych proporcjach.

Brunelleschi wykorzysta geometryczne i matematyczne procesy projekcji przestrzeni jako perspektywę matematyczną, a także zawdzięcza mu inne odkrycia naukowe, które wykorzystał na rzecz sztuki, pomagając w ten sposób podnieść poziom sztuk pięknych.

Odkrycia Brunelleschiego zostały zebrane na piśmie przez Leone Battista Alberti (1404, Genua, Włochy - 1472, Rzym, Włochy), który napisał pierwsze traktaty o malarstwie (dedykowane Brunelleschiemu i zawierające odniesienia do Donatella, wspólnego przyjaciela obu) i rzeźbie renesansu, a także rozpoczął jeden o architekturze.

Alberti był bardzo kulturalnym, humanistycznym i społecznym człowiekiem, a po śmierci Brunelleschiego zaczął kontynuować działalność, stając się jednym z wielkich architektów renesansu.

Wnętrze bazyliki św. Andrzeja z Mantui w Mantui, Włochy, autor: Leone Battista Alberti

(prace budowlane rozpoczęły się w 1472 r., ale zostały ukończone dopiero w 1790 r.)

Wierząc, że okrąg jest najdoskonalszą formą, a zatem najbliższą boskości, Alberti faworyzował wyśrodkowane rośliny dla kościołów, inspirowane przede wszystkim Panteonem w Rzymie, pomimo faktu, że takie rośliny nie były zbyt wygodne dla katolickiego kultu. Jednak po tym, jak jego traktat stał się sławny, wyśrodkowana roślina została ostatecznie zaakceptowana i była szeroko stosowana w renesansie.

Ogólnie rzecz biorąc, architektura renesansowa charakteryzuje się klasycznym odrodzeniem, z powracającymi porządkami architektonicznymi (doryckim, jońskim, korynckim, toskańskim i kompozytowym), a także idealnie okrągłym łukiem.

W projektowaniu i konstrukcji budynków przestrzegano matematycznego rygoru, a także istniał wyraźny rozdział między architekturą a rzeźbą i malarstwem, ponieważ imponująca wielkość nowej architektury nie pozwalała rzeźbie ani malarstwu na wyeksponowanie, świecąc samodzielnie bez dodatkowej pomocy.

Rzeźba

San Marcos - marmur, 2,48 m., 1411-13 - Donatello, Or San Michele, Florencja

Wraz z gotykiem rzeźba architektoniczna prawie zniknęła, a produkcja rzeźbiarska była bardziej skoncentrowana na przykład na obrazach dewocyjnych i grobowcach. Ale wraz z renesansem rzeźba odzyska niezależność od architektury.

Pierwszy krok w tym kierunku wykonał wielki rzeźbiarz Proto-Renesansu, Donatello (1386-1466, Florencja, Włochy), z dziełem San Marcos, marmurową rzeźbą, która, choć zaprojektowana jako część niszy w gotyckiej katedrze, nie potrzebuje ram architektonicznych, aby się wyróżniać.

Dawid - brąz, 1,58 m., 1408-09 - Donatello, Museo Nazionale del Bargello, Florencja

Wraz z Donatello rzeźbiarskie figury zaczęły tracić sztywność gotyku, będąc już obdarzone elastycznością i standardami piękna i proporcji zbliżonymi do klasycznego antyku.

Donatello udoskonalił również technikę schiacciato (płaski), niski relief z obrazową głębią.

Renesansowa rzeźba ożywi również zmysłowość nagiego ciała, tak charakterystyczną dla okresu klasycznego, czego pierwszym wspaniałym przykładem jest Dawid Donatella. Jest to pierwsza niezależna, naturalnej wielkości, całkowicie naga rzeźba od czasów starożytnych.

Konny posąg Bartolomea Colleoniego - brąz, 3,96 m (bez cokołu), 1483-88 - Andrea del Verrocchio,

Campo S.S. Giovanni e Paolo, Wenecja

Innym wielkim rzeźbiarzem Proto-Renesansu był Andrea Del Verrocchio (1435, Florencja, Włochy - 1488, Wenecja, Włochy), który, podobnie jak Donatello, miał tworzyć duże rzeźby, takie jak konny posąg Bartolomeo Colleoniego. Verrocchio był także malarzem i mistrzem Leonarda Da Vinci, więc jego twórczość malarska nigdy nie była wolna od porównań z dziełami jego ucznia.

Ogólnie rzecz biorąc, rzeźba renesansowa, odzyskując niezależność, zyskała na wielkości, objętości i realizmie. Nastąpił odrodzenie portretu popiersiowego, tak powszechnego w starożytności, napędzanego również kolektywizmem, który stał się popularny w renesansie. Tak więc artyści widząc możliwość biznesową produkowali popiersia, płaskorzeźby i małe brązy, które ułatwiały mobilnośćczęści.

Malowanie

Wygnanie z Raju - fresk, 214 cm × 88 cm, 1425 - Masaccio, Kaplica Brancaccich,

Kościół Santa Maria del Carmine, Florencja

Tak jak pierwsze kroki w kierunku renesansu zostały podjęte najpierw przez rzeźbę i architekturę, malarstwo podąży tą samą drogą około dekady później, odzwierciedlając w swoich kompozycjach ich osiągnięcia.

Pierwsze kroki w malarstwie renesansowym zostały podjęte przez młodego Masaccio (1401, San Giovanni Valdarno, Włochy - 1428, Rzym, Włochy), który tragicznie zmarł przedwcześnie, w wieku zaledwie 27 lat.

Wczesne prace Masaccio pokazują bliskość z Donatello i dystans do Giotto, gotyckiego mistrza i rodaka młodego mistrza. Również w postaciach Masaccio szaty są niezależne od ciała, będąc przedstawiane jako prawdziwa tkanina, a także otaczające postacie elementy architektoniczne są przedstawiane z poszanowaniem perspektywy naukowej.opracowany przez Brunelleschiego.

Trójca Święta - fresk, 667 cm x 317 cm - Masaccio, Santa Maria Novella, Florencja

W ten sposób Masaccio zasiał główne ziarna malarstwa renesansowego, które w przeciwieństwie do gotyku, który preferował wyobrażone przedstawienie rzeczy, wolało dokładne odwzorowanie rzeczywistości.

Głębokość wnętrz przedstawionych w malarstwie renesansowym jest możliwa do zmierzenia i przekazuje ideę, że gdyby postacie chciały, mogłyby się poruszać do woli.

Po Masaccio, Andrea Mantegna (1431, Republika Wenecka - 1506, Mantua, Włochy) był najważniejszym malarzem prerenesansu, a także przedwcześnie rozwiniętym geniuszem, który już w wieku siedemnastu lat samodzielnie realizował zlecenia.

Święty Sebastian - panel, 68 × 30 cm, 1456-1459 - Andrea Mantegna, Kunsthistorisches Museum, Wiedeń, Austria

Ale to jest z Sandro Botticelli (1445-1510, Florencja, Włochy) malarstwo zaczęło nabierać więcej ruchu i gracji, chociaż nie podzielał on silniejszej i bardziej muskularnej wizji anatomicznej, która miała charakteryzować renesans, ponieważ jego ciała były bardziej eteryczne, ale raczej zmysłowe i zmysłowe.

Botticelli był ulubionym malarzem Lorenza de Medici (wielkiego mecenasa sztuki renesansowej i władcy Florencji) i to właśnie dla niego Botticelli namalował swoje najsłynniejsze dzieło, Narodziny Wenus (patrz pierwsze zdjęcie artykułu).

Wiosna - tempera na drewnie, 2,02 × 3,14 m., 1470-1480 - Sandro Botticelli, Galleria degli Uffizi, Florencja

Ogólnie rzecz biorąc, olej w przeciwieństwie do fresków dominował w malarstwie, co doprowadziło do tego, że dzieła malarskie stały się bardziej mobilne. Portrety również się rozmnażały.

Zasady stosowane w architekturze, takie jak matematyczny rygor proporcji i perspektywy, są wykorzystywane w malarstwie, a w kompozycjach malarskich postacie są teraz oprawiane w sztuczną architekturę lub krajobraz w skali, z poszanowaniem proporcji każdego elementu, nadając w ten sposób obrazowi głębię i większy realizm.

Pełny renesans

Pieta - marmur, 1,74 m x 1,95 m - Michał Anioł, Basilica di San Pietro, Watykan

Ostatnia faza włoskiego renesansu znana jest jako Renesans Pleno i jest wyrazem tego, co było kultywowane do tego czasu. W tej fazie rozwija się kult geniuszu, coś, co popycha niektórych artystów do prób osiągnięcia niemożliwego, takiego jak poszukiwanie absolutnej doskonałości.

Na tym etapie artyści koncentrują się bardziej na skuteczności dzieł, na tym, jak poruszą emocje widzów, niż na racjonalnym rygorze czy klasycznych precedensach, a gdy tylko powstały niektóre dzieła wielkich mistrzów pełnego renesansu, szybko zostały uznane za klasyczne, wyjątkowe, nieporównywalne i niepowtarzalne.

W ten sposób Pełny Renesans, spadkobierca Proto-Renesansu, jest wyjątkowy i bardzo ekskluzywny, i choć wpłynął na późniejszą sztukę, był kokonem bez metamorfozy.

Leonardo da Vinci

Mona Lisa - olej na płycie, 77 cm x 53 cm, 1503 - Leonardo da Vinci, Luwr, Paryż

Leonardo da Vinci (1452, Anchiano lub Vinci (?), Włochy - 1519, Château Du Clos Lucé, Amboise, Francja) jest uważany za pierwszego wielkiego mistrza renesansu. Terminował w warsztacie Verrocchia, a jego dociekliwy umysł doprowadził go do różnych dziedzin, takich jak rzeźba, architektura i inżynieria wojskowa, ale to malarstwo unieśmiertelniło jego imię, podnosząc go do rangi geniusza imit.

W dziełach Leonarda światło ma ogromne znaczenie, a podczas swojego artystycznego życia rozwinie i udoskonali użycie światłocienia ( światłocień Inną cechą charakterystyczną jego malarstwa jest sfumato, które nadaje jego kompozycjom rozmycie form, rozmycie konturów w krajobrazie poprzez użycie światła, w przeciwieństwie do mistrzów Proto-Renesansu, którzy preferowali podkreślanie konturów.

Ostatnia Wieczerza - 4,6 m x 8,8 m - Leonardo da Vinci,

refektarz klasztoru Santa Maria Delle Grazie, Mediolan

Udoskonalił również perspektywę powietrzną, a postacie przedstawione w jego pracach są w przeważającej mierze androgyniczne i enigmatyczne. Przywiązuje się również wagę do gestów, a na obrazach Leonarda często znajdujemy postacie, które wyrażają się poprzez silne gesty.

Jeśli chodzi o technikę, miał upodobanie do oleju, co w przypadku Ostatniej Wieczerzy okazało się fatalne dla konserwacji obrazu, ponieważ chociaż był to fresk, Leonardo nie użył tempery jajecznej, jak to było powszechne, ale oleju, co spowodowało, że wkrótce po jego ukończeniu zaczął się pogarszać.

Zobacz więcej prac Leonarda da Vinci

Bramante

Tempietto - 1481-1500 - Bramante, S. Pietro in Montorio, Rzym

Donato Bramante (1444, Fermignano, Włochy-1514, Rzym, Włochy) jest jednym z głównych architektów renesansu i tym, który do perfekcji wprowadził nowy styl w życie. Doskonale zastosuje zasadę "rzeźbionej ściany" Brunelleschiego, co nadaje jego budynkom większą wielkość i wyrazistość.

Jego wielki moment nadszedł, gdy papież Juliusz II zlecił mu budowę nowej bazyliki św. Piotra, co Bramante wykorzystał jako okazję do zaprojektowania imponującego planu, który zastąpiłby dwa największe budynki starożytności, Panteon i Bazylikę Konstantyna.

Ze względów logistycznych i finansowych Bramante wykorzystał starą technikę z czasów rzymskich, konstrukcję betonową, która później zrewolucjonizowała świat architektury.

Prace budowlane były powolne, a kiedy Bramante zmarł, do tego czasu niewiele zostało zbudowane. Projekt był następnie prowadzony przez architektów, którzy zostali przeszkoleni przez Bramantego, ale dopiero w 1546 roku, wraz z Michałem Aniołem, budynek wejdzie w ostatnią fazę projektowania i budowy.

Michał Anioł

Freski Michała Anioła w Kaplicy Sykstyńskiej

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (1475, Caprese Michelangelo, Włochy-1564, Rzym, Włochy) był malarzem, rzeźbiarzem, poetą i architektem, a przede wszystkim najlepiej ujął ideę geniuszu pod boskim natchnieniem. Co więcej, dramatu i tragedii nie da się oddzielić od jego twórczości i życia, czyniąc Michała Anioła prototypem samotnego i torturowanego artysty.

Michał Anioł uważał rzeźbę za najszlachetniejszą ze sztuk, a sam uważał się przede wszystkim za rzeźbiarza. W swojej pracy starał się osiągnąć boską i absolutną doskonałość, ale ostatecznie doszedł do wniosku, że zawiódł na obu frontach, chociaż historia rezerwuje mu ważne miejsce w twórczości artystycznej jako jednemu z największych, jeśli nie największemu artyście wszechczasów.

Dawid - marmur, 4,089, 1502-1504 - Michał Anioł, Galleria dell'Accademia, Florencja

Ludzkie ciało było dla Michała Anioła wyrazem boskości, a przedstawienie go bez ubrania było jedynym sposobem na wchłonięcie całej jego boskości. Stąd jego prace są pełne nagich i potężnych ciał, ponieważ w przeciwieństwie do Leonarda, którego postacie wydają się nasycone ukrytą kobiecością, u Michała Anioła tendencja zmierza w kierunku męskości.

Michał Anioł jest artystą, który jest najbliższy klasykom starożytności, w dużej mierze dzięki skupieniu się na ludzkim wizerunku w całej swojej twórczości. A jego Dawid, pierwsza monumentalna rzeźba tej fazy, jest najlepszym przykładem wszystkich cech i cech sztuki Michała Anioła.

Zobacz więcej prac Michała Anioła

Rafael

Zaślubiny dziewicy - olej na drewnie, 170 x 117 cm, 1504 - Rafael, Pinacoteca di Brera, Mediolan

Raphael Sanzio (1483, Urbino, Włochy - 1520, Rzym, Włochy) był artystą i wielkim człowiekiem społeczeństwa. Współczesny Michałowi Aniołowi, sława obu była zrównana w czasach, gdy żyli, ale historia zepchnęła Rafaela na dalszy plan, jakby jego znaczenie lub sława były mniejsze niż Michała Anioła w czasach renesansu.

Historia Rafaela pozbawiona jest dramatyzmu i tragizmu, w przeciwieństwie do Michała Anioła, a z jego prac nie powstało zbyt wiele innowacji. Jednak jego geniusz jest niezaprzeczalny, podobnie jak jego wkład w styl, który reprezentował lepiej niż ktokolwiek inny.

Papież Leon X z bratankami Giulio de Medici i Luigi de Rossi - olej na drewnie, 155 × 119 cm,

1517-1518 - Rafael, Galleria degli Uffizi, Florencja

Jego rozległa twórczość malarska jest przykładem połączenia tego, co najlepsze w renesansie, a jego kompozycje zawierają szczerość i liryzm Leonarda oraz dramatyzm i siłę Michała Anioła. Rafael był także płodnym i utalentowanym portrecistą.

Poznaj główne dzieła Rafaela

Poznaj również