Renaissance: alles über die Kunst der Renaissance

Die Renaissance ist die geschichtliche Periode in Europa, die auf das Mittelalter folgte und in der Mitte des 14. Jahrhunderts begann und bis zum Ende des 16. Jahrhunderts andauerte. Es gibt jedoch kein bestimmtes Zeichen, Ereignis oder Datum für den Beginn dieser Periode, sondern sie vollzog sich natürlich und allmählich.

Die Geburt der Venus - Tempera auf Leinwand, 1,72 m x 2,78 m, 1483 - Sandro Botticelli

- Galleria degli Uffizi, Florenz

Wie alles begann

Es war der Dichter Petrarca (1304, Arezzo, Italien-1374, Arquà Petrarca, Italien), der die revolutionäre Ader der Renaissance weckte und an die Verehrung der klassischen Antike (der Epoche, die dem Mittelalter vorausging) appellierte.

Dieser Aufruf wurde bereits im Mittelalter mehrfach wiederholt, aber erst dann wurde sein Echo gehört und seine Auswirkungen spürbar.

Eine neue Art des Denkens und der Betrachtung der Welt und der Kunst wurde geboren. Mit dem Humanismus wurde der Mensch zum Mittelpunkt des Universums, und der Theozentrismus wich dem Anthropozentrismus. Es gab eine Rückkehr zu den Ideen und dem Ruhm der klassischen Periode (griechisch-römisch), eine Wiedergeburt der klassischen Ideale und des Kanons.

Die römische Epoche wurde als eine Zeit des Lichts und des Wohlstands angesehen, während die christliche Epoche (Mittelalter) als eine Zeit der Finsternis angesehen wurde. Die Renaissance machte sich also daran, dieses verlorene Licht wiederherzustellen.

Kurz gesagt, es gibt eine rinascità (Renaissance) des klassischen Altertums, wo nach Ansicht der Liebhaber der Antike der Höhepunkt des künstlerischen Schaffens erreicht war.

Kunst in der Renaissance

Schule von Athen - Fresko, 500 cm × 770 cm, 1509-1511 - Raffael, Apostolischer Palast, Vatikan

Die Renaissance wird in künstlerischer Hinsicht die Nachfolge der Gotik antreten und hat als Hauptmerkmal die Annäherung an die Antike, doch das Ziel des Renaissancekünstlers war es nicht, die Größe und Exzellenz der klassischen Kunst zu kopieren, sondern diesen Schöpfungen gleichzukommen.

In dieser Zeit wurden die Künstler (der schönen Künste) nicht mehr als bloße Handwerker betrachtet, sondern als intellektuelle Menschen. Diese veränderte Einstellung gegenüber dem Künstler führte zum Sammeln von Kunstwerken, da alles, was aus den Händen eines Meisters stammte, als sehr wertvoll angesehen wurde.

Es entstanden auch Werkstätten, aus denen später Akademien hervorgingen, und die Künstler erhielten mehr Freiheiten und agierten fast wie Unternehmer.

Architektur

Dom Santa Maria del Fiore - Kuppel von Filippo Brunelleschi, Florenz

Die Architektur der Renaissance verdankt ihre Anfänge der Filippo Brunelleschi (1377-1446, Florenz, Italien), der seine Karriere zwar als Bildhauer begann, sich aber später als Architekt hervortat.

Um 1417-19 konkurrierte Brunelleschi für den Bau einer Kuppel mit Lorenzo Ghiberti (1381-1455, italienischer Bildhauer), gegen den er einige Jahre zuvor den Wettbewerb für die Türen des Baptisteriums verloren hatte.

Die besagte Kuppel sollte die Kathedrale Santa Maria del Fiore überragen, ein monumentales Bauwerk, mit dessen Bau im Mittelalter begonnen worden war und das bis ins 19. Jahrhundert hinein fertiggestellt wurde.

Aufgrund der Größe des Bauwerks waren bis dahin alle Lösungen für den Bau der Kuppel gescheitert, doch Brunelleschi gelang es, eine praktikable Lösung zu finden und damit das erste große Werk der italienischen Renaissance zu errichten.

Brunelleschis Lösung für die gewaltige Kuppel war nicht nur revolutionär, sondern auch ein bewundernswerter Sieg der Ingenieurskunst: Sie bestand in der Konstruktion von zwei separaten großen Schalen, die miteinander verbunden und ineinander gesteckt wurden, so dass die eine die andere verstärkte und so das Gewicht der Struktur verteilt wurde.

Innenraum der Kirche San Lorenzo, Florenz (von Brunelleschi neu gestaltete romanische Kirche,

dessen Werk erst etwa 20 Jahre nach dem Tod des Künstlers fertiggestellt wurde und dessen Fassade bis heute unvollendet ist)

Außerdem weigerte sich Brunelleschi, die üblichen Techniken für den Transport der Materialien zu verwenden, und entwickelte dafür geniale Lösungen, wie etwa Maschinen zum Heben der Materialien.

Brunelleschis Beiträge gehen weit über die grandiose Kuppel hinaus, denn er wurde zum ersten großen Architekten der Moderne, führte die lineare Perspektive in die Renaissance ein und brachte perfekt gedrehte Bögen und Säulen anstelle von Pfeilern zurück.

Zusammen mit Donatello reiste Brunelleschi nach Rom, um dort die Werke der Antike zu studieren und später in seinen Bauten die Konstruktionsmethoden des antiken Roms zu übernehmen, wenn auch mit anderen Proportionen.

Brunelleschi wird geometrische und mathematische Prozesse der Projektion des Raumes als die mathematische Perspektive verwenden, und ihm ist es zu verdanken, dass andere wissenschaftliche Entdeckungen, die er zugunsten der Kunst verwendet, so dazu beitragen, die schönen Künste zu erhöhen.

Diese Entdeckungen von Brunelleschi wurden schriftlich festgehalten von Leone Battista Alberti (1404, Genua, Italien-1472, Rom, Italien), der die ersten Abhandlungen über die Malerei (die Brunelleschi gewidmet sind und einen Hinweis auf Donatello, einen gemeinsamen Freund der beiden, enthalten) und die Bildhauerei der Renaissance schrieb und eine über die Architektur begann.

Alberti war ein sehr kultivierter, humanistischer und sozialer Mann, der nach dem Tod Brunelleschis begann, sich mit dieser Tätigkeit zu beschäftigen und selbst zu einem der großen Architekten der Renaissance wurde.

Innenraum der Basilika des Heiligen Andreas von Mantua in Mantua, Italien, von Leone Battista Alberti

(die Bauarbeiten begannen 1472, wurden aber erst 1790 abgeschlossen)

In der Überzeugung, dass der Kreis die vollkommenste Form sei und daher dem Göttlichen am nächsten komme, bevorzugte Alberti zentrierte Pflanzen für Kirchen, vor allem inspiriert durch das Pantheon in Rom, obwohl solche Pflanzen für den katholischen Gottesdienst nicht sehr geeignet waren. Nachdem sein Traktat berühmt geworden war, wurde die zentrierte Pflanze jedoch schließlich akzeptiert und in der Renaissance weit verbreitet.

Im Allgemeinen ist die Renaissance-Architektur durch eine Wiederbelebung des Klassizismus gekennzeichnet, wobei die architektonischen Ordnungen (dorisch, ionisch, korinthisch, toskanisch und kompositorisch) sowie der vollkommene Rundbogen wiederkehren.

Bei der Projektion und Konstruktion der Gebäude wurde eine mathematische Strenge angewandt, und es gab auch eine klare Trennung zwischen Architektur und Bildhauerei und Malerei, da die imposante Größe der neuen Architektur weder der Bildhauerei noch der Malerei einen Platz einräumte, die ohne weitere Hilfsmittel für sich selbst leuchteten.

Bildhauerei

San Marcos - Marmor, 2,48 m., 1411-13 - Donatello, Or San Michele, Florenz

Mit der Gotik verschwand die Bauplastik fast völlig, und die Bildhauerei konzentrierte sich mehr auf Andachtsbilder und Grabmäler, aber mit der Renaissance wird die Bildhauerei ihre Unabhängigkeit von der Architektur zurückgewinnen.

Der erste Schritt in diese Richtung wird von dem großen Bildhauer der Proto-Renaissance getan, Donatello (1386-1466, Florenz, Italien), mit dem Werk San Marcos, einer Marmorskulptur, die, obwohl sie für eine Nische in einer gotischen Kathedrale bestimmt ist, keinen architektonischen Rahmen braucht, um hervorzustechen.

David - Bronze, 1,58 m., 1408-09 - Donatello, Museo Nazionale del Bargello, Florenz

Mit Donatello begannen die Skulpturen die Starrheit der Gotik zu verlieren, da sie bereits mit einer Flexibilität und einem Schönheits- und Proportionsniveau ausgestattet waren, das dem der klassischen Antike nahe kam.

Donatello perfektionierte auch die Technik der schiacciato (flach), ein Flachrelief mit bildlicher Tiefe.

Auch die Renaissance-Skulptur wird die für die Klassik so charakteristische Sinnlichkeit des nackten Körpers wieder aufleben lassen, wofür Donatellos David das erste große Beispiel ist: die erste eigenständige, lebensgroße und völlig nackte Skulptur seit der Antike.

Reiterstandbild von Bartolomeo Colleoni - Bronze, 3,96 m. (ohne Sockel), 1483-88 - Andrea del Verrocchio,

Campo S.S. Giovanni e Paolo, Venedig

Ein weiterer großer Bildhauer der Proto-Renaissance war Andrea Del Verrocchio (1435, Florenz, Italien-1488, Venedig, Italien), der wie Donatello große Skulpturen wie das Reiterstandbild von Bartolomeo Colleoni schuf. Verrocchio war auch Maler und Meister von Leonardo da Vinci, so dass sein malerisches Werk nie frei von Vergleichen mit den Werken seines Schülers war.

Im Allgemeinen gewann die Renaissance-Skulptur ihre Unabhängigkeit zurück und wurde großartiger, voluminöser und realistischer. Das in der Antike verbreitete Büstenporträt wurde wiederbelebt, auch aufgrund des Kollektivismus, der in der Renaissance populär geworden war. Die Künstler, die eine Geschäftsmöglichkeit sahen, stellten Büsten, Flachreliefs und kleine Bronzen her, die die Mobilität erleichterten.der Teile.

Malerei

Vertreibung aus dem Garten Eden - Fresko, 214 cm × 88 cm, 1425 - Masaccio, Brancacci-Kapelle,

Kirche Santa Maria del Carmine, Florenz

So wie die ersten Schritte in Richtung Renaissance zunächst von der Bildhauerei und der Architektur unternommen wurden, wird die Malerei etwa ein Jahrzehnt später denselben Weg einschlagen und in ihren Kompositionen die Errungenschaften dieser Bereiche widerspiegeln.

Die ersten Schritte in der Renaissancemalerei wurden von dem jungen Masaccio (1401, San Giovanni Valdarno, Italien-1428, Rom, Italien), der tragischerweise im Alter von nur 27 Jahren zu früh starb.

Masaccios frühe Werke zeigen eine Nähe zu Donatello und eine Distanz zu Giotto, dem gotischen Meister und Landsmann des jungen Meisters. Auch in Masaccios Figuren sind die Gewänder unabhängig vom Körper und werden als echter Stoff dargestellt, ebenso wie die architektonischen Umgebungen, die die Figuren umgeben, unter Berücksichtigung der wissenschaftlichen Perspektive dargestellt werdenvon Brunelleschi entwickelt.

Heilige Dreifaltigkeit - Fresko, 667 cm x 317 cm - Masaccio, Santa Maria Novella, Florenz

Damit legte Masaccio den Grundstein für die Malerei der Renaissance, die im Gegensatz zur Gotik, die die imaginäre Darstellung der Dinge bevorzugte, die exakte Wiedergabe des Realen bevorzugte.

Die Tiefe der in der Renaissancemalerei dargestellten Innenräume ist messbar und vermittelt den Eindruck, dass sich die Figuren nach Belieben bewegen können, wenn sie es wollen.

Nach Masaccio, Andrea Mantegna (1431, Republik Venedig-1506, Mantua, Italien) war der bedeutendste Maler der Proto-Renaissance, ein frühreifes Genie, das bereits im Alter von siebzehn Jahren eigenständig Aufträge ausführte.

Heiliger Sebastian - Tafel, 68 × 30 cm, 1456-1459 - Andrea Mantegna, Kunsthistorisches Museum, Wien, Österreich

Aber es ist mit Sandro Botticelli (1445-1510, Florenz, Italien), dass die Malerei an Bewegung und Anmut gewinnt, auch wenn er nicht die kraftvollere und muskulösere anatomische Vision teilt, die die Renaissance charakterisieren sollte, denn seine Körper sind eher ätherisch, sondern sinnlich und sinnlich.

Botticelli war der Lieblingsmaler von Lorenzo de Medici (großer Mäzen der Renaissancekunst und Herrscher der Stadt Florenz), für den Botticelli sein berühmtestes Werk, die Geburt der Venus, malen wird (siehe erstes Bild des Artikels).

Frühling - Tempera auf Holz, 2,02 × 3,14 m., 1470-1480 - Sandro Botticelli, Galleria degli Uffizi, Florenz

Generell überwiegt in der Malerei die Ölmalerei gegenüber der Freskenmalerei, was dazu führt, dass die Bildwerke mobiler werden und sich auch die Porträts vermehren.

Die in der Architektur angewandten Prinzipien, wie die mathematische Strenge der Proportionen und der Perspektive, werden in der Malerei angewandt, und in den Bildkompositionen werden die Figuren nun maßstabsgetreu in eine unechte Architektur oder Landschaft eingefasst, wobei die Proportionen der einzelnen Elemente beachtet werden, was dem Gemälde Tiefe und mehr Realismus verleiht.

Die volle Renaissance

Pietà - Marmor, 1,74 m x 1,95 m - Michelangelo, Basilica di San Pietro, Vatikan

Die letzte Phase der italienischen Renaissance wird als Renaissance Pleno bezeichnet und ist der Exponent dessen, was bis dahin kultiviert wurde. In dieser Phase entwickelt sich der Geniekult, der einige Künstler schließlich dazu bringt, das Unmögliche zu versuchen, wie die Suche nach absoluter Perfektion.

In dieser Phase konzentrierten sich die Künstler mehr auf die Wirksamkeit der Werke, darauf, wie sie die Gefühle der Betrachter wecken würden, als auf rationale Strenge oder klassische Vorbilder, und sobald einige Werke der großen Meister der Vollrenaissance geschaffen waren, galten sie bald als klassisch, einzigartig, unvergleichlich und unnachahmlich.

Auf diese Weise ist die Vollrenaissance, Erbe der Proto-Renaissance, einzigartig und sehr exklusiv, und obwohl sie die spätere Kunst beeinflusste, war sie ein Kokon ohne Metamorphose.

Leonardo da Vinci

Mona Lisa - Öl auf Tafel, 77 cm x 53 cm, 1503 - Leonardo da Vinci, Louvre, Paris

Leonardo da Vinci (1452, Anchiano oder Vinci (?), Italien - 1519, Château Du Clos Lucé, Amboise, Frankreich) gilt als der erste große Meister der Renaissance. Er ging in der Werkstatt von Verrocchio in die Lehre, und sein neugieriger Geist veranlasste ihn, sich in verschiedenen Bereichen wie Bildhauerei, Architektur und Militärtechnik zu betätigen, doch es war die Malerei, die seinen Namen unsterblich machte und ihn in den Rang eines Genies und einesMythos.

In Leonardos Werken kommt dem Licht eine große Bedeutung zu, und im Laufe seines künstlerischen Lebens wird er die Verwendung des Helldunkels entwickeln und perfektionieren ( chiaroscuro Ein weiteres Merkmal seiner Malerei ist das Sfumato, das seinen Kompositionen eine Verwischung der Formen, eine Verwässerung der Konturen in der Landschaft durch den Einsatz von Licht verleiht, im Gegensatz zu den Meistern der Frührenaissance, die die Betonung der Konturen bevorzugten.

Das letzte Abendmahl - 4,6 m x 8,8 m - Leonardo da Vinci,

Refektorium des Klosters Santa Maria Delle Grazie, Mailand

Er perfektionierte auch die Luftperspektive, und die in seinen Werken dargestellten Figuren sind überwiegend androgyn und rätselhaft. Auch der Gestik kommt eine große Bedeutung zu, und wir finden in Leonardos Gemälden häufig Figuren, die sich durch kraftvolle Gesten ausdrücken.

Was die Technik anbelangt, so hatte er eine Vorliebe für Öl, was sich im Fall des Abendmahls für die Konservierung des Gemäldes als nachteilig erwies, denn obwohl es sich um ein Fresko handelte, verwendete Leonardo nicht die übliche Eitempera, sondern Öl, was dazu führte, dass es kurz nach seiner Fertigstellung zu verfallen begann.

Siehe mehr Werke von Leonardo da Vinci

Bramante

Tempietto - 1481-1500 - Bramante, S. Pietro in Montorio, Rom

Donato Bramante (1444, Fermignano, Italien-1514, Rom, Italien) ist einer der wichtigsten Architekten der Renaissance und derjenige, der den neuen Stil in Perfektion umsetzt. Er wendet Brunelleschis Prinzip der "skulpturalen Wand" mit Bravour an, was seinen Bauten mehr Größe und Vornehmheit verleiht.

Seine große Stunde schlug, als Papst Julius II. ihn mit dem Bau einer neuen Petersbasilika beauftragte, was Bramante zum Anlass nahm, einen grandiosen Plan zu entwerfen, der die beiden größten Bauwerke der Antike, das Pantheon und die Konstantin-Basilika, in den Schatten stellen sollte.

Aus logistischen und finanziellen Gründen verwendete Bramante eine alte Technik aus römischer Zeit, den Betonbau, der später die Welt der Architektur revolutionieren sollte.

Die Bauarbeiten verliefen schleppend, und als Bramante starb, war nur wenig gebaut worden. Das Projekt wurde dann von Architekten geleitet, die von Bramante ausgebildet worden waren, aber erst 1546, mit Michelangelo, wird das Gebäude in seine letzte Phase der Planung und des Baus eintreten.

Michelangelo

Die Fresken von Michelangelo in der Sixtinischen Kapelle

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (1475, Caprese Michelangelo, Italien-1564, Rom, Italien) war Maler, Bildhauer, Dichter und Architekt und verkörperte vor allem die Idee des Genies unter göttlicher Inspiration. Darüber hinaus sind Drama und Tragödie aus seinem Werk und Leben nicht wegzudenken und machen Michelangelo zum Prototyp des einsamen und gequälten Künstlers.

Michelangelo betrachtete die Bildhauerei als die edelste aller Künste und sah sich selbst in erster Linie als Bildhauer. Mit seinem Werk versuchte er, das Göttliche und die absolute Vollkommenheit zu erreichen, aber am Ende kam er zu dem Schluss, dass er an beiden Fronten gescheitert war, obwohl ihm die Geschichte einen herausragenden Platz im künstlerischen Schaffen als einem der größten, wenn nicht dem größten Künstler aller Zeiten vorbehält.

David - Marmor, 4.089, 1502-1504 - Michelangelo, Galleria dell'Accademia, Florenz

Der menschliche Körper war für Michelangelo ein Ausdruck des Göttlichen, und ihn unbekleidet darzustellen, war die einzige Möglichkeit, seine ganze Göttlichkeit in sich aufzunehmen. Daher ist sein Werk voll von nackten und kraftvollen Körpern, denn im Gegensatz zu Leonardo, dessen Figuren von einer latenten Weiblichkeit durchdrungen zu sein scheinen, ist die Tendenz bei Michelangelo eher männlich.

Michelangelo ist der Künstler, der den Klassikern der Antike am nächsten kommt, weil er in seinem Werk das Bild des Menschen in den Mittelpunkt stellt, und sein David, die erste Monumentalskulptur dieser Phase, ist das beste Beispiel für alle Eigenschaften und Merkmale der Kunst Michelangelos.

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Rafael

Vermählung der Jungfrau - Öl auf Holz, 170 x 117 cm, 1504 - Raffael, Pinacoteca di Brera, Mailand

Raffael Sanzio (1483, Urbino, Italien-1520, Rom, Italien) war ein Künstler und ein großer Mann der Gesellschaft. Er war ein Zeitgenosse von Michelangelo, und der Ruhm beider wurde zu ihrer Zeit gleichgesetzt, aber die Geschichte hat Raffael in den Hintergrund gedrängt, als ob seine Bedeutung oder sein Ruhm zur Zeit der Renaissance geringer gewesen wäre als der von Michelangelo.

Im Gegensatz zu Michelangelo fehlt in Raffaels Geschichte das Drama oder das tragische Element, und sein Werk ist nicht sehr innovativ, aber sein Genie ist unbestreitbar, ebenso wie sein Beitrag zu einem Stil, den er besser als jeder andere vertritt.

Papst Leo X. mit seinen Neffen Giulio de Medici und Luigi de Rossi - Öl auf Holz, 155 × 119 cm,

1517-1518 - Raffael, Galleria degli Uffizi, Florenz

Sein umfangreiches malerisches Werk ist ein Beispiel für die Verschmelzung der besten Werke der Renaissance: Seine Kompositionen weisen die Offenheit und Lyrik Leonardos und die Dramatik und Kraft Michelangelos auf. Raffael war auch ein produktiver und vollendeter Porträtmaler.

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