Αναγέννηση: όλα για την τέχνη της Αναγέννησης

Η Αναγέννηση είναι η ιστορική περίοδος στην Ευρώπη που διαδέχθηκε τον Μεσαίωνα, η οποία ξεκίνησε στα μέσα του 14ου αιώνα και έφτασε μέχρι το τέλος του 16ου αιώνα. Ωστόσο, δεν υπάρχει κάποιο συγκεκριμένο σημάδι, γεγονός ή ημερομηνία για την έναρξη αυτής της περιόδου, αλλά συνέβη φυσικά και σταδιακά.

Η Γέννηση της Αφροδίτης - τέμπερα σε καμβά, 1,72 m x 2,78 m, 1483 - Sandro Botticelli

- Galleria degli Uffizi, Φλωρεντία

Πώς ξεκίνησαν όλα

Ήταν ο ποιητής Πετράρχης (1304, Arezzo, Ιταλία-1374, Arquà Petrarca, Ιταλία) που αφύπνισε την επαναστατική φλέβα της Αναγέννησης, απευθυνόμενος στη λατρεία της κλασικής αρχαιότητας (της εποχής που προηγήθηκε του Μεσαίωνα).

Το κάλεσμα αυτό επαναλήφθηκε αρκετές φορές στο παρελθόν, κατά τη διάρκεια του Μεσαίωνα, αλλά μόνο τότε ακούστηκε ο απόηχός του και έγιναν αισθητές οι επιπτώσεις του.

Ένας νέος τρόπος σκέψης και θεώρησης του κόσμου και της τέχνης γεννιέται. Με τον ουμανισμό, ο άνθρωπος γίνεται το κέντρο του σύμπαντος και ο θεοκεντρισμός δίνει τη θέση του στον ανθρωποκεντρισμό. Γίνεται επιστροφή στις ιδέες και τις δόξες της κλασικής περιόδου (ελληνορωμαϊκής), αναγέννηση των κλασικών ιδανικών και κανόνων.

Η ρωμαϊκή εποχή άρχισε να θεωρείται ως εποχή φωτός και ευημερίας, ενώ η χριστιανική εποχή (Μεσαίωνας) άρχισε να θεωρείται ως εποχή σκότους. Και έτσι η Αναγέννηση ξεκίνησε να αποκαθιστά αυτό το χαμένο φως.

Εν ολίγοις, υπάρχει ένα rinascità (αναγέννηση) της κλασικής αρχαιότητας, όπου, σύμφωνα με τους λάτρεις της αρχαιότητας, είχε επιτευχθεί το αποκορύφωμα της καλλιτεχνικής δημιουργίας.

Η τέχνη στην Αναγέννηση

Σχολή των Αθηνών - τοιχογραφία, 500 cm × 770 cm, 1509-1511 - Ραφαήλ, Αποστολικό Παλάτι, Βατικανό

Από καλλιτεχνική άποψη η Αναγέννηση θα διαδεχθεί τη γοτθική και ως κύριο χαρακτηριστικό της έχει την προσέγγισή της στην Αρχαιότητα. Αλλά ο στόχος του καλλιτέχνη της Αναγέννησης δεν ήταν να αντιγράψει το μεγαλείο και την τελειότητα της κλασικής τέχνης, αλλά να εξισωθεί με τις δημιουργίες αυτές.

Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου οι καλλιτέχνες (των Καλών Τεχνών) έπαψαν να θεωρούνται απλοί τεχνίτες και άρχισαν να θεωρούνται διανοούμενοι. Αυτή η αλλαγή στη στάση απέναντι στον καλλιτέχνη οδήγησε στη συλλογή έργων τέχνης, καθώς ό,τι βγαίνει από τα χέρια ενός δασκάλου θεωρείται μεγάλης αξίας.

Εμφανίστηκαν επίσης εργαστήρια, τα οποία αργότερα οδήγησαν στη δημιουργία ακαδημιών, και οι καλλιτέχνες απέκτησαν μεγαλύτερη ελευθερία, λειτουργώντας σχεδόν σαν επιχειρηματίες.

Αρχιτεκτονική

Καθεδρικός ναός της Santa Maria del Fiore - τρούλος του Filippo Brunelleschi, Φλωρεντία

Η αναγεννησιακή αρχιτεκτονική οφείλει τις απαρχές της στην Filippo Brunelleschi (1377-1446, Φλωρεντία, Ιταλία), ο οποίος, αν και ξεκίνησε την καριέρα του ως γλύπτης, διέπρεψε ως αρχιτέκτονας.

Γύρω στα 1417-19, ο Μπρουνελλέσκι θα ανταγωνιζόταν για την κατασκευή ενός τρούλου τον Λορέντζο Γκιμπέρτι (1381-1455, Ιταλός γλύπτης), από τον οποίο είχε χάσει λίγα χρόνια νωρίτερα τον διαγωνισμό για τις πόρτες του Βαπτιστηρίου.

Ο εν λόγω τρούλος επρόκειτο να επιστεγάσει τον καθεδρικό ναό της Σάντα Μαρία ντελ Φιόρε, ένα μνημειώδες κτίριο που είχε αρχίσει να χτίζεται από τους μεσαιωνικούς χρόνους και το οποίο θα συνέχιζε να ολοκληρώνεται μέχρι τον 19ο αιώνα.

Λόγω της μεγαλοπρέπειας του κτιρίου, όλες οι λύσεις για την κατασκευή του τρούλου είχαν αποτύχει μέχρι τότε, αλλά ο Μπρουνελλέσκι κατάφερε να βρει μια βιώσιμη λύση και έτσι να κατασκευάσει αυτό που θεωρείται το πρώτο μεγάλο έργο της ιταλικής Αναγέννησης.

Η λύση του Brunelleschi για τον τεράστιο θόλο δεν ήταν μόνο επαναστατική, αλλά και μια αξιοθαύμαστη μηχανική νίκη. Συνίστατο στην κατασκευή δύο ξεχωριστών μεγάλων κελυφών που συνδέονταν και τοποθετούνταν η μία μέσα στην άλλη, έτσι ώστε η μία να ενισχύει την άλλη και έτσι να κατανέμεται το βάρος της κατασκευής.

Εσωτερικό της εκκλησίας του San Lorenzo, Φλωρεντία (ρωμανική εκκλησία που ανακατασκευάστηκε από τον Brunelleschi,

του οποίου το έργο ολοκληρώθηκε μόλις 20 χρόνια μετά το θάνατο του καλλιτέχνη, και η πρόσοψη παραμένει ημιτελής μέχρι σήμερα).

Επιπλέον, ο Brunelleschi αρνήθηκε να χρησιμοποιήσει τις συνήθεις τεχνικές για τη μεταφορά των υλικών, δημιουργώντας έξυπνες λύσεις για το σκοπό αυτό, όπως μηχανές για την ανύψωση των υλικών.

Η συμβολή του Μπρουνελλέσκι υπερβαίνει κατά πολύ τον μεγαλοπρεπή θόλο, καθώς έγινε ο πρώτος μεγάλος αρχιτέκτονας της σύγχρονης εποχής, εισήγαγε τη γραμμική προοπτική στην Αναγέννηση και επανέφερε τα τέλεια τόξα και τους κίονες αντί για στύλους.

Παρόλο που γεννήθηκε και ξεκίνησε την καριέρα του στη Φλωρεντία, το μέλλον του θα χαράσσονταν στη Ρώμη. Μαζί με τον Ντονατέλο, ο Μπρουνελλέσκι θα ταξίδευε στη Ρώμη και εκεί θα μελετούσε τα έργα της κλασικής αρχαιότητας και αργότερα θα προσάρμοζε μεθόδους κατασκευής από την Αρχαία Ρώμη στα κτίριά του, αλλά με διαφορετικές αναλογίες.

Ο Brunelleschi θα χρησιμοποιήσει γεωμετρικές και μαθηματικές διαδικασίες προβολής του χώρου, όπως η μαθηματική προοπτική, και σε αυτόν οφείλονται και άλλες επιστημονικές ανακαλύψεις που χρησιμοποίησε υπέρ της τέχνης, συμβάλλοντας έτσι στην ανύψωση των Καλών Τεχνών.

Αυτές οι ανακαλύψεις του Brunelleschi συλλέχθηκαν γραπτώς από τον Leone Battista Alberti (1404, Γένοβα, Ιταλία-1472, Ρώμη, Ιταλία), ο οποίος έγραψε τις πρώτες πραγματείες για τη ζωγραφική (αφιερωμένη στον Brunelleschi και με αναφορά στον Donatello, κοινό φίλο των δύο) και τη γλυπτική της Αναγέννησης, ενώ ξεκίνησε μία για την αρχιτεκτονική.

Ο Αλμπέρτι ήταν ένας πολύ καλλιεργημένος, ανθρωπιστής και κοινωνικός άνθρωπος, και μετά το θάνατο του Μπρουνελλέσκι άρχισε να ασχολείται με τη δραστηριότητα αυτή, και έγινε ο ίδιος ένας από τους μεγάλους αρχιτέκτονες της Αναγέννησης.

Εσωτερικό της Βασιλικής του Αγίου Ανδρέα της Μάντοβα στη Μάντοβα της Ιταλίας, από τον Leone Battista Alberti

(οι οικοδομικές εργασίες ξεκίνησαν το 1472, αλλά ολοκληρώθηκαν μόλις το 1790)

Πιστεύοντας ότι ο κύκλος είναι η πιο τέλεια μορφή και επομένως η πιο κοντινή στο θείο, ο Αλμπέρτι προτίμησε τα κεντραρισμένα φυτά για τις εκκλησίες, εμπνευσμένος κυρίως από το Πάνθεον της Ρώμης, παρά το γεγονός ότι τα φυτά αυτά δεν ήταν πολύ βολικά για την καθολική λατρεία. Ωστόσο, αφού η πραγματεία του έγινε διάσημη, το κεντραρισμένο φυτό έγινε τελικά αποδεκτό και χρησιμοποιήθηκε ευρέως στην Αναγέννηση.

Γενικά, η αναγεννησιακή αρχιτεκτονική χαρακτηρίζεται από μια κλασική αναβίωση, με την επιστροφή των αρχιτεκτονικών τάξεων (δωρική, ιωνική, κορινθιακή, τοσκάνικη και σύνθετη), καθώς και του τέλειου στρογγυλού τόξου.

Στην προβολή και την κατασκευή των κτιρίων ακολουθήθηκε μια μαθηματική αυστηρότητα, ενώ υπήρξε επίσης ένας σαφής διαχωρισμός μεταξύ αρχιτεκτονικής και γλυπτικής και ζωγραφικής, καθώς η επιβλητική μεγαλοπρέπεια της νέας αρχιτεκτονικής δεν επέτρεπε στη γλυπτική ή τη ζωγραφική να αναδειχθούν, λάμποντας από μόνη της χωρίς περαιτέρω βοήθεια.

Γλυπτική

San Marcos - μάρμαρο, 2,48 μ., 1411-13 - Donatello, Or San Michele, Φλωρεντία

Με τη γοτθική εποχή, η αρχιτεκτονική γλυπτική σχεδόν εξαφανίστηκε και η γλυπτική παραγωγή επικεντρώθηκε περισσότερο σε λατρευτικές εικόνες και τάφους, για παράδειγμα. Με την Αναγέννηση, όμως, η γλυπτική θα ανακτήσει την ανεξαρτησία της από την αρχιτεκτονική.

Το πρώτο βήμα προς αυτή την κατεύθυνση κάνει ο μεγάλος γλύπτης της Πρωτοαναγέννησης, Donatello (1386-1466, Φλωρεντία, Ιταλία), με το έργο San Marcos, ένα μαρμάρινο γλυπτό το οποίο, αν και σχεδιάστηκε για να αποτελέσει μέρος μιας κόγχης σε έναν γοτθικό καθεδρικό ναό, δεν χρειάζεται το αρχιτεκτονικό πλαίσιο για να ξεχωρίσει.

Δαβίδ - χάλκινος, 1,58 μ., 1408-09 - Donatello, Museo Nazionale del Bargello, Φλωρεντία

Με τον Ντονατέλλο οι γλυπτικές μορφές άρχισαν να χάνουν την ακαμψία του γοτθικού ρυθμού, καθώς ήταν ήδη προικισμένες με ευελιξία και πρότυπα ομορφιάς και αναλογίες κοντά σε αυτά της κλασικής αρχαιότητας.

Ο Donatello τελειοποίησε επίσης την τεχνική της schiacciato (επίπεδη), ένα χαμηλό ανάγλυφο με ζωγραφικό βάθος.

Η αναγεννησιακή γλυπτική θα αναβιώσει επίσης τον αισθησιασμό του γυμνού σώματος που είναι τόσο χαρακτηριστικός της κλασικής περιόδου, με πρώτο μεγάλο παράδειγμα τον Δαβίδ του Ντονατέλλο. Πρόκειται για το πρώτο ανεξάρτητο, σε φυσικό μέγεθος, εντελώς γυμνό γλυπτό από την αρχαιότητα.

Έφιππος ανδριάντας του Bartolomeo Colleoni - χάλκινος, 3,96 μ. (χωρίς βάθρο), 1483-88 - Andrea del Verrocchio,

Campo S.S. Giovanni e Paolo, Βενετία

Ένας άλλος μεγάλος γλύπτης της Πρωτοαναγέννησης ήταν ο Andrea Del Verrocchio (1435, Φλωρεντία, Ιταλία-1488, Βενετία, Ιταλία), ο οποίος, όπως και ο Ντονατέλλο, επρόκειτο να δημιουργήσει μεγάλα γλυπτά, όπως το έφιππο άγαλμα του Μπαρτολομέο Κολλεόνι. Ο Βερόκιο ήταν επίσης ζωγράφος και δάσκαλος του Λεονάρντο Ντα Βίντσι, οπότε το ζωγραφικό του έργο δεν ήταν ποτέ απαλλαγμένο από συγκρίσεις με τα έργα του μαθητή του.

Σε γενικές γραμμές, η αναγεννησιακή γλυπτική, ανακτώντας την ανεξαρτησία της, απέκτησε μεγαλοπρέπεια, όγκο και ρεαλισμό. Υπήρξε μια αναβίωση του πορτρέτου-βύστου που ήταν τόσο συνηθισμένο στην αρχαιότητα, οδηγούμενη επίσης από τον κολεκτιβισμό που είχε γίνει δημοφιλής στην Αναγέννηση. Έτσι, οι καλλιτέχνες που έβλεπαν μια επιχειρηματική δυνατότητα παρήγαγαν προτομές, ανάγλυφα και μικρά χάλκινα που διευκόλυναν την κινητικότητα.των εξαρτημάτων.

Ζωγραφική

Αποπομπή από τον Κήπο της Εδέμ - τοιχογραφία, 214 cm × 88 cm, 1425 - Masaccio, Παρεκκλήσι Brancacci,

Εκκλησία της Santa Maria del Carmine, Φλωρεντία

Καθώς τα πρώτα βήματα προς την Αναγέννηση έγιναν πρώτα από τη γλυπτική και την αρχιτεκτονική, η ζωγραφική θα ακολουθήσει την ίδια πορεία περίπου μια δεκαετία αργότερα, αντικατοπτρίζοντας στις συνθέσεις της τα επιτεύγματά τους.

Τα πρώτα βήματα στη ζωγραφική της Αναγέννησης έγιναν από τον νεαρό Masaccio (1401, San Giovanni Valdarno, Ιταλία-1428, Ρώμη, Ιταλία) που πέθανε τραγικά πρόωρα, σε ηλικία μόλις 27 ετών.

Τα πρώιμα έργα του Μασάτσιο δείχνουν μια εγγύτητα με τον Ντονατέλλο και μια απομάκρυνση από τον Τζιόττο, τον γοτθικό δάσκαλο και συμπατριώτη του νεαρού δασκάλου. Επίσης, στις μορφές του Μασάτσιο, τα ενδύματα είναι ανεξάρτητα από το σώμα, καθώς αναπαρίστανται ως πραγματικό ύφασμα, καθώς και τα αρχιτεκτονικά περιβάλλοντα που περιβάλλουν τις μορφές αναπαρίστανται με σεβασμό στην επιστημονική προοπτικήπου αναπτύχθηκε από τον Brunelleschi.

Αγία Τριάδα - τοιχογραφία, 667 cm x 317 cm - Masaccio, Santa Maria Novella, Φλωρεντία

Έτσι, ο Μασάτσιο έσπειρε τους βασικούς σπόρους της αναγεννησιακής ζωγραφικής, η οποία, σε αντίθεση με τη γοτθική, που προτιμούσε τη φανταστική αναπαράσταση των πραγμάτων, προτιμούσε την ακριβή αναπαράσταση του πραγματικού.

Το βάθος των εσωτερικών χώρων που απεικονίζονται στην αναγεννησιακή ζωγραφική είναι δυνατόν να μετρηθεί και μεταφέρουν την ιδέα ότι αν οι μορφές ήθελαν, μπορούσαν να κινηθούν κατά βούληση.

Μετά τον Masaccio, Andrea Mantegna (1431, Δημοκρατία της Βενετίας-1506, Μάντοβα, Ιταλία) ήταν ο σημαντικότερος ζωγράφος της Πρωτοαναγέννησης, επίσης μια πρώιμη ιδιοφυΐα που σε ηλικία δεκαεπτά ετών εκτελούσε ήδη μόνος του παραγγελίες.

Άγιος Σεβαστιανός - πίνακας, 68 × 30 εκ., 1456-1459 - Andrea Mantegna, Kunsthistorisches Museum, Βιέννη, Αυστρία

Αλλά είναι με Σάντρο Μποτιτσέλι (1445-1510, Φλωρεντία, Ιταλία) η ζωγραφική άρχισε να αποκτά περισσότερη κίνηση και χάρη, αν και δεν συμμεριζόταν την πιο ισχυρή και μυώδη ανατομική αντίληψη που θα χαρακτήριζε την Αναγέννηση, καθώς τα σώματά του ήταν πιο αιθέρια, αλλά μάλλον ηδονικά και αισθησιακά.

Ο Μποτιτσέλι ήταν ο αγαπημένος ζωγράφος του Λορέντζο ντε Μέντιτσι (μεγάλος προστάτης της αναγεννησιακής τέχνης και ηγεμόνας της πόλης της Φλωρεντίας), και γι' αυτόν ο Μποτιτσέλι θα ζωγραφίσει το πιο διάσημο έργο του, τη Γέννηση της Αφροδίτης (βλ. πρώτη εικόνα του άρθρου).

Άνοιξη - τέμπερα σε ξύλο, 2,02 × 3,14 μ., 1470-1480 - Sandro Botticelli, Galleria degli Uffizi, Φλωρεντία

Σε γενικές γραμμές, στη ζωγραφική επικράτησε το λάδι σε αντίθεση με τις τοιχογραφίες, γεγονός που οδήγησε στο να γίνουν τα ζωγραφικά έργα πιο κινητά. Επίσης, πολλαπλασιάστηκαν τα πορτρέτα.

Οι αρχές που εφαρμόζονται στην αρχιτεκτονική, όπως η μαθηματική αυστηρότητα των αναλογιών και της προοπτικής, χρησιμοποιούνται στη ζωγραφική, και στις ζωγραφικές συνθέσεις οι μορφές πλαισιώνονται πλέον σε ψεύτικη αρχιτεκτονική ή τοπίο σε κλίμακα, τηρώντας τις αναλογίες κάθε στοιχείου, δίνοντας έτσι βάθος και περισσότερο ρεαλισμό στον πίνακα.

Η πλήρης Αναγέννηση

Pietà - μάρμαρο, 1,74 m x 1,95 m - Μιχαήλ Άγγελος, Basilica di San Pietro, Βατικανό

Η τελική φάση της ιταλικής Αναγέννησης είναι γνωστή ως Αναγέννηση Πλένο και αποτελεί τον εκφραστή των όσων είχαν καλλιεργηθεί μέχρι τότε. Στη φάση αυτή αναπτύσσεται η λατρεία της ιδιοφυΐας, κάτι που καταλήγει να ωθεί ορισμένους καλλιτέχνες να προσπαθούν να επιτύχουν το αδύνατο, όπως η αναζήτηση της απόλυτης τελειότητας.

Σε αυτό το στάδιο οι καλλιτέχνες επικεντρώνονται περισσότερο στην αποτελεσματικότητα των έργων, στο πώς θα προκαλέσουν τα συναισθήματα των θεατών, παρά στην ορθολογική αυστηρότητα ή στα κλασικά προηγούμενα, και μόλις δημιουργήθηκαν κάποια έργα από τους μεγάλους δασκάλους της Πλήρους Αναγέννησης, σύντομα θεωρήθηκαν κλασικά, μοναδικά, απαράμιλλα και ανεπανάληπτα.

Με αυτόν τον τρόπο η Πλήρης Αναγέννηση, κληρονόμος της Πρωτο-Αναγέννησης, είναι μοναδική και πολύ αποκλειστική, και παρόλο που επηρέασε τη μεταγενέστερη τέχνη, ήταν ένα κουκούλι χωρίς μεταμόρφωση.

Λεονάρντο ντα Βίντσι

Μόνα Λίζα - λάδι σε πίνακα, 77 cm x 53 cm, 1503 - Λεονάρντο ντα Βίντσι, Λούβρο, Παρίσι

Ο Λεονάρντο ντα Βίντσι (1452, Anchiano ή Vinci (;), Ιταλία-1519, Château Du Clos Lucé, Amboise, Γαλλία) θεωρείται ο πρώτος μεγάλος δάσκαλος της Αναγέννησης. Μαθήτευσε στο εργαστήριο του Βερόκιο και το περίεργο μυαλό του τον οδήγησε να ασχοληθεί με διάφορους τομείς, όπως η γλυπτική, η αρχιτεκτονική και η στρατιωτική μηχανική, αλλά ήταν η ζωγραφική που απαθανάτισε το όνομά του, αναδεικνύοντάς τον σε ιδιοφυία καιμύθος.

Στα έργα του Λεονάρντο το φως έχει μεγάλη σημασία και κατά τη διάρκεια της καλλιτεχνικής του ζωής θα αναπτύξει και θα τελειοποιήσει τη χρήση του chiaroscuro ( chiaroscuro Ένα άλλο χαρακτηριστικό της ζωγραφικής του είναι το sfumato, το οποίο προσδίδει στις συνθέσεις του ένα θόλωμα των μορφών, μια αραίωση των περιγραμμάτων του τοπίου μέσω της χρήσης του φωτός, σε αντίθεση με τους δασκάλους της Πρωτοαναγέννησης, οι οποίοι προτιμούσαν την ανάδειξη των περιγραμμάτων.

Ο Μυστικός Δείπνος - 4,6 m x 8,8 m - Leonardo da Vinci,

τραπεζαρία της Μονής Santa Maria Delle Grazie, Μιλάνο

Επίσης, τελειοποίησε την προοπτική από αέρος και οι μορφές που απεικονίζονται στα έργα του είναι κυρίως ανδρόγυνες και αινιγματικές. Επίσης, αποδίδεται μεγάλη σημασία στη χειρονομία και συχνά συναντάμε στους πίνακες του Λεονάρντο μορφές που εκφράζονται με έντονες χειρονομίες.

Όσον αφορά την τεχνική, είχε μια προτίμηση στο λάδι, η οποία στην περίπτωση του Μυστικού Δείπνου αποδείχθηκε τρομερή για τη συντήρηση του πίνακα, διότι αν και επρόκειτο για τοιχογραφία, ο Λεονάρντο δεν χρησιμοποίησε αυγοτέμπερα, όπως συνηθιζόταν, αλλά λάδι, με αποτέλεσμα λίγο μετά την ολοκλήρωσή του να αρχίσει να φθείρεται.

Δείτε περισσότερα έργα του Leonardo da Vinci

Bramante

Tempietto - 1481-1500 - Bramante, S. Pietro in Montorio, Ρώμη

Ο Donato Bramante (1444, Fermignano, Ιταλία-1514, Ρώμη, Ιταλία) είναι ένας από τους κυριότερους αρχιτέκτονες της Αναγέννησης και αυτός που εφάρμοσε το νέο στυλ στην πράξη με απόλυτη τελειότητα. Θα εφαρμόσει άριστα την αρχή του Brunelleschi για τον "γλυπτό τοίχο", η οποία προσδίδει στα κτίριά του μεγαλύτερη μεγαλοπρέπεια και διάκριση.

Η μεγάλη του στιγμή ήρθε όταν ο Πάπας Ιούλιος Β' του ανέθεσε να χτίσει μια νέα βασιλική του Αγίου Πέτρου, κάτι που ο Μπραμάντε εκμεταλλεύτηκε ως ευκαιρία να σχεδιάσει ένα μεγαλοπρεπές σχέδιο που θα αντικαθιστούσε τα δύο μεγαλύτερα κτίρια της αρχαιότητας, το Πάνθεον και τη Βασιλική του Κωνσταντίνου.

Για υλικοτεχνικούς και οικονομικούς λόγους, ο Μπραμάντε χρησιμοποίησε μια παλιά τεχνική από τη ρωμαϊκή εποχή, την κατασκευή από σκυρόδεμα, η οποία αργότερα θα έφερνε επανάσταση στον κόσμο της αρχιτεκτονικής.

Οι κατασκευαστικές εργασίες ήταν αργές και όταν πέθανε ο Μπραμάντε λίγα είχαν κατασκευαστεί μέχρι τότε. Το έργο καθοδηγήθηκε στη συνέχεια από αρχιτέκτονες που είχαν εκπαιδευτεί από τον Μπραμάντε, αλλά μόλις το 1546, με τον Μιχαήλ Άγγελο, το κτίριο θα εισέλθει στην τελική φάση του σχεδιασμού και της κατασκευής του.

Μιχαήλ Άγγελος

Οι τοιχογραφίες του Μιχαήλ Άγγελου στην Καπέλα Σιξτίνα

Ο Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (1475, Caprese Michelangelo, Ιταλία-1564, Ρώμη, Ιταλία) ήταν ζωγράφος, γλύπτης, ποιητής και αρχιτέκτονας, και πάνω απ' όλα συμπυκνώνει με τον καλύτερο τρόπο την ιδέα της ιδιοφυΐας υπό θεϊκή έμπνευση. Επιπλέον, το δράμα και η τραγωδία δεν μπορούν να διαχωριστούν από το έργο και τη ζωή του, καθιστώντας τον Michelangelo το πρότυπο του μοναχικού και βασανισμένου καλλιτέχνη.

Ο Μιχαήλ Άγγελος θεωρούσε τη γλυπτική ως την ευγενέστερη τέχνη και θεωρούσε τον εαυτό του γλύπτη πρώτα απ' όλα. Με το έργο του προσπάθησε να φτάσει στη θεία και απόλυτη τελειότητα, αλλά στο τέλος κατέληξε στο συμπέρασμα ότι απέτυχε και στα δύο μέτωπα, αν και η ιστορία του επιφυλάσσει μια εξέχουσα θέση στην καλλιτεχνική δημιουργία ως έναν από τους μεγαλύτερους, αν όχι τον μεγαλύτερο καλλιτέχνη όλων των εποχών.

Δαβίδ - μάρμαρο, 4,089, 1502-1504 - Μιχαήλ Άγγελος, Galleria dell'Accademia, Φλωρεντία

Το ανθρώπινο σώμα αποτελούσε για τον Μιχαήλ Άγγελο έκφραση του θείου και η απεικόνισή του χωρίς ρούχα ήταν ο μόνος τρόπος να απορροφηθεί όλη η θεϊκότητά του. Ως εκ τούτου, το έργο του είναι γεμάτο από γυμνά και δυνατά σώματα, διότι σε αντίθεση με τον Λεονάρντο, του οποίου οι μορφές φαίνονται διαποτισμένες από μια λανθάνουσα θηλυκότητα, στον Μιχαήλ Άγγελο η τάση είναι προς το αρσενικό.

Ο Μιχαήλ Άγγελος είναι ο καλλιτέχνης που πλησιάζει περισσότερο στους κλασικούς της αρχαιότητας, πολύ από την έμφαση που έδωσε στην ανθρώπινη εικόνα σε όλο του το έργο. Και ο Δαβίδ του, το πρώτο μνημειακό γλυπτό αυτής της φάσης, είναι το καλύτερο παράδειγμα όλων των ιδιοτήτων και των χαρακτηριστικών της τέχνης του Μιχαήλ Άγγελου.

Δείτε περισσότερα έργα του Michelangelo

Rafael

Γάμος της Παναγίας - λάδι σε ξύλο, 170 x 117 εκ., 1504 - Ραφαήλ, Pinacoteca di Brera, Μιλάνο

Ο Ραφαήλ Σάντσιο (1483, Ουρμπίνο, Ιταλία-1520, Ρώμη, Ιταλία) ήταν καλλιτέχνης και σπουδαίος άνθρωπος της κοινωνίας. Σύγχρονος του Μιχαήλ Άγγελου, η φήμη και των δύο εξισώθηκε την εποχή που έζησαν, αλλά η ιστορία έχει υποβιβάσει τον Ραφαήλ στο παρασκήνιο σαν η σημασία ή η φήμη του να ήταν μικρότερη από εκείνη του Μιχαήλ Άγγελου την εποχή της Αναγέννησης.

Από την ιστορία του Ραφαήλ λείπει το δράμα ή το τραγικό στοιχείο, σε αντίθεση με του Μιχαήλ Άγγελου, και δεν προέκυψαν τόσες πολλές καινοτομίες από το έργο του. Ωστόσο, η ιδιοφυΐα του είναι αναμφισβήτητη, όπως και η συμβολή του σε ένα στυλ που εκπροσώπησε καλύτερα από οποιονδήποτε άλλον.

Ο Πάπας Λέων Χ με τους ανιψιούς του Giulio de Medici και Luigi de Rossi - λάδι σε ξύλο, 155 × 119 εκ,

1517-1518 - Ραφαήλ, Galleria degli Uffizi, Φλωρεντία

Το τεράστιο εικαστικό του έργο αποτελεί παράδειγμα συγχώνευσης των καλύτερων της Αναγέννησης, καθώς οι συνθέσεις του φέρουν την ειλικρίνεια και τον λυρισμό του Λεονάρντο και το δράμα και τη δύναμη του Μιχαήλ Άγγελου. Ο Ραφαήλ ήταν επίσης παραγωγικός και καταξιωμένος ζωγράφος πορτρέτων.

Μάθετε για τα κύρια έργα του Ραφαήλ

Γνωρίστε επίσης