Rinascimento: tutto sull'arte rinascimentale

Il Rinascimento è il periodo storico in Europa che è succeduto al Medioevo, a partire dalla metà del XIV secolo fino alla fine del XVI secolo. Tuttavia, non c'è un segno, un evento o una data specifica per l'inizio di questo periodo, ma è avvenuto in modo naturale e graduale.

La nascita di Venere - tempera su tela, 1,72 m x 2,78 m, 1483 - Sandro Botticelli

- Galleria degli Uffizi, Firenze

Come è iniziato tutto

È stato il poeta Petrarca (1304, Arezzo, Italia-1374, Arquà Petrarca, Italia) che risvegliò la vena rivoluzionaria del Rinascimento, facendo appello alla venerazione dell'antichità classica (l'epoca che aveva preceduto il Medioevo).

Questo appello è stato ripetuto più volte in precedenza, durante il Medioevo, ma solo allora se ne è sentita l'eco e se ne sono avvertite le ripercussioni.

Con l'Umanesimo, l'uomo diventa il centro dell'universo, il teocentrismo lascia il posto all'antropocentrismo e si assiste a un ritorno alle idee e alle glorie del periodo classico (greco-romano), a una rinascita degli ideali e dei canoni classici.

L'epoca romana cominciò a essere vista come un'epoca di luce e prosperità, mentre l'epoca cristiana (il Medioevo) venne vista come un'epoca di tenebre. E così il Rinascimento si propose di ripristinare questa luce perduta.

In breve, c'è un rinascita (rinascimento) dell'Antichità classica, dove, secondo gli appassionati, era stato raggiunto l'apice della creazione artistica.

L'arte nel Rinascimento

Scuola di Atene - affresco, 500 cm × 770 cm, 1509-1511 - Raffaello, Palazzo Apostolico, Vaticano

In termini artistici il Rinascimento succederà al Gotico, e come caratteristica principale ha il suo avvicinamento all'Antichità. Ma l'obiettivo dell'artista rinascimentale non era quello di copiare la grandezza e l'eccellenza dell'arte classica, ma di eguagliare quelle creazioni.

In questo periodo gli artisti (delle Belle Arti) cessarono di essere considerati semplici artigiani e iniziarono a essere visti come uomini intellettuali. Questo cambiamento di atteggiamento nei confronti dell'artista portò al collezionismo di opere d'arte, poiché tutto ciò che usciva dalle mani di un maestro era considerato di grande valore.

Nacquero anche i laboratori, che in seguito portarono alla creazione di accademie, e gli artisti acquisirono maggiore libertà, operando quasi come imprenditori.

Architettura

Cattedrale di Santa Maria del Fiore - cupola di Filippo Brunelleschi, Firenze

L'architettura rinascimentale deve le sue origini a Filippo Brunelleschi (1377-1446, Firenze, Italia) che, pur avendo iniziato la sua carriera come scultore, ha continuato a eccellere come architetto.

Intorno al 1417-19, Brunelleschi doveva competere per la costruzione di una cupola con Lorenzo Ghiberti (1381-1455, scultore italiano) contro il quale aveva perso qualche anno prima il concorso per le porte del Battistero.

La suddetta cupola doveva sormontare la Cattedrale di Santa Maria del Fiore, un edificio monumentale che aveva iniziato a essere costruito in epoca medievale e che avrebbe continuato a essere completato fino al XIX secolo.

A causa della grandiosità dell'edificio, tutte le soluzioni per la costruzione della cupola erano fallite fino a quel momento, ma Brunelleschi riuscì a trovare una soluzione praticabile e a costruire così quella che è considerata la prima grande opera del Rinascimento italiano.

La soluzione di Brunelleschi per l'imponente cupola non fu solo rivoluzionaria, ma anche un'ammirevole vittoria ingegneristica: consisteva nella costruzione di due grandi scafi separati, collegati e inseriti l'uno nell'altro, in modo che l'uno rinforzasse l'altro, distribuendo così il peso della struttura.

Interno della Chiesa di San Lorenzo, Firenze (chiesa romanica rifatta da Brunelleschi,

la cui opera fu completata solo una ventina d'anni dopo la morte dell'artista, e la facciata rimane tuttora incompleta)

Inoltre, Brunelleschi si rifiutò di utilizzare le consuete tecniche di trasporto dei materiali, creando soluzioni ingegnose, come macchine per sollevare i materiali.

Il contributo di Brunelleschi va ben oltre la grandiosa cupola, perché divenne il primo grande architetto dell'età moderna, introdusse la prospettiva lineare nel Rinascimento e riportò in auge gli archi a sesto acuto e le colonne al posto dei pilastri.

Sebbene sia nato e abbia iniziato la sua carriera a Firenze, è a Roma che si delinea il suo futuro: insieme a Donatello, Brunelleschi si recherà a Roma per studiare le opere dell'antichità classica e in seguito adattare i metodi di costruzione dell'antica Roma nei suoi edifici, ma con proporzioni diverse.

Brunelleschi utilizzerà processi geometrici e matematici di proiezione dello spazio come la prospettiva matematica, e a lui si devono altre scoperte scientifiche che utilizzò a favore dell'arte, contribuendo così a elevare le Belle Arti.

Queste scoperte di Brunelleschi sono state raccolte per iscritto da Leone Battista Alberti (1404, Genova, Italia-1472, Roma, Italia), che scrisse i primi trattati di pittura (dedicati a Brunelleschi e contenenti riferimenti a Donatello, amico comune dei due) e scultura del Rinascimento, e ne iniziò uno di architettura.

Alberti era un uomo molto colto, umanista e sociale, e dopo la morte di Brunelleschi iniziò a dedicarsi a questa attività, diventando lui stesso uno dei grandi architetti del Rinascimento.

Interno della Basilica di Sant'Andrea di Mantova a Mantova, Italia, di Leone Battista Alberti

(i lavori di costruzione sono iniziati nel 1472, ma sono stati terminati solo nel 1790).

Ritenendo che il cerchio fosse la forma più perfetta, e quindi la più vicina al divino, l'Alberti prediligeva le piante centrate per le chiese, ispirandosi soprattutto al Pantheon di Roma, nonostante il fatto che tali piante non fossero molto comode per il culto cattolico. Tuttavia, dopo che il suo trattato divenne famoso, la pianta centrata venne infine accettata e fu ampiamente utilizzata nel Rinascimento.

In generale l'architettura rinascimentale è caratterizzata da un revival classico, con il ritorno degli ordini architettonici (dorico, ionico, corinzio, toscano e composito) e dell'arco a tutto sesto.

Nella progettazione e nella costruzione degli edifici si seguì un rigore matematico, e vi fu anche una netta separazione tra l'architettura e la scultura e la pittura, poiché l'imponente grandiosità della nuova architettura non permetteva alla scultura o alla pittura di avere un ruolo di primo piano, brillando da sola senza ulteriori aiuti.

Scultura

San Marco - marmo, 2,48 m., 1411-13 - Donatello, Or San Michele, Firenze

Con il Gotico la scultura architettonica quasi scompare e la produzione scultorea si concentra maggiormente, ad esempio, sulle immagini devozionali e sui sepolcri, ma con il Rinascimento la scultura riacquista la sua indipendenza dall'architettura.

Il primo passo in questa direzione è stato compiuto dal grande scultore del Proto-Rinascimento, Donatello (1386-1466, Firenze, Italia), con l'opera San Marco, una scultura in marmo che, pur essendo progettata per far parte di una nicchia di una cattedrale gotica, non ha bisogno della cornice architettonica per emergere.

David - bronzo, 1,58 m., 1408-09 - Donatello, Museo Nazionale del Bargello, Firenze

È con Donatello che le figure scultoree cominciano a perdere la rigidità del gotico, essendo già dotate di flessibilità e di standard di bellezza e proporzioni vicini a quelli dell'antichità classica.

Donatello perfezionò anche la tecnica del schiacciato (piatto), un basso rilievo con profondità pittorica.

Anche la scultura rinascimentale farà rivivere la sensualità del corpo nudo, così caratteristica del periodo classico, il cui primo grande esempio è il David di Donatello, la prima scultura indipendente, a grandezza naturale, completamente nuda dall'antichità.

Statua equestre di Bartolomeo Colleoni - bronzo, 3,96 m. (senza piedistallo), 1483-88 - Andrea del Verrocchio,

Campo S.S. Giovanni e Paolo, Venezia

Un altro grande scultore del Proto-Rinascimento fu Andrea Del Verrocchio (1435, Firenze, Italia-1488, Venezia, Italia), che, come Donatello, realizzerà grandi sculture, come la statua equestre di Bartolomeo Colleoni. Verrocchio fu anche pittore e maestro di Leonardo Da Vinci, per cui la sua opera pittorica non è mai stata esente da confronti con le opere del suo allievo.

In generale, la scultura rinascimentale, riacquistando la propria indipendenza, acquista grandiosità, volume e realismo. Si assiste a una ripresa del busto-ritratto, così diffuso nell'antichità, spinta anche dal collettivismo che si era diffuso nel Rinascimento. Così, gli artisti, vedendo una possibilità di business, producono busti, bassorilievi e bronzetti che facilitano la mobilità.delle parti.

Pittura

Cacciata dal giardino dell'Eden - affresco, 214 cm × 88 cm, 1425 - Masaccio, Cappella Brancacci,

Chiesa di Santa Maria del Carmine, Firenze

Come i primi passi verso il Rinascimento furono compiuti in primo luogo dalla scultura e dall'architettura, la pittura seguirà lo stesso percorso circa un decennio dopo, rispecchiando nelle sue composizioni le conquiste di queste ultime.

I primi passi della pittura rinascimentale furono compiuti dal giovane Masaccio (1401, San Giovanni Valdarno, Italia-1428, Roma, Italia) che morì tragicamente e prematuramente, a soli 27 anni.

Le prime opere di Masaccio mostrano una vicinanza a Donatello e un allontanamento da Giotto, maestro gotico e conterraneo del giovane maestro. Anche nelle figure di Masaccio le vesti sono indipendenti dal corpo, essendo rappresentate come un vero e proprio tessuto, così come le ambientazioni architettoniche che circondano le figure sono rappresentate rispettando la prospettiva scientificasviluppato da Brunelleschi.

Santa Trinità - affresco, 667 cm x 317 cm - Masaccio, Santa Maria Novella, Firenze

Masaccio gettò così i semi principali della pittura rinascimentale che, a differenza del Gotico, che privilegiava la rappresentazione immaginaria delle cose, avrebbe preferito la rappresentazione esatta del reale.

La profondità degli interni raffigurati nella pittura rinascimentale è misurabile e trasmette l'idea che, se le figure lo desiderano, possono muoversi a piacimento.

Dopo Masaccio, Andrea Mantegna (1431, Repubblica di Venezia-1506, Mantova, Italia) è stato il più importante pittore del Proto-Rinascimento, anch'egli un genio precoce che già a diciassette anni eseguiva commissioni per conto proprio.

San Sebastiano - tavola, 68 × 30 cm, 1456-1459 - Andrea Mantegna, Kunsthistorisches Museum, Vienna, Austria

Ma è con Sandro Botticelli (1445-1510, Firenze, Italia) che la pittura iniziò ad acquisire più movimento e grazia, anche se non condivideva la visione anatomica più potente e muscolare che avrebbe caratterizzato il Rinascimento, poiché i suoi corpi erano più eterei, ma piuttosto voluttuosi e sensuali.

Botticelli era il pittore preferito di Lorenzo de Medici (grande mecenate dell'arte rinascimentale e signore della città di Firenze), ed è per lui che Botticelli dipingerà la sua opera più famosa, La nascita di Venere (vedi prima immagine dell'articolo).

Primavera - tempera su tavola, 2,02 × 3,14 m., 1470-1480 - Sandro Botticelli, Galleria degli Uffizi, Firenze

In generale, nella pittura prevale l'olio rispetto all'affresco, il che porta a una maggiore mobilità delle opere pittoriche e alla proliferazione dei ritratti.

I principi applicati all'architettura, come il rigore matematico delle proporzioni e della prospettiva, vengono utilizzati in pittura, e nelle composizioni pittoriche le figure sono ora incorniciate in finta architettura o paesaggio in scala, rispettando le proporzioni di ogni elemento, dando così profondità e maggiore realismo al dipinto.

Il Rinascimento completo

Pietà - marmo, 1,74 m x 1,95 m - Michelangelo, Basilica di San Pietro, Vaticano

La fase finale del Rinascimento italiano è nota come Rinascimento Pleno ed è l'esponente di quanto coltivato fino ad allora. In questa fase si sviluppa il culto del genio, che finisce per spingere alcuni artisti a tentare di raggiungere l'impossibile, come la ricerca della perfezione assoluta.

In questa fase l'attenzione degli artisti si concentra più sull'efficacia delle opere, sul modo in cui suscitano le emozioni degli spettatori, piuttosto che sul rigore razionale o sui precedenti classici, e non appena vengono create alcune opere dei grandi maestri del pieno Rinascimento, queste vengono presto considerate classiche, uniche, incomparabili e inimitabili.

In questo modo il Pieno Rinascimento, erede del Proto-Rinascimento, è unico e molto esclusivo e, sebbene abbia influenzato l'arte successiva, è stato un bozzolo senza metamorfosi.

Leonardo da Vinci

Monna Lisa - olio su tavola, 77 cm x 53 cm, 1503 - Leonardo da Vinci, Louvre, Parigi

Leonardo da Vinci (1452, Anchiano o Vinci (?), Italia-1519, Château Du Clos Lucé, Amboise, Francia) è considerato il primo grande maestro del Rinascimento. Fu apprendista nella bottega del Verrocchio e la sua mente curiosa lo portò a dedicarsi a diversi campi come la scultura, l'architettura e l'ingegneria militare, ma fu la pittura a immortalare il suo nome, elevandolo al rango di genio emito.

Nelle opere di Leonardo la luce ha una grande importanza e nel corso della sua vita artistica svilupperà e perfezionerà l'uso del chiaroscuro ( chiaroscuro Un'altra caratteristica della sua pittura è lo sfumato, che conferisce alle sue composizioni una sfocatura delle forme, una diluizione dei contorni del paesaggio attraverso l'uso della luce, in contrapposizione ai maestri del Proto-Rinascimento, che privilegiavano l'evidenziazione dei contorni.

L'Ultima Cena - 4,6 m x 8,8 m - Leonardo da Vinci,

refettorio del Convento di Santa Maria Delle Grazie, Milano

Inoltre, perfezionò la prospettiva aerea e le figure rappresentate nelle sue opere sono prevalentemente androgine ed enigmatiche. C'è anche un'importanza attribuita al gesto e spesso troviamo nei dipinti di Leonardo figure che si esprimono attraverso gesti forti.

Dal punto di vista tecnico aveva una predilezione per l'olio, che nel caso dell'Ultima Cena si rivelò terribile per la conservazione del dipinto, perché, pur trattandosi di un affresco, Leonardo non usò la tempera all'uovo come era d'uso, ma l'olio, il che fece sì che poco dopo il suo completamento cominciasse a deteriorarsi.

Vedi altre opere di Leonardo da Vinci

Bramante

Tempietto - 1481-1500 - Bramante, S. Pietro in Montorio, Roma

Donato Bramante (1444, Fermignano, Italia-1514, Roma, Italia) è uno dei principali architetti del Rinascimento e colui che ha messo in pratica alla perfezione il nuovo stile. Applicherà con eccellenza il principio del "muro scolpito" di Brunelleschi, che conferisce ai suoi edifici maggiore grandezza e distinzione.

Il suo grande momento arrivò quando Papa Giulio II gli commissionò la costruzione di una nuova basilica di San Pietro, che Bramante colse come un'opportunità per progettare un piano grandioso che avrebbe soppiantato i due più grandi edifici dell'antichità, il Pantheon e la Basilica di Costantino.

Per ragioni logistiche e finanziarie, Bramante utilizzò una vecchia tecnica di epoca romana, la costruzione in calcestruzzo, che avrebbe poi rivoluzionato il mondo dell'architettura.

I lavori di costruzione andarono a rilento e alla morte di Bramante poco era stato costruito. Il progetto fu poi guidato da architetti che erano stati formati da Bramante, ma solo nel 1546, con Michelangelo, l'edificio entrerà nella sua fase finale di progettazione e costruzione.

Michelangelo

Gli affreschi di Michelangelo nella Cappella Sistina

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (1475, Caprese Michelangelo, Italia-1564, Roma, Italia) fu pittore, scultore, poeta e architetto, e soprattutto racchiuse al meglio l'idea di genio sotto l'ispirazione divina. Inoltre, il dramma e la tragedia non possono essere dissociati dalla sua opera e dalla sua vita, rendendo Michelangelo il prototipo dell'artista solitario e tormentato.

Michelangelo considerava la scultura la più nobile delle arti e si considerava prima di tutto uno scultore. Con le sue opere cercò di raggiungere la perfezione divina e assoluta, ma alla fine giunse alla conclusione di aver fallito su entrambi i fronti, anche se la storia gli riserva un posto di rilievo nella creazione artistica come uno dei più grandi, se non il più grande artista di tutti i tempi.

David - marmo, 4.089, 1502-1504 - Michelangelo, Galleria dell'Accademia, Firenze

Il corpo umano era per Michelangelo espressione del divino e rappresentarlo senza vestiti era l'unico modo per assorbirne tutta la divinità. Per questo la sua opera è piena di corpi nudi e possenti, perché a differenza di Leonardo, le cui figure sembrano intrise di una femminilità latente, in Michelangelo la tendenza è verso il maschile.

Michelangelo è l'artista che più si avvicina ai classici dell'antichità, soprattutto per l'attenzione che pone all'immagine umana in tutta la sua opera. E il suo David, la prima scultura monumentale di questa fase, è il miglior esempio di tutte le qualità e le caratteristiche dell'arte michelangiolesca.

Vedi altre opere di Michelangelo

Rafael

Sposalizio della Vergine - olio su tavola, 170 x 117 cm, 1504 - Raffaello, Pinacoteca di Brera, Milano

Raffaello Sanzio (1483, Urbino, Italia-1520, Roma, Italia) è stato un artista e un grande uomo di società. Contemporaneo di Michelangelo, la fama di entrambi era equiparata all'epoca in cui vissero, ma la storia ha relegato Raffaello in secondo piano, come se la sua importanza o la sua fama fossero inferiori a quelle di Michelangelo all'epoca del Rinascimento.

Nella storia di Raffaello mancano il dramma e l'elemento tragico, a differenza di Michelangelo, e dal suo lavoro non sono nate molte innovazioni. Tuttavia, il suo genio è innegabile, così come il suo contributo a uno stile che ha rappresentato meglio di chiunque altro.

Papa Leone X con i nipoti Giulio de Medici e Luigi de Rossi - olio su tavola, 155 × 119 cm,

1517-1518 - Raffaello, Galleria degli Uffizi, Firenze

La sua vasta opera pittorica è un esempio di fusione del meglio del Rinascimento: le sue composizioni presentano il candore e il lirismo di Leonardo e la drammaticità e la potenza di Michelangelo. Raffaello fu anche un prolifico e abile ritrattista.

Scopri le principali opere di Raffaello

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