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Moderne Kunst ist die Bezeichnung für die künstlerischen Bewegungen, die in den letzten Jahren des 19. Jahrhunderts in Europa aufkamen. Diese künstlerischen Avantgarden, wie sie genannt wurden, dauerten bis zur Mitte des folgenden Jahrhunderts an und erreichten Brasilien um die 1920er Jahre.
Damals suchten die Künstler andere Wege, die Welt zu betrachten und darzustellen, und lösten sich von der traditionellen Kunst.
So entstanden verschiedene Strömungen in der bildenden Kunst wie Expressionismus, Fauvismus, Kubismus, Abstraktionismus, Futurismus, Surrealismus und Dadaismus.
Moderne Kunst in Brasilien
In Brasilien entstand die modernistische Bewegung nach der europäischen Avantgarde, und die entscheidende Periode für ihre Konsolidierung waren die 1920er Jahre mit der Woche der Modernen Kunst. Es gab jedoch bereits einige Jahre zuvor Künstler, die Werke mit modernen Merkmalen schufen.
Der russische Student (1915), von Anita Malfatti, eines der ersten modernistischen Gemälde Brasiliens
Historischer Hintergrund
Der historische Kontext, in dem sich das Land zu Beginn des 20. Jahrhunderts befand, war geprägt von Wachstum, Fortschritt, Industrialisierung und der Ankunft zahlreicher Einwanderer, die aus verschiedenen Teilen der Welt kamen, um nach der Abschaffung der Sklaverei die Arbeitermassen wieder aufzubauen.
In dieser Zeit des erstarkenden Kapitalismus verschärften sich auch die sozialen Konflikte, wie z. B. die von anarchistischen Bewegungen organisierten Streiks von Wanderarbeitern auf der Suche nach besseren Lebensbedingungen.
So entsteht das Bedürfnis nach einer neuen Art von Kunst, die die aktuellen Ängste und Hoffnungen für die Zukunft vermittelt.
Parallel dazu gab es in Europa bereits eine Suche nach Experimenten und einen Bruch mit der Tradition, so dass einige brasilianische Künstler mit dieser Begeisterung im Ausland in Berührung kamen und eine künstlerische Frische und das Bestreben mitbrachten, hier eine neue, von der europäischen Avantgarde inspirierte Kunstform einzuführen.
Wichtige Namen dieser Zeit waren Lasar Segall (1891-1957) und Anita Malfatti (196-1964), die als Vorreiter der modernen Kunst des Landes gelten können und bereits in den 1920er Jahren Ausstellungen veranstalteten.
Es ist wichtig zu erwähnen, dass Anitas Kunst von einem großen Teil der brasilianischen Intelligenz, insbesondere von Monteiro Lobato, heftig kritisiert und missverstanden wurde, während Lasar Segall, der aus dem Ausland (Litauen) stammte, nicht viel Kritik einstecken musste.
Woche der modernen Kunst
Mit all dieser Bewegung erforschten auch andere Künstler neue Richtungen in Kunst und Literatur.
Sie beschließen, eine Art "Festival" zu veranstalten, bei dem sie ihre neuesten Produktionen vorstellen. So entstand die "Woche der modernen Kunst" oder "Woche der 22", wie sie auch genannt wurde.
Plakate der Woche der modernen Kunst, hergestellt von Di Cavalcanti
Die Veranstaltung war Teil der Feierlichkeiten zum hundertjährigen Bestehen der Unabhängigkeit Brasiliens im Jahr 1922 und fand vom 13. bis 18. Februar desselben Jahres im Theatro Municipal de São Paulo statt.
Die Absicht der Künstler war es, Neues zu schaffen und die vorherrschenden Standards der Kunst, die noch sehr konservativ und an die Werte des 19. Jahrhunderts gebunden war, in Frage zu stellen.
Dabei handelte es sich um eine Ausstellung mit etwa 100 Kunstwerken und literarischen und musikalischen Darbietungen. Die Idee für die Woche wurde durch die französische Veranstaltung Deauville Fest der Feste und hatte die Unterstützung von Paulo Prado, einem Mäzen, der von den Kaffeebaronen finanziell unterstützt wurde.
Weitere Informationen finden Sie unter: Alles über die Woche der modernen Kunst.
Brasilianische Vertreter der modernen Kunst
Es gab mehrere Künstler, die zur Konsolidierung der modernen Kunst in Brasilien beitrugen, sowohl in der bildenden Kunst als auch in der Literatur. Neben den Malern Anita Malfatti e Lasar Segall die in dieser Art von Kunst schon weiter waren, hatten wir:
- Di Cavalcanti (1897-1976) - Maler, Illustrator, Schriftsteller und Radierer; er war eine wichtige Figur in der Woche der 22 und gilt als der große Schöpfer.
- Vicente do Rego Monteiro (1899-1970) - Der Maler ist einer der ersten, der die kubistische Ästhetik mit für Brasilien charakteristischen Themen wie den Mythen der Eingeborenen verbindet.
- Victor Brecheret (1894-1955) - einer der größten Namen der brasilianischen Bildhauerei, der von Auguste Rodin beeinflusst wurde und dessen Werke expressionistische und kubistische Elemente aufweisen.
- Tarsila do Amaral (1886-1973) - Malerin und Designerin. Sie nahm nicht an der Woche der Modernen Kunst teil, da sie sich zu einer Ausstellung in Frankreich aufhielt. Sie spielte jedoch eine grundlegende Rolle in der modernistischen Bewegung namens Anthropophagie .
- Manuel Bandeira (1886-1968) - Schriftsteller, Lehrer und Kunstkritiker. Sein literarisches Schaffen brachte Neuerungen in der Ausdrucksweise mit sich und stellte zunächst die parnassischen Dichter in Frage. Das Gedicht Die Frösche wurde auf der Semana de Arte Moderna vorgetragen.
- Mario de Andrade (1893-1945) - herausragender Schriftsteller der ersten Generation der brasilianischen Modernisten, der in seinem Werk die nationale Identität und Kultur hervorhob.
- Oswald de Andrade (1890-1954) - Schriftsteller und Dramatiker, eine der Hauptfiguren der literarischen Moderne, mit einem respektlosen und bissigen Stil, der die Ursprünge Brasiliens auf fragende Weise wieder aufgreift.
- Graça Aranha (1868-1931) - Schriftsteller und Diplomat. Er war an der Gründung der brasilianischen Akademie für Literatur beteiligt und spielte eine wichtige Rolle in der Woche der modernen Kunst.
- Menotti Del Picchia (1892-1988) - Schriftsteller, Journalist und Rechtsanwalt. 1917 veröffentlichte er den Roman Juca Mulato Im Jahr 1922 nahm er an der Semana de Arte Moderna teil und koordinierte die zweite Nacht der Veranstaltung.
- Villa Lobos (1887-1959) - Komponist und Dirigent. Einer der größten brasilianischen Musiker, der auch international große Anerkennung fand. Er debütierte auf der Semana de Arte Moderna, wo sein Werk von der Öffentlichkeit nicht verstanden wurde.
- Giomar Novaes (1895-1979) - Pianistin. Sie nahm ebenfalls an der Woche der 22 teil und wurde damals abgelehnt. Sie machte jedoch im Ausland eine große Karriere und war eine große Verbreiterin der Musik von Villa Lobos.
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Moderne Kunst in Europa
Das Auftauchen der modernen Kunst in Europa war eine Folge der turbulenten Zeiten, die es durchlebte. Es war der Beginn eines neuen Jahrhunderts und der Wunsch nach Veränderung durchdrang die Gesellschaft und das Universum der Künste.
Auf diese Weise entstanden verschiedene künstlerische Bewegungen, die mit Normen und Traditionen brechen wollten. Man kann davon ausgehen, dass die Impressionisten als erste die moderne Kunst "einweihten", denn sie experimentierten mit verschiedenen Möglichkeiten, die Realität auf die Leinwand zu drucken.
Obwohl sie für die Entwicklung der neuen Avantgarde von entscheidender Bedeutung waren, verfolgten sie dasselbe Ziel wie die konservativen Künstler: Sie wollten die Welt so real wie möglich darstellen, brachten aber auch Neuerungen bei der Erforschung der Nonnen von Farbe, Licht und Bildgestaltung ein.
Zu dieser Zeit brachte die Konsolidierung der Fotografie einige Fragen und Einflüsse im Bereich der Kunst mit sich.
Die folgenden Stränge hatten die Absicht, Ideen, Empfindungen und Fragen durch Werke zu untergraben, die neue Formen, Farben und Ansätze vorschlagen.
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Moderne Kunstströmungen und Künstler
Expressionismus
Dieser Stil hat seinen Ursprung in Deutschland, genauer gesagt in der Stadt Dresden. 1904 gründeten die Künstler Ernst Kirchner (1880-1938), Erich Heckel (1883-1970) und Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976) die Gruppe Die Brücke mit der Übersetzung "Die Brücke".
Expressionistisches Werk Die Zirkusreiterin (1913), von Ernst Kirchner
Die Absicht des Kollektivs war es, ihren Werken einen eher sentimentalen Charakter zu verleihen und so die Ängste und Emotionen auszudrücken, die in der modernen Gesellschaft zu Beginn des 20. Jahrhunderts aufkamen.
Siehe auch: Space Oddity (David Bowie): Bedeutung und TextDer Expressionismus war auch eine Opposition zu der vorangegangenen Bewegung, dem Impressionismus, der nur die optischen Phänomene des Lichts und der Farbe zu studieren versuchte, ohne sich um die psychologischen Aspekte des Menschen zu kümmern.
Wichtige Künstler, die diese Bewegung stark beeinflussten, waren Vincent van Gogh (1853-1890) und Edvard Munch (1863-1944).
Fauvismus
Der Fauvismus war eine Bewegung, die aus einer Ausstellung junger Künstler in Paris hervorging. 1905 wurde der Name von Henry Matisse (1869-1954) am bekanntesten.
Der Esstisch oder Harmonie in Rot (1908), von Henry Matisse
In der Ausstellung wurden die Werke kaum verstanden, und deshalb wurden die Maler als les fauves Der Grund dafür war, dass die verwendeten Farben und Formen wenig oder gar keinen Bezug zur Realität hatten.
Die Hauptmerkmale dieser Entwicklung waren die intensiven, reinen Farben und das Fehlen von Schattierungen in den Figuren.
Neben Matisse sind weitere Vertreter dieser Strömung: André Derain (1880-1954), Maurice de Vlaminck (1876-1958), Othon Friesz (1879-1949).
Der Fauvismus hatte schließlich großen Einfluss auf eine neue Art der Farbgebung und des Drucks von Kunst, Design und Kleidungsstücken.
Kubismus
Der Kubismus, der von Pablo Picasso (1881-1973) und Georges Braque (1883-1963) entwickelt wurde, gilt als die Avantgarde-Bewegung, die die Kunst ihrer Zeit am stärksten verändert hat und deren Ziel es war, die Darstellung von Figuren und Formen neu zu gestalten.
Die Damen von Avignon (1907) von Pablo Picasso gilt als das erste kubistische Gemälde
Ziel des Strangs war es, die Darstellung zu unterlaufen, indem die Realität so präsentiert wurde, dass der Eindruck entstand, die Formen seien "offen" und alle ihre Winkel würden gezeigt.
Inspiriert von dem Maler Paul Cézanne (1839-1906), der seine Malerei mit der Vereinfachung von Körpern und der Verwendung von zylindrischen Formen begann, entwickelten Picasso und Braque den analytischen Kubismus und den synthetischen Kubismus.
Abstraktionismus oder Abstrakte Kunst
Die abstrakte Kunst, deren größter Vertreter der russische Maler Wassily Kandinsky (1866-1944) war, strebt eine Ausdrucksform an, die keinen Dialog mit dem Figürlichen hat.
In der Abstraktion geht es darum, Bilder zu schaffen, in denen Formen, Linien, Farben und Nonnen erforscht werden, ohne dass die geringste Verpflichtung gegenüber der Realität besteht. 1910 schuf Kandinsky sein erstes abstraktes Werk, das Gemälde Schlacht.
Schlacht (1910) von Kandinsky gilt als das erste abstrakte Werk
In der Folge entstanden weitere Strömungen der abstrakten Kunst: In der informellen Abstraktion wurden Empfindungen und Gefühle geschätzt, die freieren und organischeren Formen den Vorrang gaben.
Der Geometrische Abstraktionismus hingegen ist eine eher rationale und geometrische Komposition, deren größter Vertreter Piet Mondrian (1872-1974) war.
Futurismus
Die futuristische Bewegung wurde von dem Schriftsteller Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944) ins Leben gerufen, der das Futuristische Manifest verfasste, von dem sich später auch die bildenden Künste inspirieren ließen und ein Dokument schufen, das hauptsächlich auf die Malerei ausgerichtet war.
V-Auto Geschwindigkeit (1923), futuristisches Werk von Giacomo Balla
In dieser Strömung schätzten sie die Schnelligkeit, die Industrie, die technologischen Innovationen, die sich entwickelten, und sie hatten ein Verständnis für die Idee der Zukunft und des Fortschritts.
In der Malerei waren Umberto Boccioni (1882-1916), Carlo Carrà (1881-1966), Luigi Russolo (1885-1947), Giacomo Balla (1871-1958) und Gino Severini (1883-1966) die wichtigsten Vertreter.
Dadaismus
Während des Ersten Weltkriegs (1914-1978) waren viele Künstler und Intellektuelle mit der Entwicklung der Welt unzufrieden. Einige von ihnen flüchteten in die Schweiz, nach Zürich, und gründeten eine Bewegung, die die neue Zeit und die Inkohärenz des Krieges in Frage stellte.
Die Quelle (1917), ein dadaistisches Werk, das Marcel Duchamp zugeschrieben wird, sorgte und sorgt immer noch für Kontroversen in der Kunst
Damals entstand die Dada-Bewegung, die von dem Dichter Tristan Tzara (1896-1963) ins Leben gerufen wurde, der zufällig ein Wörterbuch aufschlug und das französische Wort dadá (was auf Portugiesisch "cavalinho" bedeutet).
Auf diese Weise wurde die Absicht der Gruppe deutlich, die darin bestand, absurde und unlogische Zeiten aufzuzeigen, da die Rationalität angesichts der Schrecken des Krieges aus der Menschheit ausgelöscht worden zu sein schien.
Einer der großen Namen des Dadaismus war Marcel Duchamp (1887-1868).
Weitere wichtige Namen sind Man Ray (1890-1976), Max Ernst (1891-1976) und Raoul Hausmann (1886-1971).
Surrealismus
Der französische Dichter André Breton (1896-1966) verfasste ein Manifest, in dem er den psychischen Automatismus verteidigte, einen Mechanismus, der den kreativen Prozess mit Manifestationen des Unbewussten und des Stacheligen in Verbindung brachte.
Die Liebenden (1928), von René Magritte, ist ein Werk des Surrealismus
Für die Surrealisten war es wichtiger, dass das Unterbewusstsein die Darstellung in den Werken beherrschte, indem es irrationale, unlogische und halluzinatorische Themen vorschlug.
Daher haben die surrealistischen Werke fast in ihrer Gesamtheit eine oneirische Aura, d. h. sie zeigen Szenen, die an Träume erinnern.
Siehe auch: Film Roma, von Alfonso Cuarón: Analyse und ZusammenfassungSalvador Dalí (1904-1989), Marc Chagall (1887-1985), Joan Miró (1893-1983) und Max Ernst (1891-1976) gehören zu den herausragenden Künstlern dieser Art von Kunst.
Wenn Sie mehr über andere surrealistische Werke erfahren möchten, lesen Sie: Anstiftende Werke des Surrealismus.
Merkmale der modernen Kunst
Die moderne Kunst hatte viele Strömungen, und jede von ihnen wollte einen Aspekt ihrer Zeit sehen und analysieren. Daher waren die Besonderheiten dieser Avantgarden und die Absichten der Künstler sehr unterschiedlich.
Dennoch lassen sich einige Qualitäten und Attribute allgemein in der europäischen und brasilianischen modernen Kunst beobachten.
Alle diese Künstler verfolgten ein intensives Ziel Abkehr von der traditionellen Kunst Sie lehnten den Konservatismus ab und schlugen vor Innovation sowohl in der Art der Darstellung als auch in den behandelten Themen.
Aus diesem Grund begannen sie zu experimentieren und zu improvisieren und suchten nach neuen kreativen Wegen.
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