Arte moderna: movimenti e artisti in Brasile e nel mondo

L'arte moderna è il nome dato ai movimenti artistici emersi in Europa negli ultimi anni del XIX secolo. Queste avanguardie artistiche, come sono state chiamate, sono durate fino alla metà del secolo successivo, arrivando in Brasile intorno agli anni Venti.

In quel periodo gli artisti cercavano altri modi di guardare e rappresentare il mondo, allontanandosi dall'arte tradizionale.

Nacquero così diversi filoni nelle arti plastiche come l'espressionismo, il fauvismo, il cubismo, l'astrattismo, il futurismo, il surrealismo e il dadaismo.

Arte moderna in Brasile

In Brasile, il movimento modernista è emerso dopo le avanguardie europee e il periodo decisivo per il suo consolidamento è stato quello degli anni Venti, con la Settimana dell'Arte Moderna. Tuttavia, già alcuni anni prima esistevano artisti che producevano opere con caratteristiche moderne.

Lo studente russo (1915), di Anita Malfatti, uno dei primi dipinti modernisti in Brasile.

Contesto storico

Il contesto storico che il Paese stava vivendo all'inizio del XX secolo era quello della crescita, del progresso, dell'industrializzazione e dell'arrivo di molti immigrati, giunti da varie parti del mondo per ricostruire le masse lavoratrici dopo l'abolizione della schiavitù.

Era un periodo di rafforzamento del capitalismo e quindi anche i conflitti sociali si facevano più acuti: ci furono, ad esempio, scioperi di lavoratori immigrati organizzati da movimenti anarchici in cerca di migliori condizioni di vita.

Inizia così a emergere la necessità di un nuovo tipo di arte che trasmetta le ansie attuali e le speranze per il futuro.

Parallelamente, in Europa c'era già una ricerca di sperimentazione e di rottura con la tradizione, per cui alcuni artisti brasiliani entrarono in contatto con questo fermento in terra straniera e portarono qui una freschezza artistica e uno sforzo per implementare una nuova forma d'arte, ispirata alle avanguardie europee.

Nomi chiave di questo periodo sono Lasar Segall (1891-1957) e Anita Malfatti (196-1964), che possono essere considerati i precursori dell'arte moderna nel Paese, tenendo mostre già negli anni Venti.

È importante dire che l'arte di Anita fu duramente criticata e fraintesa da gran parte dell'intellighenzia brasiliana, soprattutto da Monteiro Lobato, mentre Lasar Segall, essendo di origine straniera (Lituania), non subì molte critiche.

Settimana dell'arte moderna

Con tutto questo movimento, anche altri artisti stavano esplorando nuove direzioni nell'arte e nella letteratura.

Decidono quindi di organizzare una sorta di "festival", in cui presentare le loro produzioni più recenti: nasce così la "Settimana dell'arte moderna", o "Settimana del 22", come viene chiamata.

Manifesti della Settimana d'Arte Moderna, realizzati da Di Cavalcanti

L'evento faceva parte delle celebrazioni per i cento anni dell'indipendenza del Brasile nel 1922 e si tenne al Theatro Municipal de São Paulo dal 13 al 18 febbraio dello stesso anno.

L'intento degli artisti era quello di portare novità e sfidare gli standard prevalenti dell'arte, ancora molto conservatori e legati ai valori del XIX secolo.

Si trattava di una mostra che esponeva circa 100 opere d'arte e presentava spettacoli letterari e musicali. L'idea della Settimana è stata in realtà ispirata dalla manifestazione francese Festival delle feste di Deauville e aveva l'appoggio di Paulo Prado, un mecenate che riceveva il sostegno finanziario dei baroni del caffè.

Per saperne di più, leggete: Tutto sulla Settimana d'Arte Moderna.

Rappresentanti brasiliani dell'arte moderna

Numerosi sono stati gli artisti che hanno contribuito al consolidamento dell'arte moderna in Brasile, sia nelle arti visive che nella letteratura. Oltre ai pittori Anita Malfatti e Lasar Segall che erano già avanti in questo tipo di arte:

• Di Cavalcanti (1897-1976) - pittore, illustratore, scrittore e incisore. È stato una figura essenziale della Settimana dei 22, considerato il grande creatore.
• Vicente do Rego Monteiro (1899-1970) - Il pittore è uno dei primi a esplorare l'estetica cubista con temi caratteristici del Brasile, come i miti indigeni.
• Victor Brecheret (1894-1955) - uno dei più grandi nomi della scultura brasiliana. Fu influenzato da Auguste Rodin e le sue opere presentano elementi espressionisti e cubisti.
• Tarsila do Amaral (1886-1973) - pittrice e designer. Non partecipò alla Settimana dell'Arte Moderna perché si trovava in Francia per una mostra. Tuttavia, ebbe un ruolo fondamentale nel movimento modernista chiamato Antropofagia .
• Manuel Bandeira (1886-1968) - scrittore, insegnante e critico d'arte. La sua produzione letteraria ha portato innovazioni nel modo di esprimersi e ha inizialmente messo in discussione i poeti parnassiani. Il poema Le rane è stato recitato alla Semana de Arte Moderna.
• Mario de Andrade (1893-1945) - scrittore di spicco della prima generazione di modernisti brasiliani, la cui produzione valorizza l'identità e la cultura nazionale.
• Oswald de Andrade (1890-1954) - scrittore e drammaturgo. Una delle figure centrali del modernismo letterario, con uno stile irriverente e acido, che rivisita le origini del Brasile in modo interrogativo.
• Graça Aranha (1868-1931) - scrittore e diplomatico, contribuì a fondare l'Accademia brasiliana di lettere e svolse un ruolo fondamentale nella Settimana dell'arte moderna.
• Menotti Del Picchia (1892-1988) - scrittore, giornalista e avvocato. Nel 1917 ha pubblicato il romanzo Juca Mulato Nel 1922 partecipa alla Semana de Arte Moderna, coordinando la seconda serata dell'evento.
• Villa Lobos (1887-1959) - compositore e direttore d'orchestra. Uno dei più grandi musicisti brasiliani, con un grande riconoscimento anche a livello internazionale. Il suo debutto avvenne alla Semana de Arte Moderna, dove la sua opera non fu compresa dal pubblico.
• Giomar Novaes (1895-1979) - pianista. Partecipò anche alla Settimana dei 22 e fu respinta all'epoca. Tuttavia, costruì una solida carriera all'estero e fu una grande propagatrice della musica di Villa Lobos.

Potrebbero interessarti anche: Modernismo in Brasile e Importanti artisti della Settimana dell'Arte Moderna.

Arte moderna in Europa

L'arte moderna è apparsa per la prima volta in Europa in seguito ai tempi turbolenti che stava attraversando: era l'inizio di un nuovo secolo e il desiderio di cambiamento permeava la società e l'universo delle arti.

Si può pensare che gli impressionisti siano stati i primi a "inaugurare" l'arte moderna, poiché sperimentavano diversi modi di stampare la realtà sulla tela.

Tuttavia, sebbene siano stati fondamentali per lo sviluppo delle nuove avanguardie, essi rimasero fermi allo stesso obiettivo degli artisti conservatori: rappresentare il mondo nel modo più reale possibile, ma apportando innovazioni nel modo di esplorare le suore del colore, della luce e dell'inquadratura.

In quel periodo, il consolidamento della fotografia ha portato alcuni interrogativi e influenze nel campo delle arti.

I filoni che si sono susseguiti avevano l'intento di sovvertire idee, sensazioni e interrogativi attraverso opere che suggerivano nuove forme, colori e approcci.

Leggi anche: Modernismo: riassunto e contesto storico.

Movimenti e artisti dell'arte moderna

Espressionismo

Questo stile ha avuto origine in Germania, più precisamente nella città di Dresda. Nel 1904 gli artisti Ernst Kirchner (1880-1938), Erich Heckel (1883-1970) e Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976) crearono il gruppo La Brücke con la traduzione "Il ponte".

Opera espressionista Il cavaliere del circo (1913), di Ernst Kirchner

L'intenzione del collettivo era quella di imprimere alle proprie opere un carattere più sentimentale, esprimendo così le angosce e le emozioni che fiorivano nella società moderna agli inizi del XX secolo.

L'espressionismo fu anche un'opposizione al movimento precedente, l'impressionismo, che cercava solo di studiare i fenomeni ottici, di luce e colore, senza preoccuparsi delle questioni psicologiche dell'essere umano.

Importanti artisti che influenzarono fortemente questo movimento furono Vincent van Gogh (1853-1890) e Edvard Munch (1863-1944).

Fauvismo

Il fauvismo è un movimento nato da una mostra di giovani artisti a Parigi, nel 1905, e il nome più noto è quello di Henry Matisse (1869-1954).

Il tavolo da pranzo o Armonia in rosso (1908), di Henry Matisse

Alla mostra, le opere erano poco conosciute e, per questo motivo, i pittori venivano chiamati i fauves Questo perché i colori e le forme utilizzate erano poco o per nulla aderenti alla realtà.

Le caratteristiche principali di questa tendenza sono i colori intensi e puri e la mancanza di ombreggiature nelle figure.

Oltre a Matisse, altri nomi che rappresentano questa corrente sono: André Derain (1880-1954), Maurice de Vlaminck (1876-1958), Othon Friesz (1879-1949).

Il Fauvismo finì per influenzare notevolmente un nuovo modo di colorare e stampare gli oggetti d'arte, di design e di abbigliamento di oggi.

Il cubismo

Il Cubismo può essere considerato il movimento d'avanguardia che più ha trasformato l'arte del suo tempo. Sviluppato da Pablo Picasso (1881-1973) e Georges Braque (1883-1963), questo movimento mirava a riformulare il modo in cui figure e forme venivano visualizzate.

Le signore di Avignone (1907), di Pablo Picasso, è considerata la prima tela cubista.

Lo scopo del filone era quello di sovvertire la rappresentazione, presentando la realtà in modo tale da creare l'impressione che le forme fossero "aperte" e ne venissero mostrate tutte le angolazioni.

Ispirati dal pittore Paul Cézanne (1839-1906), che iniziò a dipingere semplificando i corpi e utilizzando molte forme cilindriche nelle sue tele, Picasso e Braque svilupparono il cubismo analitico e il cubismo sintetico.

Astrattismo o arte astratta

L'arte astratta mira a un tipo di espressione che non dialoga con il figurativismo. Il suo massimo esponente è stato il pittore russo Wassily Kandinsky (1866-1944).

Nell'astrattismo, l'intenzione è quella di creare immagini che esplorino forme, linee, colori e nunzi, senza il minimo impegno con la realtà. Così, nel 1910, Kandinsky crea la sua prima opera astratta, il dipinto Battaglia.

Battaglia (1910), di Kandinsky è considerata la prima opera astratta

In seguito sono emersi altri filoni dell'arte astratta: nell'astrattismo informale sono state valorizzate le sensazioni e i sentimenti, predominando forme più libere e organiche.

L'Astrattismo geometrico, invece, era costituito da composizioni più razionali e geometriche, il cui massimo esponente fu Piet Mondrian (1872-1974).

Futurismo

Il movimento futurista fu ideato dallo scrittore Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944), che scrisse il Manifesto futurista, al quale si ispirarono in seguito le arti plastiche, creando un documento rivolto principalmente alla pittura.

Velocità dell'automobile a V (1923), opera futurista di Giacomo Balla

In questa corrente, si apprezzavano la velocità, l'industria, le innovazioni tecnologiche che emergevano e si apprezzava l'idea del futuro e del progresso.

In pittura, i maggiori esponenti furono Umberto Boccioni (1882-1916), Carlo Carrà (1881-1966), Luigi Russolo (1885-1947), Giacomo Balla (1871-1958) e Gino Severini (1883-1966).

Dadaismo

Durante la Prima guerra mondiale (1914-1978), molti artisti e intellettuali non erano soddisfatti della direzione che stava prendendo il mondo, così alcuni di loro si rifugiarono in Svizzera, a Zurigo, e diedero vita a un movimento che metteva in discussione i nuovi tempi e l'incoerenza della guerra.

La fonte (1917), un'opera dadaista attribuita a Marcel Duchamp ha suscitato e suscita tuttora polemiche in ambito artistico.

Fu allora che nacque il movimento Dada, intitolato al poeta Tristan Tzara (1896-1963), che aprì un dizionario a caso e scelse il termine francese papà (che in portoghese significa "cavalinho").

Questo era un modo per rendere esplicito l'intento del gruppo, che era quello di mostrare tempi assurdi e illogici, poiché la razionalità sembrava essersi estinta dall'umanità di fronte agli orrori della guerra.

Uno dei grandi nomi del Dadaismo è Marcel Duchamp (1887-1868).

Altri nomi importanti sono Man Ray (1890-1976), Max Ernst (1891-1976) e Raoul Hausmann (1886-1971).

Surrealismo

Il poeta francese André Breton (1896-1966) creò un manifesto in cui difendeva l'automatismo psichico, un meccanismo che associava il processo creativo a manifestazioni dell'inconscio e del pungente.

Gli amanti (1928), di René Magritte, è un'opera del surrealismo

Per i surrealisti era più importante che fosse la mente subconscia a comandare ciò che sarebbe stato mostrato nelle opere, proponendo temi irrazionali, illogici e allucinatori.

Pertanto, le opere surrealiste hanno, quasi nella loro totalità, un'aura onirica, cioè portano scene che suggeriscono sogni.

Gli artisti che eccellevano in questo tipo di arte erano Salvador Dalí (1904-1989), Marc Chagall (1887-1985), Joan Miró (1893-1983) e Max Ernst (1891-1976).

Per saperne di più su altre opere surrealiste, leggere: Opere istigatrici del Surrealismo.

Caratteristiche dell'arte moderna

L'arte moderna aveva molti filoni e ognuno di essi si proponeva di vedere e analizzare un aspetto del suo tempo. Pertanto, le particolarità di queste avanguardie e le intenzioni degli artisti erano molto diverse.

Tuttavia, alcune qualità e attributi possono essere generalmente osservati nell'arte moderna europea e brasiliana.

Tutti questi artisti portavano con sé un intenso proposito di allontanarsi dall'arte tradizionale Hanno negato il conservatorismo e proposto innovazione sia nel modo di rappresentazione che nei temi affrontati.

Proprio per questo si sono lanciati nella sperimentazione e nell'improvvisazione, alla ricerca di un nuovo terreno creativo.

Potreste essere interessati anche a :