9 lucrări ale lui Michelangelo care arată tot geniul său

Michelangelo a fost unul dintre marile genii ale Renașterii italiene, iar până în ziua de azi numele său supraviețuiește ca fiind unul dintre cei mai mari și mai importanți artiști din toate timpurile. În cele ce urmează, vom analiza 9 dintre lucrările sale majore.

1. Madonna pe scări

Madona scărilor - 55,5 × 40 cm - Casa Buonarroti, Florența

Madona scărilor este un basorelief din marmură sculptat între anii 1490 și 1492. Lucrarea a fost terminată înainte ca Michelangelo să împlinească 17 ani și în timp ce încă studia în grădinile Medici din Florența cu Bertolo di Giovanni.

Acest basorelief o arată pe Fecioara așezată pe o scară, ținându-și în brațe și acoperindu-și fiul adormit cu o mantie.

Scările completează restul fundalului, iar în fundal, în partea de sus a acestor scări, vedem doi copii (putti) jucându-se, în timp ce un al treilea este întins pe balustradă.

Un al patrulea copil se află în spatele Fecioarei și îl va ajuta pe copilul culcat să întindă un cearșaf (aluzie la giulgiul patimilor lui Hristos) pe care îl țin amândoi în mână.

În această lucrare se remarcă moștenirea clasică, elenistică, romană, și în ea regăsim ideea de ataraxie (un concept al filosofiei epicureice) care constă în absența neliniștii spiritului.

Diferența dintre acest concept și apatie constă în faptul că în ataraxie nu există o negare sau eliminare a sentimentelor, ci se promovează fericirea prin încercarea de a găsi puterea de a depăși durerea și dificultățile.

Astfel, Fecioara este impasibilă în contemplarea viitoarei jertfe a fiului ei, nu pentru că nu suferă, ci pentru că trebuie să găsească modalități de a depăși cu stoicism această durere.

Pentru a realiza acest basorelief, Michelangelo s-a folosit de o tehnică a lui Donatello (1386 - 1466, sculptor renascentist italian), "sticiatto" (aplatizat).

2. centauromachia

Centauromachia - 84,5 × 90,5 cm - Casa Buonarroti, Florența

Realizat după Madona scării, Centauromachia (Bătălia centaurilor) este un relief din marmură executat în jurul anului 1492, când Michelangelo studia încă în grădinile familiei Medici.

Acesta descrie bătălia dintre centauri și lapizi, când, în timpul căsătoriei dintre prințesa Hippodamia și Pyrhitoo (regele lapizilor), unul dintre centauri a încercat să o răpească pe prințesă, ceea ce a dus la bătălia dintre cele două părți.

Trupurile sunt contorsionate și încurcate, ceea ce face dificilă distincția dintre ele. Unele sunt încurcate în altele, altele sunt la pământ, înfrânte, toate transmit urgența și disperarea unei bătălii.

Cu această lucrare, tânărul Michelangelo își asumă deja obsesia pentru nud, deoarece pentru el frumusețea umană era o expresie a divinității și, prin urmare, a contempla o lucrare care reprezintă această frumusețe prin nuditate înseamnă a contempla excelența lui Dumnezeu.

Acest relief este intenționat neterminat, lucru caracteristic operei lui Michelangelo, care își asumă astfel caracterul incomplet ca o categorie estetică, "non finito".

Aici, doar unele părți ale corpului (mai ales trunchiurile figurinelor) sunt lucrate și lustruite, în timp ce capetele și picioarele sunt incomplete.

3. pietà

Pietà - 1,74 m x 1,95 m - Basilica di San Pietro, Vatican

Din cauza impactului pe care l-a avut moartea lui Lorenzo de' Medici în 1492, Michelangelo a părăsit Florența pentru Veneția și apoi pentru Bologna, revenind la Florența abia în 1495, dar îndreptându-se imediat spre Roma.

Și tot la Roma, în 1497, cardinalul francez Jean Bilhères de Lagraulas l-a însărcinat pe artist să creeze o Pietà din marmură pentru Basilica di San Pietro din Vatican.

Pietà a lui Michelangelo este o sculptură în marmură executată între anii 1498 și 1499 și reprezintă una dintre cele mai mari abordări în domeniul artei pentru a atinge perfecțiunea completă.

Aici, Michelangelo rupe cu convenționalul și decide să o reprezinte pe Fecioară mai tânără decât fiul ei. Incredibil de frumoasă, ea îl ține pe Hristos întins mort pe picioarele ei.

Ambele figuri transmit seninătate, iar Fecioara resemnată contemplă trupul neînsuflețit al fiului ei. Trupul lui Hristos este perfect din punct de vedere anatomic, iar drapajul este lucrat la perfecție.

În opoziție cu "non finito", această sculptură este "finito" prin excelență. Întreaga lucrare este excepțional de lustruită și finisată, iar cu ea Michelangelo a atins poate adevărata perfecțiune.

Artistul a fost atât de mândru de această sculptură încât și-a gravat semnătura (aceasta fiind singura marmură semnată de Michelangelo) pe panglica care împarte pieptul fecioarei, cu cuvintele: "Michael Angelus Bonarotus Floren. faciebat".

Aflați totul despre sculptura Pietà.

4. David

David - Galleria dell'Accademia, Florența

În 1501, Michelangelo s-a întors la Florența și din această întoarcere s-a născut David, o sculptură în marmură de peste 4 metri, realizată între 1502 și 1504.

Aici, reprezentarea lui David este făcută înainte de confruntarea cu Goliat, astfel că Michelangelo inovează prin reprezentarea personajului nu victorios, ci plin de furie și dispus să se confrunte cu asupritorul său.

Davi este un exemplu fascinant al forței motrice din spatele operei acestui artist, atât prin alegerea nudului complet, cât și prin turbulența interioară pe care figura o lasă să transpire.

Această sculptură a devenit pentru orașul Florența un simbol al triumfului democrației împotriva puterii familiei Medici.

A se vedea analiza mai detaliată a lucrării de către Davi.

5 Tondo Doni

Michelangelo și Leonardo da Vinci au fost cele mai mari și mai expresive nume care au ieșit din Renașterea italiană. Chiar și astăzi, operele lor inspiră și provoacă admirație, dar în viață și fiind contemporani, cei doi nu au fost niciodată de acord și s-au ciocnit de mai multe ori.

Tondo Doni - 120 cm -

Galleria degli Uffizi, Florența

Unul dintre motivele principale ale conflictului dintre cei doi artiști a fost disprețul declarat al lui Michelangelo pentru pictură, în special pentru pictura în ulei, pe care o considera potrivită doar pentru femei.

Pentru el, adevărata artă era sculptura, pentru că numai prin forță fizică se putea atinge excelența.

Sculptura era masculină, nu permitea greșeli, nu permitea revizuiri, spre deosebire de pictura în ulei, tehnica preferată de Leonardo, care permitea executarea picturii în straturi, precum și corecții constante.

Pentru Michelangelo, în pictură, doar tehnica frescei se apropia de primatul sculpturii, deoarece, fiind o tehnică executată pe o bază proaspătă, necesita precizie și rapiditate, nepermițând erori sau corecturi.

Prin urmare, nu este surprinzător faptul că în una dintre puținele lucrări de pictură mobilă atribuite artistului, Tondo Doni, acesta a folosit tehnica tempera pe panou în "tondo" (cerc).

Această lucrare a fost realizată între 1503 și 1504 și înfățișează o familie sfântă neconvențională.

Pe de o parte, mâna stângă a Fecioarei pare să încerce să apuce sexul fiului ei, iar pe de altă parte, în jurul familiei din prim-plan se află mai multe figuri goale.

Aceste figuri, "Ignudi", adolescenții de aici, vor fi mai târziu reprezentate din nou într-o altă lucrare a lui Michelangelo (pe tavanul Capelei Sixtine), dar cu un aspect mai adult.

6. Frescele din Capela Sixtină

Capela Sixtină

În 1508, Michelangelo a început una dintre cele mai remarcabile lucrări ale sale, la cererea Papei Iulius al II-lea, care îl chemase la Roma cu ani în urmă pentru ca artistul să-i proiecteze și să-i realizeze mormântul.

Cunoscându-i disprețul față de pictură, Michelangelo a acceptat lucrarea împotriva voinței sale, iar în timpul acesteia a scris mai multe scrisori în care își arăta nemulțumirea.

Cu toate acestea, frescele din Capela Sixtină reprezintă o realizare impresionantă care încă uimește și impresionează lumea de astăzi.

Plafonul

Plafonul Capelei Sixtine - 40 m x 14 m - Vatican

Între 1508 și 1512, Michelangelo a pictat tavanul Capelei, o lucrare intensivă, în care și-a însușit atât tehnica "buon fresco", cât și cea a desenului.

Pentru această tehnică este nevoie de tencuială umedă pentru a fi pictată, ceea ce înseamnă că procesul trebuie să fie rapid și că nu pot exista corecții sau repictări.

Prin urmare, este impresionant să ne imaginăm că, timp de 4 ani, artistul a pictat figuri colosale și colorate, culcate, într-un spațiu de aproximativ 40 pe 14 metri, bazându-se doar pe desenul său.

A suferit din cauza produsului picurător care îi afecta vederea, precum și din cauza izolării și a disconfortului poziției în care lucra. Dar rezultatul acestor sacrificii este una dintre cele mai mari realizări în domeniul picturii.

Tavanul este împărțit în 9 panouri, separate de o arhitectură falsă pictată, care înfățișează scene din cartea Genezei, de la începuturile istoriei omului până la venirea lui Hristos, Hristos nefiind reprezentat în tavan.

Primul panou reprezintă separarea luminii de întuneric; al doilea reprezintă crearea soarelui, a lunii și a planetelor; al treilea reprezintă separarea pământului de mare.

Al patrulea povestește crearea lui Adam; al cincilea este crearea Evei; în al șaselea vedem expulzarea lui Adam și a Evei din paradis.

Al șaptelea reprezintă sacrificiul lui Noe; al optulea, potopul universal; iar al nouălea și ultimul, beția lui Noe.

Pe părțile laterale ale panourilor sunt reprezentați alternativ 7 profeți (Zaharia, Ioel, Isaia, Ezechiel, Daniel, Ieremia și Iona) și 5 sibile (delfică, eritreeană, cumană, persană și libiană).

Încadrarea a 5 din cele 9 panouri din tavan este reprezentată de "ignudi", douăzeci de figuri masculine complet dispărute, în seturi de câte 4 pe panou.

În cele patru colțuri ale tavanului sunt reprezentate, de asemenea, cele patru mari salvări ale lui Israel.

Ceea ce iese cel mai mult în evidență în această compoziție impresionantă de corpuri umane încadrate de arhitectură și chiar de sculpturi false care spun povești, este expresivitatea, vivacitatea și energia pe care le transmit.

Trupuri musculoase, masculine (chiar feminine), contorsionate și colorate se răspândesc în spațiu în mișcări capturate pentru eternitate și care vor avea o influență atât de mare asupra tendințelor și artiștilor care se vor naște după realizarea sa.

Judecata de Apoi

Judecata de Apoi - 13,7 m x 12,2 m - Capela Sixtină, Vatican

În 1536, la mai mult de douăzeci de ani după ce plafonul a fost finalizat, Michelangelo s-a întors în Capela Sixtină, de data aceasta pentru a picta peretele altarului.

După cum sugerează și numele, aici este reprezentată Judecata de Apoi, într-o compoziție picturală de aproximativ 400 de corpuri pictate inițial, toate nud, inclusiv Fecioara și Hristos.

Acest fapt a dus la o mare controversă timp de ani de zile, care s-a încheiat cu acoperirea părților intime ale figurilor de către un alt pictor, în timp ce Michelangelo era încă în viață.

Michelangelo a pictat această lucrare de proporții din nou colosale, care are deja peste șaizeci de ani.

Poate din această cauză, sau din cauza deziluziei și a pasiunilor turbulente care l-au chinuit, sau poate din cauza tuturor lucrurilor și a contextului istoric, această lucrare este atât de diferită de frescele de pe tavan.

În centru se află figura lui Hristos ca judecător teribil care domină compoziția.

La picioarele sale, Sfântul Bartolomeu își ține cu mâna stângă propria piele jupuită în actul martirajului său, iar pe fața acestei piei căzute și zbârcite, Michelangelo și-a pictat propriile trăsături.

Alături de Hristos, Fecioara ascunde fața fiului ei și pare să refuze să privească sufletele condamnate care sunt aruncate în iad.

Vezi analiza mai detaliată a frescelor din Capela Sixtină.

Mormântul lui Iulius al II-lea

Mormântul lui Iulius al II-lea - San Pietro in Vincoli, Roma

În 1505, Michelangelo a fost chemat la Roma de Papa Iulius al II-lea, care i-a comandat un mormânt. Inițial, viziunea sa a fost aceea a unui mare mausoleu, ceea ce l-a încântat foarte mult pe artist.

Dar, dincolo de măreția întreprinderii, Papa, cu o personalitate nestatornică, a decis că vrea să fie înmormântat în Capela Sixtină.

Pentru aceasta, Capela a avut nevoie de mai multe retușuri, inclusiv de pictura tavanului și a altarului, de aceea Michelangelo a fost "obligat" să picteze mai întâi frescele menționate mai sus în Capela Sixtină, după cum am văzut deja.

Dar proiectul inițial pentru mormântul papei avea să sufere modificări și concesii suplimentare. Mai întâi, odată cu moartea papei, în 1513, proiectul s-a văzut redus, iar apoi și mai mult atunci când viziunea lui Michelangelo s-a ciocnit cu ideile moștenitorilor papei.

Un al treilea contract a fost întocmit în 1516, dar proiectul a suferit încă două modificări, în 1526 și apoi în 1532. Rezoluția finală a stabilit că mormântul va consta doar dintr-o fațadă, precum și schimbarea locației în biserica San Pietro in Vincoli din Roma.

Moses

Mormântul lui Iulius al II-lea - detaliu al lui Moise

În ciuda tuturor piedicilor legate de acest mormânt și a faptului că, în cele din urmă, puțin din ceea ce fusese visat pentru conceperea lui a fost realizat, Michelangelo a lucrat intens la el timp de trei ani.

Astfel, între 1513 și 1515, Michelangelo a sculptat unele dintre cele mai impresionante lucrări din cariera sa, iar una dintre ele, Moise, este cea care astăzi reclamă o vizită din partea celor care călătoresc la San Pietro pentru a vedea mormântul.

Moise este una dintre sculpturile care rivalizează în perfecțiune cu Pièta de la Vatican și, împreună cu altele, cum ar fi prizonierii sau sclavii, erau destinate să decoreze mormântul parietal.

În această sculptură, curajul și aspectul teribil al figurii (Terribilità) ies în evidență, deoarece, la fel ca David, posedă o viață interioară intensă, o forță care transcende piatra din care a fost extrasă figura.

Impunându-și și mângâindu-și barba lungă și detaliată, Moise pare să asigure prin privirea și expresia sa că toți cei care nu se conformează vor fi pedepsiți, căci nimic nu scapă de mânia divină.

Prizonieri sau sclavi

Sclavul muribund și sclavul rebel - Louvre, Paris

Împreună cu Moise, o serie de sculpturi cunoscute sub numele de Prizonieri sau Sclavi, a rezultat din această perioadă de muncă intensă.

Două dintre aceste lucrări sunt terminate, Sclavul muribund și Sclavul rebel, care se află la Louvre, la Paris, și care urmau să fie amplasate pe pilaștrii de la etajul inferior.

Dintre acestea, se remarcă senzualitatea sclavului muribund și poziția sa de acceptare, nu de rezistență în fața morții.

Între timp, sclavul rebel, cu chipul necizelat și corpul contorsionat și într-o poziție instabilă, pare să se împotrivească morții, refuzând să se supună, împingându-și calea spre ieșirea din închisoare.

Prizonieri sau sclavi - Galleria dell'Accademia, Florența

Din această perioadă au rezultat alte patru lucrări, care glorifică "non finito". Puterea expresivă este impresionantă în aceste lucrări, deoarece vedem cum artistul a eliberat figurile din blocurile masive de piatră.

Și, lăsându-le neterminate, ele sfârșesc prin a funcționa ca alegorii pentru una dintre temele care au însoțit și chinuit întreaga operă și viață a lui Michelangelo: corpul ca închisoare a sufletului.

În ciuda faptului că este cel mai frumos dintre toate, corpul, materia, era pentru el o închisoare pentru spirit, așa cum blocurile de marmură erau închisori pentru figurile pe care le elibera cu dalta sa.

Cu acest grup de patru sculpturi vedem această luptă purtată și cât de dureroasă pare a fi această întemnițare pentru figurile care se acoperă sau se contorsionează cu greutatea sau disconfortul acestei robii a sufletului.

Mormintele lui Lorenzo de' Medici și Giuliano de' Medici

Mormântul lui Lorenzo de' Medici - 630 x 420 cm - Capela Medici, Bazilica San Lorenzo, Florența

În 1520, Michelangelo a fost angajat de Leon al X-lea și de vărul său și viitorul papă Clement al VII-lea, Giulio de' Medici, pentru a realiza o capelă funerară la San Lorenzo din Florența, care să conțină mormintele lui Lorenzo și Giuliano de' Medici.

La început, proiectele l-au entuziasmat pe artist, care s-a străduit cu ardoare să le poată realiza pe toate odată, dar pe parcurs au apărut diverse probleme și, la fel ca în cazul mormântului lui Iulius al II-lea, și în cazul acestora, ceea ce fusese visat inițial s-a pierdut pe drum.

Ideea lui Michelangelo a fost de a crea o comuniune între sculptură, arhitectură și pictură, dar picturile pentru morminte nu au fost niciodată finalizate.

Mormântul lui Giuliano de' Medici - 630 x 420 cm -

Capela Medici, Bazilica San Lorenzo, Florența

În timp ce lucra la mormintele familiei Medici, în Florența a izbucnit o revoluție împotriva acestora, iar Michelangelo și-a întrerupt lucrările și s-a alăturat rebelilor.

Dar când revolta a fost zdrobită, papa l-a grațiat cu condiția să își reia activitatea, și astfel Michelangelo s-a întors să lucreze pentru cei împotriva cărora se revoltase.

În cele din urmă, când Michelangelo a părăsit definitiv Florența în 1524 pentru Roma, lucrarea a rămas incompletă, iar sculpturile pe care le realizase au fost puse mai târziu de alții la locul lor în Capela Medici.

Ceea ce ne-a parvenit până în prezent sunt două morminte parietale gemene, plasate față în față în capelă: pe de o parte, cel al lui Lorenzo, în care acesta este reprezentat într-o poziție pasivă, contemplativă, gânditoare, ceea ce apropie figura de modul în care a trăit adevăratul Lorenzo de' Medici.

De cealaltă parte, Giuliano, în vremea sa un soldat glorios, este reprezentat activ, în armură și înzestrat cu mișcare. Piciorul stâng pare să vrea să ridice figura colosală și puternică.

La poalele ambelor se află două alegorii, Night and Day (Mormântul lui Lorenzo de' Medici), Twilight and Dawn (Mormântul lui Giuliano de' Medici).

Ziua și Zorii sunt figurile masculine, iar Noaptea și Amurgul sunt figurile feminine, iar fețele alegoriilor masculine sunt neterminate, nefinisate.

9. Ultimele Pietàs

Pietà - 226 cm, Muzeul Opera del Duomo, Florența

Michelangelo a ajuns în ultimii ani ai vieții sale având forță fizică și nevoia de a munci, dar spiritul său purta numeroase regrete și chinuri.

Pentru că a ajuns la concluzia că o parte din viața sa a urmărit un ideal greșit, idealul de frumusețe și perfecțiune în artă și ideea că prin această artă se poate ajunge la Dumnezeu.

Astfel, ultimii ani ai vieții sale se concentrează pe cealaltă pasiune a sa, cea divină, și poate că acesta este motivul pentru care ultimele sale lucrări au aceeași temă și au rămas neterminate.

Pietà și Pietà Rondanini sunt două marmuri neterminate, iar Rondanini, în special, este profund expresivă și tulburătoare.

Ca o alegorie a întregii suferințe și a spiritului turbulent pe care Michelangelo l-a purtat toată viața sa, și mai ales în acei ultimi ani de viață și creație, el a sculptat chipul Fecioarei care își poartă fiul mort, în Pietà Rondanini, cu propriile sale lovituri.

Renunțând astfel la idealul de frumusețe umană care îl urmărise toată viața și spunând prin această lucrare că numai în abandonul total în fața lui Dumnezeu se poate găsi fericirea și pacea.

În 1564, Michelangelo a murit la vârsta de 89 de ani, păstrându-și până la sfârșit abilitățile fizice și mentale.

Papa își exprimase dorința de a-l înmormânta la San Pietro din Roma, dar Michelangelo a precizat înainte de a muri că dorea să fie înmormântat la Florența, de unde plecase în 1524, revenind astfel în orașul său doar după moarte.

De asemenea, cunoașteți