9 verk av Michelangelo som visar hela hans genialitet

Michelangelo var ett av den italienska renässansens stora genier, och än i dag är hans namn en av de största och viktigaste konstnärerna genom tiderna. Här ska vi titta på nio av hans viktigaste verk.

1. trappa Madonna

Trappans madonna - 55,5 × 40 cm - Casa Buonarroti, Florens

Trappans madonna är ett basrelief i marmor som utfördes mellan 1490 och 1492. Verket färdigställdes innan Michelangelo var 17 år och medan han fortfarande studerade i Medici-trädgården i Florens tillsammans med Bertolo di Giovanni.

Denna basrelief visar Jungfrun som sitter på en trappa och håller sin sovande son i handen och täcker honom med en mantel.

Trappor kompletterar resten av bakgrunden och i bakgrunden, högst upp i trappan, ser vi två barn (putti) som leker, medan ett tredje barn ligger på ledstången.

Ett fjärde barn står bakom jungfrun och hjälper det liggande barnet att sträcka ut ett lakan (som en anspelning på Kristi lidandets sjal) som de båda håller i handen.

I detta verk framträder det klassiska, hellenistiska och romerska arvet, och i det finner vi idén om ataraxia (ett begrepp i epikurisk filosofi) som består av frånvaro av rastlöshet i själen.

Skillnaden mellan detta begrepp och apati är att ataraxi inte förnekar eller eliminerar känslor, utan främjar lycka genom att försöka hitta styrka att övervinna smärta och svårigheter.

Jungfrun är alltså orörlig när hon betraktar sin sons framtida offer, inte för att hon inte lider, utan för att hon måste hitta sätt att övervinna denna smärta på ett stoiskt sätt.

För att göra detta basrelief använde Michelangelo sig av en teknik som Donatello (1386-1466, italiensk renässansskulptör) använde sig av, nämligen "sticiatto" (tillplattad).

2. centauromachia

Centauromachia - 84,5 × 90,5 cm - Casa Buonarroti, Florens

Centauromachia (Kentaurernas strid), som är en marmorrelief som skapades efter Madonnan i trappan, är en marmorrelief som utfördes omkring 1492, när Michelangelo fortfarande studerade i Medici-trädgården.

Den skildrar striden mellan kentaurerna och lapiderna, då en av kentaurerna försökte kidnappa prinsessan Hippodamia och Pyrhitoo (lapidernas kung) under bröllopet, vilket ledde till striden mellan parterna.

Kropparna är förvridna och sammanflätade, vilket gör det svårt att se vem som är vem. Vissa är invecklade i andra, andra ligger på marken i nederlag, men alla förmedlar stridens brådska och desperation.

Med detta verk börjar den unge Michelangelo redan sin besatthet av nakenbilder, eftersom mänsklig skönhet för honom var ett uttryck för det gudomliga och därför är det att betrakta ett verk som representerar denna skönhet genom nakenhet detsamma som att betrakta Guds förträfflighet.

Reliefen är avsiktligt ofullbordad, något som är karakteristiskt för Michelangelos verk, som därmed antar ofullständigheten som en estetisk kategori, "non finito".

Här är endast delar av kropparna (främst figurernas stammar) bearbetade och polerade, medan huvuden och fötter är ofullständiga.

3. pietà

Pietà - 1,74 m x 1,95 m - Basilica di San Pietro, Vatikanen

På grund av effekterna av Lorenzo de' Medici's död 1492 lämnade Michelangelo Florens för Venedig och senare Bologna. Han återvände till Florens först 1495, men tog sig genast till Rom.

Och det var i Rom som den franske kardinalen Jean Bilhères de Lagraulas 1497 gav konstnären i uppdrag att skapa en Pietà i marmor till Basilica di San Pietro i Vatikanen.

Michelangelos Pietà är en marmorskulptur som utfördes mellan åren 1498 och 1499 och är en av de största tillvägagångssätten inom konsten för att uppnå fullständig perfektion.

Här bryter Michelangelo med det konventionella och bestämmer sig för att föreställa jungfrun yngre än sin son. Hon är otroligt vacker och håller Kristus liggande död på sina ben.

Båda figurerna förmedlar lugn, och den resignerade jungfrun betraktar sin sons livlösa kropp. Kristi kropp är anatomiskt perfekt och draperiet är perfekt utfört.

I motsats till "non finito" är denna skulptur "finito" par excellence. Hela verket är exceptionellt polerat och färdigt, och med det har Michelangelo kanske uppnått sann perfektion.

Konstnären var så stolt över denna skulptur att han ristade in sin signatur (detta är den enda marmor som Michelangelo har signerat) på bandet som delar jungfruns bröst med orden: "Michael Angelus Bonarotus Floren. faciebat".

Ta reda på allt om Pietà-skulpturen.

4. David

David - Galleria dell'Accademia, Florens

År 1501 återvände Michelangelo till Florens och från denna återkomst föddes David, en över fyra meter lång marmorskulptur som gjordes mellan 1502 och 1504.

Här är David avbildad före konfrontationen med Goliat, och Michelangelo är innovativ genom att avbilda figuren inte som segrare, utan full av ilska och villig att konfrontera sin förtryckare.

Davi är ett fascinerande exempel på den drivande kraften bakom konstnärens arbete, både i valet av hel naken och i den inre turbulens som figuren låter framträda.

Denna skulptur blev en symbol för staden Florens för demokratins seger över Medici-makten.

Se Davis mer detaljerade analys av verket.

5 Tondo Doni

Michelangelo och Leonardo da Vinci var de två största och mest uttrycksfulla namnen från den italienska renässansen. Än i dag inspirerar och väcker deras verk beundran, men i livet och som samtida var de två aldrig överens och drabbade flera gånger samman.

Tondo Doni - 120 cm -

Galleria degli Uffizi, Florens

En av de viktigaste orsakerna till konflikten mellan konstnärerna var Michelangelos uttalade förakt för måleri, särskilt oljemålning, som han ansåg vara något som endast var lämpligt för kvinnor.

För honom var skulpturen den sanna konsten, eftersom det var endast genom fysisk styrka som man kunde uppnå högsta kvalitet.

Skulptur var maskulin och tillät inga misstag eller revideringar, till skillnad från oljemålning, Leonardos favoritteknik, som tillät att målningen utfördes i flera lager och som också möjliggjorde ständiga korrigeringar.

För Michelangelo var det bara freskomålningen som var nära skulpturens företräde, eftersom den var en teknik som utfördes på en ny grund och krävde precision och snabbhet, utan möjlighet till fel eller korrigeringar.

Det är därför inte förvånande att han i ett av de få rörliga målningar som tillskrivs konstnären, Tondo Doni, använde sig av tempera på panel i "tondo" (cirkel).

Detta verk gjordes mellan 1503 och 1504 och föreställer en okonventionell helig familj.

Å ena sidan tycks jungfruns vänstra hand försöka greppa sin sons kön, å andra sidan finns flera nakna figurer runt familjen i förgrunden.

Dessa figurer, "Ignudi", ungdomar här, kommer senare att återkomma i ett annat verk av Michelangelo (på taket i Sixtinska kapellet), men med ett mer vuxet utseende.

6. Fresker från det Sixtinska kapellet.

Sixtinska kapellet

År 1508 påbörjade Michelangelo ett av sina mest anmärkningsvärda arbeten på begäran av påven Julius II, som hade kallat honom till Rom flera år tidigare för att konstnären skulle rita och förverkliga hans grav.

Eftersom Michelangelo kände till sitt förakt för måleri var det mot hans vilja som han accepterade verket och under tiden skrev han flera brev där han visade sitt missnöje.

Freskerna i Sixtinska kapellet är dock en imponerande bedrift som fortfarande förblindar och imponerar på världen i dag.

Taket

Taket i Sixtinska kapellet - 40 m x 14 m - Vatikanen

Mellan 1508 och 1512 målade Michelangelo taket i kapellet, ett intensivt arbete där han behärskade tekniken för både "buon fresco" och teckning.

Denna teknik kräver att våt gips målas, vilket innebär att processen måste vara snabb och att det inte får göras några korrigeringar eller ommålningar.

Det är därför imponerande att föreställa sig att konstnären under fyra år målade kolossala och färgglada figurer liggande på en yta på cirka 40 gånger 14 meter, och att han enbart använde sig av sin teckning.

Han led av den droppande produkten som påverkade hans syn och av isoleringen och obehaget i den position han arbetade i. Men resultatet av dessa uppoffringar är en av de största prestationerna inom måleriet.

Taket är uppdelat i nio paneler som är åtskilda av målade falska arkitekturer. Dessa paneler visar scener från Första Moseboken, från människans begynnelse till Kristi ankomst, utan att Kristus är representerad i taket.

Den första panelen föreställer ljuset som skiljs från mörkret, den andra skildrar skapandet av solen, månen och planeterna och den tredje föreställer jorden som skiljs från havet.

Den fjärde berättar om Adams skapelse, den femte om Evas skapelse och den sjätte om Adam och Eva som fördrivs från paradiset.

Den sjunde representerar Noas offer, den åttonde den universella översvämningen och den nionde och sista Noas berusning.

På sidorna av panelen finns växelvis sju profeter (Sakarja, Joel, Jesaja, Hesekiel, Daniel, Jeremia och Jona) och fem sibyller (delfiska, eritreanska, kumanska, persiska och libyska).

Fem av de nio takpanelerna är inramade av "ignudi", tjugo helt avfärdade manliga figurer, i uppsättningar om fyra per panel.

I takets fyra hörn är också de fyra stora räddningarna av Israel avbildade.

Det som sticker ut mest i denna imponerande komposition av mänskliga kroppar inramade av arkitektur och även falska skulpturer som berättar historier, är den uttrycksfullhet, livlighet och energi som de förmedlar.

Muskulösa, maskulina (även feminina), förvridna och färgglada kroppar sprider sig i rummet i rörelser som fångats för evigt och som skulle få ett sådant inflytande på trender och konstnärer som föddes efter det att den skapades.

Den sista domen

Den sista domen - 13,7 m x 12,2 m - Sixtinska kapellet, Vatikanen

År 1536, mer än tjugo år efter att taket var färdigt, återvände Michelangelo till Sixtinska kapellet, denna gång för att måla altarväggen.

Som namnet antyder är den sista domen föreställd här i en bildkomposition av cirka 400 kroppar som ursprungligen alla var nakna, inklusive jungfrun och Kristus.

Detta faktum ledde till en stor kontrovers i flera år, som slutade med att en annan målare täckte figurernas intima delar, medan Michelangelo fortfarande levde.

Michelangelo målade detta verk av återigen kolossala proportioner, som redan är över sextio år gammalt.

Kanske på grund av detta, eller på grund av den besvikelse och de turbulenta passioner som plågade honom, eller kanske på grund av allting och det historiska sammanhanget också, är detta verk så annorlunda än takfreskerna.

I mitten står Kristus som den fruktansvärda domaren och dominerar kompositionen.

Vid sina fötter håller den helige Bartholomeus med sin vänstra hand sin egen hud som flåtts i martyrskapet, och på denna fallna och rynkiga hud har Michelangelo målat sina egna drag.

Vid Kristi sida döljer jungfrun sin sons ansikte och tycks vägra att se på när de dömda själarna kastas i helvetet.

Se den mer detaljerade analysen av freskerna i Sixtinska kapellet.

Julius II:s grav

Julius II:s grav - San Pietro in Vincoli, Rom

År 1505 kallades Michelangelo till Rom av påven Julius II som beställde hans grav. Till en början var hans vision ett stort mausoleum, vilket gladde konstnären mycket.

Men utöver det storslagna företaget beslutade påven, som var en nyckfull personlighet, att han ville bli begravd i Sixtinska kapellet.

För detta behövde kapellet först flera efterbehandlingar, inklusive målning av taket och altaret, och därför var Michelangelo först "tvungen" att måla de tidigare nämnda freskerna i Sixtinska kapellet, som vi redan har sett.

Men det ursprungliga projektet för påvens grav skulle komma att genomgå ytterligare ändringar och eftergifter. Först när påven dog 1513 blev projektet reducerat, och sedan ännu mer när Michelangelos vision kolliderade med de idéer som påvens arvingar hade.

Ett tredje kontrakt upprättades 1516, men projektet genomgick ytterligare två ändringar 1526 och 1532. I det slutliga beslutet fastställdes att graven endast skulle bestå av en fasad, och platsen ändrades till kyrkan San Pietro in Vincoli i Rom.

Moses

Julius II:s grav - detalj av Moses

Trots alla motgångar i samband med denna grav och trots att det till slut inte blev mycket av det som man hade drömt om för att skapa den, arbetade Michelangelo intensivt med den i tre år.

Mellan 1513 och 1515 skulpterade Michelangelo några av de mest slående verken i sin karriär, och ett av dem, Moses, är det som i dag är det som kräver ett besök av dem som reser till San Pietro för att se graven.

Moses är en av de skulpturer som i perfektion konkurrerar med Pièta i Vatikanen, och tillsammans med andra, som fångarna eller slavarna, var den tänkt att dekorera den parietala graven.

I denna skulptur framträder figurens mod och fruktansvärda utseende (Terribilità), för liksom David har den ett intensivt inre liv, en styrka som överskrider den sten som figuren är hämtad ur.

Med sin blick och sitt uttryck, som han stryker över sitt långa, detaljerade skägg, tycks Moses försäkra att alla som inte gör det kommer att straffas, för ingenting undgår den gudomliga vreden.

Fångar eller slavar

Den döende slaven och den rebelliska slaven - Louvren, Paris

Tillsammans med Moses uppstod under denna arbetsintensiva period en serie skulpturer som kallas Prisoners or Slaves (fångar eller slavar).

Två av dessa verk är färdiga, den döende slaven och den upproriska slaven, och finns på Louvren i Paris. De skulle placeras på pilastrarna på den nedre våningen.

Bland dessa utmärker sig den döende slavens sensualitet och hans hållning av acceptans, inte motstånd inför döden.

Samtidigt verkar rebellslaven, med opolerat ansikte och förvrängd kropp och i en ostadig position, stå emot döden, vägra att underkasta sig och pressa sig ut ur fängelset.

Fångar eller slavar - Galleria dell'Accademia, Florens

Fyra andra verk är resultatet av den här perioden och dessa förhärligar "non finito". Den uttrycksfulla kraften är imponerande i dessa verk, eftersom vi ser hur konstnären frigjorde figurerna från de massiva stenblocken.

Genom att lämna dem oavslutade fungerar de som allegorier för ett av de teman som har följt och plågat Michelangelo under hela hans arbete och liv: kroppen som själens fängelse.

Trots att kroppen, materien, var den vackraste av alla, var den för honom ett fängelse för anden, precis som marmorblocken var fängelser för de figurer som han frigjorde med sin mejsel.

I den här gruppen av fyra skulpturer ser vi hur denna kamp utkämpas och hur smärtsamt detta fängslande verkar vara för figurerna som täcker eller vrider sig med tyngden eller obehaget av detta själens slaveri.

Lorenzo de' Medicis och Giuliano de' Medicis gravar

Lorenzo de' Medici's grav - 630 x 420 cm - Medici-kapellet, Basilica di San Lorenzo, Florens

År 1520 anlitades Michelangelo av Leo X och hans kusin och blivande påve Clemens VII, Giulio de' Medici, för att bygga ett gravkapell i San Lorenzo i Florens som skulle innehålla Lorenzo och Giuliano de' Medicis gravar.

Till att börja med var projekten spännande för konstnären, som ivrigt såg till att han kunde förverkliga dem alla samtidigt, men olika problem uppstod på vägen och precis som för Julius II:s grav, gick det som ursprungligen var drömt om förlorat på vägen även för dessa projekt.

Michelangelos idé var att skapa en gemenskap mellan skulptur, arkitektur och måleri, men målningarna till gravarna blev aldrig färdiga.

Giuliano de' Medicis grav - 630 x 420 cm -

Medici-kapellet, San Lorenzo-basilikan, Florens

När Michelangelo arbetade med Medici-gravarna utbröt en revolution i Florens mot dem och Michelangelo avbröt sitt arbete och ställde sig på rebellernas sida.

Men när revolten krossades benådade påven honom på villkor att han återupptog sitt arbete, och Michelangelo återgick till att arbeta för dem som han hade revolterat mot.

När Michelangelo lämnade Florens för gott 1524 för att åka till Rom lämnades verket ofullständigt och skulpturerna som han hade gjort sattes senare av andra på sina rätta platser i Medici-kapellet.

Det som hittills har kommit till vår kännedom är två parietala tvillinggravar som är placerade mitt emot varandra i kapellet. På den ena sidan finns Lorenzos grav, där han är avbildad i en passiv, kontemplativ ställning, i en tankeverksamhet, vilket gör att figuren närmar sig den verkliga Lorenzo de' Medici.

På den andra sidan är Giuliano, som på sin tid var en ärofull soldat, aktivt representerad, i rustning och med rörelseförmåga. Vänsterbenet verkar vilja lyfta den kolossala och kraftfulla figuren.

Vid foten av båda ligger två allegorier, Natt och dag (Lorenzo de' Medici's grav) och Skymning och gryning (Giuliano de' Medici's grav).

Dag och gryning är de manliga figurerna och natt och skymning är de kvinnliga, och de manliga allegoriernas ansikten är oavslutade, opolerade.

9. de sista Pietàerna

Pietà - 226 cm, Opera del Duomo Museum, Florens

Michelangelo nådde de sista åren av sitt liv med fysisk styrka och behov av att arbeta, men hans själ bar på många sorger och plågor.

Han kom nämligen fram till att han under en del av sitt liv hade följt ett felaktigt ideal, idealet om skönhet och perfektion i konsten och tanken att man genom denna konst skulle nå Gud.

Hans sista år är alltså inriktade på hans andra passion, det gudomliga, och kanske är det därför som hans sista verk har samma tema och lämnades oavslutade.

Pietàen och Pietà Rondanini är två oavslutade marmorer, och särskilt Rondanini är djupt uttrycksfull och störande.

Som en allegori för allt det lidande och den turbulenta anda som Michelangelo bar på hela sitt liv, och särskilt under de sista åren av sitt liv och skapande, skulpterade han ansiktet på Jungfrun som bär sin döda son i Pietà Rondanini med sina egna streck.

Han övergav alltså det ideal av mänsklig skönhet som han hade haft i hela sitt liv och sade med detta verk att man bara kan finna lycka och frid genom att helt överlämna sig till Gud.

År 1564 dog Michelangelo vid 89 års ålder, och ända till slutet behöll han sina fysiska och mentala förmågor.

Påven hade uttryckt en önskan om att begrava honom i San Pietro i Rom, men Michelangelo hade före sin död klargjort att han ville begravas i Florens, som han hade lämnat 1524 och återvände till sin stad först efter sin död.

Lär dig också känna