9 Werke von Michelangelo, die seine ganze Genialität zeigen

Michelangelo war eines der großen Genies der italienischen Renaissance und gilt bis heute als einer der größten und bedeutendsten Künstler aller Zeiten. 9 seiner Hauptwerke werden wir hier betrachten.

1. die Treppe Madonna

Madonna auf der Treppe - 55,5 × 40 cm - Casa Buonarroti, Florenz

Die Madonna auf der Treppe ist ein Flachrelief aus Marmor, das zwischen 1490 und 1492 geschaffen wurde, noch bevor Michelangelo 17 Jahre alt war und während seiner Studienzeit in den Gärten der Medici in Florenz bei Bertolo di Giovanni.

Dieses Flachrelief zeigt die Jungfrau auf einer Treppe sitzend, die ihren schlafenden Sohn mit einem Mantel bedeckt.

Eine Treppe vervollständigt den restlichen Hintergrund, und im Hintergrund, am oberen Ende der Treppe, sehen wir zwei spielende Kinder (Putten), während ein drittes auf dem Geländer ruht.

Ein viertes Kind steht hinter der Jungfrau und hilft dem liegenden Kind, ein Tuch zu spannen (in Anspielung auf das Grabtuch der Passion Christi), das sie beide halten.

In diesem Werk wird das klassische, hellenistische und römische Erbe deutlich, und wir finden darin die Idee der Ataraxie (ein Konzept der epikureischen Philosophie), die in der Abwesenheit von Unruhe des Geistes besteht.

Der Unterschied zwischen diesem Konzept und der Apathie besteht darin, dass in der Ataraxie keine Gefühle verleugnet oder verdrängt werden, sondern das Glück gefördert wird, indem versucht wird, die Kraft zu finden, Schmerzen und Schwierigkeiten zu überwinden.

Die Jungfrau betrachtet also teilnahmslos die zukünftige Opferung ihres Sohnes, nicht weil sie nicht leidet, sondern weil sie Wege finden muss, diesen Schmerz stoisch zu überwinden.

Bei der Herstellung dieses Flachreliefs bediente sich Michelangelo einer Technik von Donatello (1386 - 1466, italienischer Renaissance-Bildhauer), dem "sticiatto" (abgeflacht).

2. Zentauromachie

Zentauromachie - 84,5 × 90,5 cm - Casa Buonarroti, Florenz

Centauromachia (Kampf der Kentauren) ist ein Marmorrelief, das nach der Madonna der Treppe geschaffen wurde und um 1492 entstand, als Michelangelo noch in den Medici-Gärten studierte.

Es schildert den Kampf zwischen den Kentauren und den Lapiden, als während der Hochzeit der Prinzessin Hippodamia mit Pyrhitoo (König der Lapiden) einer der Kentauren versuchte, die Prinzessin zu entführen, was zum Kampf zwischen den Parteien führte.

Die Leichen sind verrenkt und verworren, so dass es schwierig ist, die einzelnen Personen zu unterscheiden; einige sind ineinander verschlungen, andere liegen besiegt am Boden, und alle vermitteln die Dringlichkeit und Verzweiflung eines Kampfes.

Mit diesem Werk nimmt der junge Michelangelo bereits seine Besessenheit vom Akt an, denn für ihn war die menschliche Schönheit ein Ausdruck des Göttlichen, und daher bedeutet die Betrachtung eines Werkes, das diese Schönheit durch Nacktheit darstellt, die Betrachtung der Vortrefflichkeit Gottes.

Dieses Relief ist absichtlich unvollendet, was charakteristisch für Michelangelos Werk ist, das somit die Unvollständigkeit als ästhetische Kategorie, das "non finito", annimmt.

Hier sind nur Teile der Körper (meist die Rümpfe der Figuren) bearbeitet und poliert, während die Köpfe und Füße unvollständig sind.

3. Pietà

Pietà - 1,74 m x 1,95 m - Basilika von San Pietro, Vatikan

Unter dem Eindruck des Todes von Lorenzo de' Medici im Jahr 1492 verließ Michelangelo Florenz und ging nach Venedig und später nach Bologna. Erst 1495 kehrte er nach Florenz zurück, machte sich aber sofort auf den Weg nach Rom.

In Rom beauftragte der französische Kardinal Jean Bilhères de Lagraulas den Künstler 1497 mit der Anfertigung einer Pietà aus Marmor für die Basilika San Pietro im Vatikan.

Die Pietà von Michelangelo ist eine Marmorskulptur, die zwischen 1498 und 1499 entstanden ist. Sie ist eine der größten Annäherungen an die Vollkommenheit in der Kunst.

Hier bricht Michelangelo mit dem Herkömmlichen und beschließt, die Jungfrau jünger als ihren Sohn darzustellen. Unglaublich schön hält sie Christus, der tot auf ihren Beinen liegt.

Beide Figuren strahlen Gelassenheit aus, und die resignierte Jungfrau blickt auf den leblosen Körper ihres Sohnes. Der Körper Christi ist anatomisch perfekt, und die Draperie ist perfekt gearbeitet.

Im Gegensatz zum "non finito" ist diese Skulptur das "finito" schlechthin: Das gesamte Werk ist außergewöhnlich poliert und vollendet, und vielleicht hat Michelangelo damit die wahre Perfektion erreicht.

Der Künstler war so stolz auf diese Skulptur, dass er seine Unterschrift (es handelt sich um den einzigen von Michelangelo signierten Marmor) in das Band ritzte, das die Brust der Jungfrau teilt, mit den Worten: "Michael Angelus Bonarotus Floren. faciebat".

Erfahren Sie alles über die Pietà-Skulptur.

4) David

David - Galleria dell'Accademia, Florenz

Im Jahr 1501 kehrte Michelangelo nach Florenz zurück, und aus dieser Rückkehr entstand der David, eine über 4 Meter hohe Marmorskulptur, die zwischen 1502 und 1504 entstand.

Hier erfolgt die Darstellung Davids vor der Konfrontation mit Goliath, und so innoviert Michelangelo, indem er die Figur nicht siegreich, sondern voller Zorn und Bereitschaft darstellt, sich seinem Unterdrücker zu stellen.

Davi ist ein faszinierendes Beispiel für die treibende Kraft im Werk dieses Künstlers, sowohl in der Wahl des Ganzakts als auch in der inneren Unruhe, die die Figur durchscheinen lässt.

Diese Skulptur wurde für die Stadt Florenz zum Symbol für den Triumph der Demokratie über die Macht der Medici.

Siehe Davis ausführlichere Analyse des Werks.

5 Tondo Doni

Michelangelo und Leonardo da Vinci waren die beiden größten und ausdrucksstärksten Namen der italienischen Renaissance. Noch heute inspirieren ihre Werke und rufen Bewunderung hervor, aber zu Lebzeiten und als Zeitgenossen waren sich die beiden nie einig und gerieten mehrmals aneinander.

Tondo Doni - 120 cm -

Galleria degli Uffizi, Florenz

Einer der Hauptgründe für das Zerwürfnis zwischen den Künstlern war Michelangelos erklärte Verachtung für die Malerei, insbesondere für die Ölmalerei, die seiner Meinung nach nur für Frauen geeignet war.

Für ihn war die wahre Kunst die Bildhauerei, denn nur durch körperliche Kraft könne man Exzellenz erreichen.

Die Bildhauerei war männlich, erlaubte keine Fehler und keine Überarbeitungen, im Gegensatz zur Ölmalerei, Leonardos bevorzugter Technik, die es erlaubte, das Bild in mehreren Schichten zu malen und ständig zu korrigieren.

Für Michelangelo kam in der Malerei nur die Freskotechnik dem Primat der Bildhauerei nahe, da es sich um eine Technik handelte, die auf einem neuen Untergrund ausgeführt wurde und Präzision und Schnelligkeit erforderte, ohne dass Fehler oder Korrekturen möglich waren.

Es ist daher nicht verwunderlich, dass er in einem der wenigen Werke der beweglichen Malerei, die dem Künstler zugeschrieben werden, dem Tondo Doni, die Technik der Tempera auf der Tafel im "tondo" (Kreis) verwendet.

Das zwischen 1503 und 1504 entstandene Werk stellt eine unkonventionelle heilige Familie dar.

Einerseits scheint die linke Hand der Jungfrau das Geschlecht ihres Sohnes ergreifen zu wollen, andererseits sind um die Familie im Vordergrund mehrere nackte Figuren zu sehen.

Diese Figuren, die "Ignudi", die Jugendlichen hier, werden später in einem anderen Werk Michelangelos (an der Decke der Sixtinischen Kapelle) wieder auftauchen, allerdings mit einem erwachseneren Aussehen.

6. Fresken aus der Sixtinischen Kapelle

Sixtinische Kapelle

Im Jahr 1508 begann Michelangelo eines seiner bemerkenswertesten Werke auf Wunsch von Papst Julius II., der ihn Jahre zuvor nach Rom gerufen hatte, damit der Künstler sein Grabmal entwirft und ausführt.

Da Michelangelo seine Verachtung für die Malerei kannte, nahm er das Werk nur gegen seinen Willen an und schrieb währenddessen mehrere Briefe, in denen er seinen Unmut kundtat.

Die Fresken in der Sixtinischen Kapelle sind jedoch eine beeindruckende Leistung, die die Welt auch heute noch in Erstaunen versetzt und beeindruckt.

Die Decke

Decke der Sixtinischen Kapelle - 40 m x 14 m - Vatikan

Von 1508 bis 1512 malte Michelangelo die Decke der Kapelle, eine intensive Arbeit, bei der er sowohl die Technik des "buon fresco" als auch die der Zeichnung beherrschte.

Denn bei dieser Technik muss der Putz nass gestrichen werden, was bedeutet, dass der Prozess schnell gehen muss und keine Korrekturen oder Nachstreichungen möglich sind.

Es ist daher beeindruckend, sich vorzustellen, dass der Künstler vier Jahre lang kolossale und farbenfrohe Figuren im Liegen gemalt hat, auf einer Fläche von etwa 40 mal 14 Metern, und sich dabei nur auf seine Zeichnung verlassen hat.

Er litt unter dem herabtropfenden Produkt, das seine Sehkraft beeinträchtigte, und unter der Isolation und der Unbequemlichkeit der Position, in der er arbeitete. Aber das Ergebnis dieser Opfer ist eine der größten Errungenschaften auf dem Gebiet der Malerei.

Die Decke ist in 9 Tafeln unterteilt, die durch eine gemalte Scheinarchitektur voneinander getrennt sind und Szenen aus dem Buch Genesis von den Anfängen der Menschheitsgeschichte bis zur Ankunft Christi darstellen, wobei Christus an der Decke nicht dargestellt ist.

Die erste Tafel stellt die Trennung des Lichts von der Finsternis dar, die zweite die Erschaffung von Sonne, Mond und Planeten und die dritte die Trennung der Erde vom Meer.

Der vierte Teil erzählt von der Erschaffung Adams, der fünfte von der Erschaffung Evas und der sechste von der Vertreibung Adams und Evas aus dem Paradies.

Die siebte steht für Noahs Opfer, die achte für die Weltflut und die neunte und letzte für Noahs Trunkenheit.

An den Seiten der Tafeln sind abwechselnd 7 Propheten (Zacharias, Joel, Jesaja, Hesekiel, Daniel, Jeremia und Jona) und 5 Sibyllen (Delphische, Eritreische, Kumanische, Persische und Libysche) dargestellt.

5 der 9 Deckenpaneele werden von den "Ignudi" eingerahmt, zwanzig völlig entkleideten männlichen Figuren, die in Gruppen von 4 pro Panel angeordnet sind.

In den vier Ecken der Decke sind auch die vier großen Errettungen Israels dargestellt.

Was bei dieser beeindruckenden Komposition menschlicher Körper, die von Architekturen und sogar unechten Skulpturen, die Geschichten erzählen, eingerahmt werden, am meisten auffällt, ist die Ausdruckskraft, Lebendigkeit und Energie, die sie vermitteln.

Muskulöse, männliche (und sogar weibliche), verrenkte und farbenfrohe Körper, die sich in für die Ewigkeit festgehaltenen Bewegungen im Raum ausbreiten und einen großen Einfluss auf Trends und Künstler haben, die nach ihrer Entstehung geboren wurden.

Das Jüngste Gericht

Jüngstes Gericht - 13,7 m x 12,2 m - Sixtinische Kapelle, Vatikan

Im Jahr 1536, mehr als zwanzig Jahre nach der Fertigstellung der Decke, kehrte Michelangelo in die Sixtinische Kapelle zurück, um die Altarwand zu bemalen.

Wie der Name schon sagt, wird hier das Jüngste Gericht dargestellt, und zwar in einer Bildkomposition von etwa 400 Körpern, die ursprünglich alle nackt gemalt waren, darunter die Jungfrau und Christus.

Diese Tatsache führte zu einer jahrelangen Kontroverse, die damit endete, dass die intimen Teile der Figuren von einem anderen Maler bedeckt wurden, während Michelangelo noch lebte.

Michelangelo malte dieses Werk von erneut kolossalen Ausmaßen, das bereits über sechzig Jahre alt ist.

Vielleicht liegt es daran oder an der Enttäuschung und den turbulenten Leidenschaften, die ihn plagten, vielleicht aber auch an allem und dem historischen Kontext, dass sich dieses Werk so sehr von den Deckenfresken unterscheidet.

Im Zentrum steht die Figur Christi als schrecklicher Richter, der die Komposition beherrscht.

Zu seinen Füßen hält der Heilige Bartholomäus mit der linken Hand seine eigene Haut, die ihm bei seinem Martyrium abgezogen wurde, und auf das Gesicht dieser abgefallenen und faltigen Haut malte Michelangelo seine eigenen Züge.

An der Seite Christi verbirgt die Jungfrau das Gesicht ihres Sohnes und scheint sich zu weigern, die Verdammten zu sehen, die in die Hölle geworfen werden.

Siehe die detailliertere Analyse der Fresken in der Sixtinischen Kapelle.

Grabmal von Julius II.

Grabmal von Julius II. - San Pietro in Vincoli, Rom

Im Jahr 1505 wurde Michelangelo von Papst Julius II. nach Rom gerufen, der sein Grabmal in Auftrag gab. Seine Vision war zunächst ein großes Mausoleum, das dem Künstler sehr gefiel.

Doch abgesehen von der Größe des Vorhabens entschied der Papst, der eine wankelmütige Persönlichkeit war, dass er in der Sixtinischen Kapelle beigesetzt werden wollte.

Da die Kapelle zunächst mehrere Ausbesserungen benötigte, darunter die Bemalung der Decke und des Altars, war Michelangelo zunächst "gezwungen", die bereits erwähnten Fresken in der Sixtinischen Kapelle zu malen, wie wir bereits gesehen haben.

Doch das ursprüngliche Projekt für das Papstgrab sollte noch weitere Änderungen und Zugeständnisse erfahren: Zunächst durch den Tod des Papstes im Jahr 1513 und dann noch mehr, als Michelangelos Visionen mit den Vorstellungen der Erben des Papstes kollidierten.

Ein dritter Vertrag wurde 1516 aufgesetzt, aber das Projekt wurde 1526 und 1532 noch einmal geändert: Der endgültige Beschluss sah vor, dass das Grabmal nur aus einer Fassade bestehen sollte, und der Standort wurde in die Kirche San Pietro in Vincoli in Rom verlegt.

Moses

Grabmal von Julius II. - Detail von Moses

Trotz aller Rückschläge im Zusammenhang mit diesem Grabmal und der Tatsache, dass am Ende nur wenig von dem, was für seine Konzeption erträumt worden war, verwirklicht wurde, arbeitete Michelangelo drei Jahre lang intensiv daran.

So schuf Michelangelo von 1513 bis 1515 einige der eindrucksvollsten Werke seiner Karriere, und eines davon, der Moses, ist dasjenige, das heute von denjenigen besucht wird, die nach San Pietro reisen, um das Grabmal zu sehen.

Der Moses ist eine der Skulpturen, die in ihrer Vollkommenheit mit der Pièta des Vatikans konkurrieren und zusammen mit anderen, wie den Gefangenen oder den Sklaven, das Parietalgrab schmücken sollten.

In dieser Skulptur stechen die Tapferkeit und der schreckliche Blick der Figur (Terribilità) hervor, denn wie David besitzt sie ein intensives Innenleben, eine Kraft, die über den Stein, aus dem die Figur herausgearbeitet wurde, hinausgeht.

Mit seinem Blick und seiner Mimik scheint Moses zu versichern, dass alle, die säumig sind, bestraft werden, denn nichts entgeht dem göttlichen Zorn.

Gefangene oder Sklaven

Sterbender Sklave und rebellischer Sklave - Louvre, Paris

Zusammen mit Moses entstand in dieser arbeitsintensiven Zeit eine Reihe von Skulpturen, die als Gefangene oder Sklaven bekannt sind.

Zwei dieser Werke, der sterbende Sklave und der rebellische Sklave, sind fertiggestellt und befinden sich im Louvre in Paris, wo sie an den Pilastern des unteren Stockwerks angebracht werden sollten.

Unter ihnen stechen die Sinnlichkeit des sterbenden Sklaven und seine Haltung der Akzeptanz, nicht des Widerstands im Angesicht des Todes hervor.

Währenddessen scheint der rebellische Sklave mit seinem ungeschliffenen Gesicht und seinem verzerrten Körper in unsicherer Haltung dem Tod zu widerstehen, indem er sich weigert, sich zu unterwerfen, und sich seinen Weg aus dem Gefängnis bahnt.

Gefangene oder Sklaven - Galleria dell'Accademia, Florenz

Aus dieser Zeit stammen vier weitere Werke, die das "non finito" verherrlichen. Die Ausdruckskraft dieser Werke ist beeindruckend, denn wir sehen, wie der Künstler die Figuren aus den massiven Steinblöcken befreit.

Und indem sie unvollendet bleiben, fungieren sie als Allegorien für eines der Themen, die Michelangelos gesamtes Werk und Leben begleiteten und quälten: der Körper als Gefängnis der Seele.

Der Körper, die Materie, war für ihn, obwohl er der schönste von allen war, ein Gefängnis für den Geist, so wie die Marmorblöcke Gefängnisse für die Figuren waren, die er mit seinem Meißel freigab.

Bei dieser Gruppe von vier Skulpturen sehen wir, wie dieser Kampf geführt wird und wie schmerzhaft diese Gefangenschaft für die Figuren zu sein scheint, die sich mit der Last oder dem Unbehagen dieser Seelenfessel bedecken oder verrenken.

Grabstätten von Lorenzo de' Medici und Giuliano de' Medici

Grabmal von Lorenzo de' Medici - 630 x 420 cm - Medici-Kapelle, Basilika von San Lorenzo, Florenz

Im Jahr 1520 wurde Michelangelo von Leo X. und seinem Cousin und späteren Papst Clemens VII., Giulio de' Medici, beauftragt, in San Lorenzo in Florenz eine Grabkapelle für die Gräber von Lorenzo und Giuliano de' Medici zu errichten.

Zunächst begeisterten die Projekte den Künstler, der sich mit Eifer darum bemühte, sie alle auf einmal zu verwirklichen, aber auf dem Weg dorthin traten verschiedene Probleme auf, und wie beim Grabmal von Julius II. ging auch hier das ursprünglich Erträumte auf dem Weg verloren.

Michelangelos Idee war es, eine Verbindung zwischen Skulptur, Architektur und Malerei zu schaffen, aber die Gemälde für die Gräber wurden nie vollendet.

Grabmal von Giuliano de' Medici - 630 x 420 cm -

Medici-Kapelle, Basilika von San Lorenzo, Florenz

Während er an den Medici-Gräbern arbeitete, brach in Florenz eine Revolution gegen die Medici aus, und vor diesem Hintergrund stellte Michelangelo seine Arbeit ein und schlug sich auf die Seite der Aufständischen.

Als der Aufstand niedergeschlagen wurde, begnadigte ihn der Papst unter der Bedingung, dass er seine Arbeit wieder aufnimmt, und so kehrte Michelangelo zurück, um für diejenigen zu arbeiten, gegen die er sich aufgelehnt hatte.

Als Michelangelo Florenz 1524 endgültig verließ und nach Rom ging, blieb das Werk unvollendet, und die von ihm angefertigten Skulpturen wurden später von anderen an ihrem Platz in der Medici-Kapelle aufgestellt.

Überliefert sind zwei Zwillingsscheitelgräber, die sich in der Kapelle gegenüberstehen: Auf der einen Seite befindet sich das Grab von Lorenzo, das ihn in einer passiven, kontemplativen und nachdenklichen Haltung zeigt, was die Figur näher an die Lebensweise des echten Lorenzo de' Medici bringt.

Auf der anderen Seite ist Giuliano, zu seiner Zeit ein ruhmreicher Soldat, aktiv, in Rüstung und bewegungsfreudig dargestellt. Das linke Bein scheint die kolossale und kraftvolle Figur anheben zu wollen.

Am Fuße der beiden befinden sich zwei Allegorien, Nacht und Tag (Grabmal von Lorenzo de' Medici), Dämmerung und Morgengrauen (Grabmal von Giuliano de' Medici).

Der Tag und die Morgendämmerung sind die männlichen Figuren und die Nacht und die Dämmerung die weiblichen Figuren, und die Gesichter der männlichen Allegorien sind unfertig, ungeschliffen.

9. die letzten Pietàs

Pietà - 226 cm, Museum Opera del Duomo, Florenz

Michelangelo erreichte die letzten Jahre seines Lebens mit körperlicher Kraft und dem Bedürfnis zu arbeiten, aber sein Geist trug zahlreiche Reue und Qualen in sich.

Denn er kam zu dem Schluss, dass er einen Teil seines Lebens einem falschen Ideal nachgegangen war, dem Ideal von Schönheit und Vollkommenheit in der Kunst und der Vorstellung, dass man durch diese Kunst zu Gott gelangen würde.

Seine letzten Jahre sind also seiner anderen Leidenschaft gewidmet, dem Göttlichen, und vielleicht ist das der Grund, warum seine letzten Werke dasselbe Thema haben und unvollendet geblieben sind.

Die Pietà und die Pietà Rondanini sind zwei unvollendete Marmorwerke, und insbesondere die Rondanini ist sehr ausdrucksstark und verstörend.

Als Allegorie für all das Leiden und den unruhigen Geist, den Michelangelo sein ganzes Leben lang und besonders in den letzten Jahren seines Lebens und Schaffens in sich trug, hat er das Gesicht der Jungfrau, die ihren toten Sohn trägt, in der Pietà Rondanini mit seinen eigenen Pinselstrichen geformt.

Damit gab er das Ideal der menschlichen Schönheit auf, das ihn sein ganzes Leben lang verfolgt hatte, und sagte mit diesem Werk, dass man nur in der totalen Hingabe an Gott Glück und Frieden finden kann.

Im Jahr 1564 starb Michelangelo im Alter von 89 Jahren und behielt bis zuletzt seine körperlichen und geistigen Fähigkeiten.

Der Papst hatte den Wunsch geäußert, ihn in San Pietro in Rom zu begraben, aber Michelangelo hatte vor seinem Tod deutlich gemacht, dass er in Florenz begraben werden wollte, von wo aus er 1524 aufgebrochen war und erst nach seinem Tod in seine Stadt zurückkehrte.

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