9 verk av Michelangelo som viser hele hans genialitet

Det som har kommet ned til oss i dag er to graver tvillingparietaler og plassert vendt mot hverandre i kapellet. På den ene siden, Lorenzo de' Medici, som er representert i en passiv, kontemplativ, tenkende posisjon, og bringer figuren nærmere måten den virkelige Lorenzo de' Medici levde på.

På den andre siden, Giuliano, i hans strålende soldatdager, er det representert på en aktiv måte, med rustning og utstyrt med bevegelse. Venstre ben ser ut til å ville løfte den kolossale og mektige figuren.

For føttene deres ligger to allegorier, Natt og Dag (Lorenzo de' Medicis grav), Twilight og Daggry (Giuliano de' Medicis grav) .

Siden Day and Dawn er mannsfigurene og Night og Twilight er kvinnefigurene, er ansiktene til de mannlige allegoriene uferdige, ikke polerte.

9. The Last Pietàs

Pietà - 226 cm, Museo dell'Opera del Duomo, Firenze

Michelangelo var en av de store geniene i den italienske renessansen, og selv i dag lever navnet hans videre som en av de største og viktigste artistene gjennom tidene. Her skal vi se på 9 av hovedverkene hans.

1. Madonna of the Stairs

Madonna of the Stairs - 55,5 × 40 cm - Casa Buonarroti, Firenze

The Madonna of the Stairs er et marmorbasrelieff skåret mellom 1490 og 1492. Arbeidet ble fullført før Michelangelo fylte 17 og mens han fortsatt studerte i Medici-hagene i Firenze sammen med Bertolo di Giovanni.

Dette basrelieffet viser Jomfruen som sitter på en trapp som holder og dekker henne sønn, som han skal sove, med en kappe.

Trappen fullfører resten av bakgrunnen og i bakgrunnen, på toppen av disse trappene, ser vi to barn (putti) som leker, mens en tredje ligger tilbakelent på rekkverket.

Et fjerde barn er bak Jomfruen og vil hjelpe det tilbakelente barnet med å strekke et laken (en hentydning til likkledet til Kristi lidenskap) som de begge holder.

I dette verket skiller den klassiske arven seg ut, hellenistisk, romersk, og i den finner vi ideen om ataraxia (begrepet epikurisk filosofi) som består i fravær av åndens rastløshet.

Forskjellen mellom dette konseptet og apati er at i ataraksi er det ingen negasjons- eller elimineringsfølelser, men det fremmer lykke ved å prøve å finne styrken til åbestemte at graven kun skulle bestå av en fasade, samt endret stedet til kirken San Pietro in Vincoli, i Roma.

Moses

Julius II's grav - detalj av Moses

Til tross for alle tilbakeslagene knyttet til denne graven, og det faktum at lite av det man hadde drømt om for unnfangelsen ble utført, jobbet Michelangelo intensivt for den i tre år.

Således, fra 1513 til 1515, skåret Michelangelo noen av de mest fremragende verkene i sin karriere, og en av dem, Moses, er den som i dag krever besøk av de som reiser til San Pietro for å se graven .

Mosesen er en av skulpturene som i fullkommenhet konkurrerer med Vatikanets Pieta, og sammen med andre, for eksempel fanger eller slaver, var de bestemt til å dekorere parietalgraven.

I denne skulpturen skiller det tapperhet og det forferdelige utseendet til figuren (Terribilità) seg ut, for i likhet med David besitter denne et intenst indre liv, en kraft som overskrider steinen som figuren ble tatt fra.

Imponerende og kjærtegner dets lange og detaljerte skjegg, ser det ut til at Moses garanterer med sitt blikk og uttrykk at alle de som ikke følger etter, vil bli straffet, for ingenting slipper unna den guddommelige vrede.

Fanger eller slaver

Dying Slave and Rebel Slave - Louvre, Paris

Sammen med Moses, en serie skulpturer kjent som Prisoners ellerSlaver, de kom ut av den intense perioden med arbeid.

To av disse verkene er ferdige, den døende slaven og opprørsslaven, og befinner seg i Louvre i Paris. Disse skulle plasseres på pilastrene i underetasjen.

Den døende slaves sensualitet skiller seg ut og dens holdning av aksept, ikke motstand i møte med døden.

I mellomtiden Slave Rebel, med et upolert ansikt og en forvridd kropp i en ustabil posisjon, ser det ut til at han motsetter døden, nekter å underlegge seg, prøver å komme seg ut av fengselet.

Fanger eller slaver - Galleria dell' Accademia, Firenze

Ytterligere fire verk kom fra denne perioden, og disse forherliger "non finito". Den ekspressive kraften er imponerende i disse verkene, da vi kan se hvordan kunstneren frigjorde figurene fra de massive steinblokkene.

Og ved å la dem være uferdige, ender de opp med å fungere som allegorier for et av temaene som akkompagnerte og plaget hele Michelangelos arbeid og liv: kroppen som sjelens fengsel.

Til tross for at den var den vakreste av alle, var kroppen, materien, for ham et fengsel for ånden, akkurat som marmorblokker var fengsler for figurene som han løsnet med meiselen.

Med denne gruppen på fire skulpturer ser vi denne kampen utkjempes, og hvor smertefullt dette fengselet ser ut til å være for figurene som er dekket eller forvridd av vekten eller ubehaget av dettesjelens trelldom.

8. Gravene til Lorenzo de' Medici og Giuliano de' Medici

Lorenzo de' Medicis grav - 630 x 420 cm - Medici-kapellet, basilikaen San Lorenzo, Firenze

I 1520, Michelangelo får i oppdrag av Leo X og hans fetter og fremtidige pave Clement VII, Giulio de' Medici, å bygge et begravelseskapell ved San Lorenzo i Firenze for å inneholde gravene til Lorenzo og Giuliano de' Medici.

Til å begynne med , prosjektene begeistret kunstneren, som inderlig forsikret at han ville være i stand til å gjennomføre dem samtidig. Men flere problemer dukket opp underveis, og akkurat som med graven til Julius II, ble det man først drømte om, tapt underveis.

Prosjektet idealisert av Michelangelo hadde som prinsipp fellesskapet mellom skulptur, arkitektur og maling. Men maleriene til gravene ble aldri realisert.

Giuliano de' Medicis grav - 630 x 420 cm -

Medici-kapellet, Basilica of San Lorenzo, Firenze

Mens de arbeidet med gravene til Medici, brøt det ut en revolusjon i Firenze mot dem, og i møte med dette scenariet stoppet Michelangelo arbeidet og tok opprørernes parti.

Men da opprøret ble knust, Paven benådet ham på betingelse av at han gjenopptok arbeidet, og derfor vendte Michelangelo tilbake til arbeidet for dem han hadde gjort opprør mot.

Til slutt, da Michelangeloskjønnhet og perfeksjon i kunst og ideen om at man gjennom denne kunsten ville nå Gud.

Dermed er hans siste år viet til hans andre lidenskap, det guddommelige, og kanskje av denne grunn har hans siste verk det samme temaet og ble stående uferdige.

Pietà og Pietà Rondanini er to uferdige kuler, og spesielt Rondanini, den er dypt uttrykksfull og urovekkende.

Som en allegori til all den lidelse og turbulente ånd som Michelangelo bar det hele livet, og spesielt i disse siste årene av liv og skapelse, skulpturerte han ansiktet til Jomfruen som bar hennes døde barn, i Pietà Rondanini, med sine egne trekk.

Dermed forlot idealet av menneskelig skjønnhet som forfulgte ham hele livet, og sa med dette arbeidet at bare i total overgivelse til Gud kan lykke og fred finnes.

I 1564 døde Michelangelo i en alder av 89 år, og til slutten opprettholdt sine fysiske og mentale evner.

Paven hadde vist sin villighet til å begrave ham i San Pietro i Roma, men Michelangelo, før han døde, hadde gjort klart at han ønsket å bli gravlagt i Firenze, hvor han hadde dratt. i 1524, og returnerte dermed til byen først etter døden.

Se også

Dermed er Jomfruen ufølsom i kontemplasjonen av sønnens fremtidige offer, ikke fordi hun ikke lider, men fordi hun må finne måter å stoisk overvinne denne smerten.

For å lage dette lavrelieffet brukte Michelangelo en teknikk av Donatello (1386 - 1466, italiensk renessanseskulptør), "sticiatto" (utflatet).

2. Centauromachy

Centauromachy - 84,5 × 90,5 cm - Casa Buonarroti, Firenze

Laget etter Madonna of the Stairs, Centauromachy (Kentaurenes kamp), er et marmorrelieff utført rundt 1492 , da Michelangelo fortsatt studerte i Medici-hagene.

Den skildrer kampen mellom kentaurene og lapidaurene, da under bryllupet til prinsesse Hippodamia og Pirithous (kongen av Lapithene), en av kentaurene forsøkte å kidnapping av prinsessen, en hendelse som ga opphav til kampen mellom partene.

Kroppene er vridd og sammenfiltret, noe som gjør det vanskelig å skille hvem som er hvem. Noen sammenflettet med andre, noen beseiret på bakken, alle formidler at det haster og desperasjonen i en kamp.

Med dette verket antar den unge Michelangelo allerede sin besettelse av naken, siden menneskelig skjønnhet for ham var et uttrykk for ham. av det guddommelige og derfor å tenke på et verk som representerer denne skjønnheten gjennom nakenhet, er å tenke på Guds fortreffelighet.

Denne lettelsenden er med vilje uferdig, noe som er karakteristisk for Michelangelos verk, som dermed også antar ufullstendighet som en estetisk kategori, det «ikke-endelige» fra en tidlig alder.

Her er bare deler av kroppene (hovedsakelig stammene til figurene). ) er vist er bearbeidet og polert, mens hodene og føttene er ufullstendige.

3. Pietà

Pietà - 1,74 m x 1,95 m - Basilica di San Pietro, Vatikanet

På grunn av virkningen av Lorenzo de' Medicis død i 1492, forlot Michelangelo Firenze for til Venezia og senere til Bologna, tilbake til Firenze først i 1495, men umiddelbart på vei til Roma.

Og det var i Roma at den franske kardinal Jean Bilhères de Lagraulas i 1497 bestilte kunstneren for en Pietà i marmor for Basilica di San Pietro i Vatikanet.

Michelangelos Pietà er en marmorskulptur utført mellom årene 1498 og 1499, og er en av de største tilnærmingene innen kunst til fullstendig perfeksjon.

Her bryter Michelangelo med konvensjonen og bestemmer seg for å representere Jomfruen yngre enn sønnen hennes. Av utrolig skjønnhet holder hun Kristus som ligger død i bena hennes.

Begge skikkelsene formidler ro, og den resignerte jomfruen betrakter sønnens livløse kropp. Kristi kropp er anatomisk perfekt, og draperiene er bearbeidet til perfeksjon.

I motsetning til det "ikke-endelige", er denne skulpturen "finito" avfortreffelighet. Hele verket er eksepsjonelt polert og ferdig, og med det oppnådde kanskje Michelangelo ekte perfeksjon.

Kunstneren var så stolt av denne skulpturen at han skåret sin signatur (dette er den eneste marmoren signert av Michelangelo) på båndet som deler jomfruens bryst med ordene: "Michael Angelus Bonarotus Floren. faciebat".

Sjekk ut alt om Pietà-skulpturen.

4. David

David - Galleria dell'Accademia, Firenze

I 1501 returnerer Michelangelo til Firenze og fra den hjemkomsten blir David født, en marmorskulptur på over 4 meter laget mellom årene 1502 og 1504.

Her er fremstillingen av David laget før konfrontasjonen med Goliat, og dermed innoverer Michelangelo ved å representere den ikke-vinnende skikkelsen, men full av sinne og vilje til å møte sin undertrykker.

David er et fascinerende eksempel på drivkraften bak denne kunstnerens arbeid, enten i valget av fullstendig naken eller i den indre turbulensen som figuren avslører.

Denne skulpturen har blitt et symbol for byen Firenze demokratiets triumf mot Medicis makt.

Se en mer detaljert analyse av arbeidet David.

5. Tondo Doni

Michelangelo og Leonardo da Vinci var de to største og mest uttrykksfulle navnene som dukket opp fra den italienske renessansen. Selv i dag inspirerer og vekker verkene hans beundring, men mens de er ilivet og det å være samtidige, ble de to aldri enige og kolliderte flere ganger.

Tondo Doni - 120 cm -

Galleria degli Uffizi, Firenze

En av de viktigste grunner til sjokk blant kunstnere var den erklærte forakten som Michelangelo følte for maleri, spesielt oljemaleri, som han anså bare egnet for kvinner.

For ham var sann kunst skulptur, for bare gjennom fysisk makt kunne man oppnå fortreffelighet.

Skulptur var maskulin, den tillot ikke feil eller revisjoner, i motsetning til oljemaleri, en teknikk foretrukket av Leonardo, som tillot maleri å bli utført i lag, samt tillot konstante korreksjoner.

For Michelangelo var det kun freskoteknikken som kom nær skulpturens forrang i maleriet, fordi som en teknikk utført på en frisk base krevde den presisjon og hastighet, og tillot ikke feil eller korrigeringer.

Dermed er ikke overraskende at han i et av de få bevegelige maleriene som ble tilskrevet kunstneren, Tondo Doni, brukte temperateknikken på panel i "tondo" (sirkel).

Dette verket ble laget mellom 1503 og 1504 Den skildrer en ukonvensjonell hellig familie.

På den ene siden ser det ut til at Jomfruens venstre hånd prøver å forstå kjønnet til sønnen hennes. På den annen side rundt familien, som står i forgrunnen, er det flere figurernakne.

Disse figurene, "Ignudi", her tenåringer, vil senere bli representert i et annet verk av Michelangelo (i taket av Det sixtinske kapell), men der med et mer voksent utseende.

6. Fresker i det sixtinske kapell

Det sixtinske kapell

I 1508 begynte Michelangelo et av sine mest bemerkelsesverdige verk på forespørsel fra pave Julius II som hadde kalt ham til Roma år før for at kunstneren skulle designe og å lage graven hans.

Da han kjente til sin forakt for maleriet, var han opprørt over at Michelangelo godtok verket, og under det skrev han flere brev der han demonstrerte sin misnøye.

Men freskene i Det sixtinske kapell er en imponerende bragd som fortsatt blender og imponerer verden i dag.

Taket

Tak i det sixtinske kapell - 40 m x 14 m - Vatikanet

Fra 1508 til 1512 malte Michelangelo taket i kapellet. Dette var et intensivt arbeid og hvor det er total beherskelse av både "buon fresco" (fresco) og tegneteknikk.

Siden denne teknikken krever maling på våt puss, noe som betyr at prosessen må være rask og det kan ikke være noen korrigeringer eller ommalinger.

Det er imponerende å forestille seg at kunstneren i 4 år malte kolossale og fargerike figurer liggende, en plass på ca. 40 x 14 meter, kun basert på tegningen sin.

Han led av drenering av produktet som påvirket synet hans, og avisolasjon og ubehaget i stillingen han jobbet i. Men resultatet av disse ofrene er en av de største prestasjonene innen maleri.

Taket er delt inn i 9 paneler, adskilt av falsk malt arkitektur. Disse skildrer scener fra 1. Mosebok, fra begynnelsen av menneskets historie til Kristi komme, med Kristus ikke representert i taket.

Det første panelet representerer lys som skilles fra mørket; den andre skildrer skapelsen av solen, månen og planetene; den tredje representerer at jorden blir skilt fra havet.

Den fjerde forteller historien om Adams skapelse; den femte er skapelsen av Eva; i den sjette ser vi utvisningen av Adam og Eva fra paradiset.

I den syvende er Noahs offer representert; i den åttende den universelle syndfloden og i den niende og siste Noahs drukkenskap.

På sidene av panelene er vekselvis representert 7 profeter (Sakaria, Joel, Jesaja, Esekiel, Daniel, Jeremia og Jona) og 5 Sybils ( Delphic, Eritrea, Cumana, Persica og Libica).

Innramming 5 av de 9 takpanelene er "ignudi", tjue fullstendig avfyrte mannsfigurer, i sett med 4 per panel.

I de fire hjørnene av taket er fortsatt de fire store frelsene til Israel representert.

Det som skiller seg mest ut i denne imponerende sammensetningen av menneskekropper innrammet av arkitektur og til og med skulpturerforfalskninger som forteller historier, det er uttrykksevnen, livligheten og energien de overfører.

Muskulære, maskuline (til og med kvinnelige) kropper, forvrengte og fargerike spredt utover rommet i bevegelser som er fanget for evigheten, og som så mye innflytelse vil ha. på trender og kunstnere som ville bli født etter realiseringen.

Den siste dommen

Den siste dommen - 13,7 m x 12,2 m - Det sixtinske kapell, Vatikanet

I 1536, mer enn tjue år etter at taket ble fullført, vendte Michelangelo tilbake til Det sixtinske kapell, denne gangen for å male alterveggen.

Som navnet tilsier, er den siste dommen representert her, i en billedkomposisjon av ca. 400 kropper opprinnelig alle malt naken, inkludert Jomfruen og Kristus.

Dette faktum førte til en stor kontrovers i årevis, som endte opp med at de intime delene av figurene ble dekket av en annen maler, Michelangelo var fortsatt i live.

Michelangelo malte dette verket av nok en gang kolossale proporsjoner, allerede over seksti år gammelt.

Kanskje på grunn av dette, eller på grunn av fortryllelsen og turbulente lidenskaper som plaget ham, eller kanskje på grunn av alt og den historiske konteksten også, er dette verket så forskjellig fra freskene i taket.

Her veier pessimisme, fortryllelse og det tragiske utfallet av slutten over alt. I midten står Kristus-figuren som en forferdelig dommer som dominerer komposisjonen.

Ved hans føtter ligger St.Med sin venstre hånd holder Bartholomew sin egen hud, som hadde blitt flådd i handlingen av hans martyrium, og Michelangelo malte sine egne trekk på ansiktet av denne hengende og rynkete huden.

Foruten Kristus skjuler jomfruen ansiktet til sønnen hennes, og ser ut til å nekte å se kastingen av fordømte sjeler til helvete.

Se en mer detaljert analyse av freskene i Det sixtinske kapell.

7. Julius II's grav

Julius II's grav - San Pietro i Vincoli, Roma

I 1505 ble Michelangelo kalt til Roma av pave Julius II som bestilte graven hans. Opprinnelig var visjonen hans om et stort mausoleum, noe som gledet kunstneren mye.

Men utover storheten til foretaket, bestemte paven, med en inkonstant personlighet, at han ønsket å bli gravlagt i Det sixtinske kapell .

For det trengte kapellet først flere retusjeringer, inkludert maling av taket og alteret, derfor ble Michelangelo først "forpliktet" til å male de nevnte freskene i det sixtinske kapell, som vi allerede har sett.

Men det første prosjektet for pavens grav ville lide under andre modifikasjoner og innrømmelser. Først med pavens død i 1513 ble prosjektet redusert, og deretter enda mer da Michelangelos visjon kolliderte med ideene til pavens arvinger.

I 1516 ble det imidlertid utarbeidet en tredje kontrakt , prosjektet skulle gjennomgå ytterligere to endringer i 1526 og deretter i 1532. Den endelige resolusjonen