Descubra 15 obras instigadoras del surrealismo

El surrealismo es uno de los movimientos artísticos que ha producido obras más instigadoras y enigmáticas, llenas de significados por descubrir.

Formó parte de las vanguardias europeas, corrientes que se dieron en Europa a principios del siglo XX y que pretendían reformular la forma de producir y apreciar el arte.

En este contexto surgió el Surrealismo, con un manifiesto en 1924. El movimiento valoraba el pensamiento libre y espontáneo para crear escenas insólitas, irreales y fantasiosas Eche un vistazo a algunas de estas obras y comprenda lo que significan.

1. Persistencia de la memoria - Salvador Dalí

Persistencia de la memoria es una lona fabricada en 1931 Se dice que fue creado después de que el artista se saciara comiendo queso camembert y enfermar trabajando en casa.

En esta obra, el artista muestra un paisaje típico catalán y un olivo seco, árbol muy presente en la región. También hay presencia de relojes deformes y derretido, así como el cuerpo postrado en el suelo.

Los relojes fundidos serían para Dalí un simbolismo de la flacidez y la impotencia sexual Uno de ellos tiene una mosca posada encima como referencia al hecho de que "el tiempo vuela".

El único reloj rígido que aparece en la obra está orientado hacia abajo y tiene varias hormigas amontonadas en alusión a un putrefacción donde el objeto, que simboliza el tiempo, es devorado como carroña.

Leer también: La persistencia de la memoria: análisis de la obra de Salvador Dalí

2. Los amantes - René Magritte

René Magritte es autor de la obra Los amantes producido en 1928 .

En la pantalla, vemos a un hombre y una mujer besándose, sin embargo, sus cabezas están veladas. Esta obra es intrigante porque pone de relieve la contradicción entre un acto de intimidad e imposibilidad de contacto .

Podemos interpretar la escena de varias maneras, en las que el velo puede simbolizar la superficialidad en las relaciones, la incapacidad de mostrarse completamente a la pareja y la falta de conexión sentimental o sexual entre parejas.

Es una alegoría sobre los deseos frustrados y la sensación de aislamiento que puede surgir incluso dentro de una relación amorosa.

Es interesante observar que estas reflexiones se extienden hasta nuestros días e incluso se profundizan, en tiempos de una "modernidad líquida", como la definió el pensador polaco Zygmunt Bauman (1925 - 2017).

Magritte utilizó esta característica de ocultar los rostros de los personajes en varios de sus lienzos. El pintor valoraba mucho un atmósfera misteriosa y propuso un cuestionamiento profundo en sus obras.

Para conocer otras obras del pintor, lea: Obras de arte para comprender a René Magritte.

3. Un perro andaluz - Salvador Dalí y Luis Buñuel

Cuando hablamos de obras surrealistas, solemos pensar en las artes plásticas, especialmente en la pintura. Sin embargo, esta corriente también influyó en la producción de otros lenguajes, como el cine.

Un perro andaluz es uno de esos eventos cinematográficos y se convirtió en un icono del surrealismo. Concebido en 1929 de Salvador Dalí y Luis Buñuel, la película aporta una narrativa totalmente innovadora para la época.

En el relato no hay continuidad cronológica ni lógica de los acontecimientos y se hace clara referencia a conceptos de la psicoanálisis de Freud y el universo de lo onírico.

La película es muda y muestra a un personaje realizando acciones inimaginables, como en el famoso pasaje en el que corta el globo ocular de una mujer con una navaja.

Toda la narración está llena de absurdos que puede interpretarse como un paseo por el interior de la mente humana, revelando los impulsos violentos, perturbadores e irracionales contenidos en el inconsciente.

4. Desayuno en cuero - Meret Oppenheim

Desayuno en cuero de la artista suiza Meret Oppenheim, se realizó en 1936 cuando el artista sólo tenía 23 años.

La obra consiste en un juego de té con platillo, cuchara y taza cubiertos de piel de gacela.

Esta obra es curiosa y causa extrañeza, porque desafía la mente y los sentidos De este modo, sugiere una asociación entre un objeto cotidiano, utilizado en contacto con la boca, y la imposibilidad de utilizarlo.

Al observar este insólito juego de té, el espectador queda impresionado por una mezcla de curiosidad y repulsión , asco y atracción, casi como si pudiéramos sentir la textura de la piel del animal en la lengua.

El artista se dio a conocer por crear diversos objetos que instigan y provocan sorpresa, asombro y contradicciones, al estilo surrealista.

5. El ciervo herido - Frida Kahlo

La producción de la mexicana Frida Kahlo está marcada por escenas misteriosas y llenas de detalles que llevan significados intensos y autobiográficos .

El ciervo herido de 1946 En esta obra, la artista expone toda su vulnerabilidad e intenta purgar sentimientos de sufrimiento ante su precario estado de salud y los conflictos de su matrimonio con el pintor Diego Rivera.

Aquí Frida aparece en forma de ciervo en medio del bosque. El animal tiene nueve flechas que atraviesan su cuerpo, mientras que su rostro permanece plácido y altivo, en un claro signo de resistencia.

También se puede establecer un paralelismo entre el cuerpo flechado del animal y el pasaje bíblico en el que San Sebastián es atado a un árbol y gravemente herido por las flechas.

Aunque la obra de Frida Kahlo se asocia a menudo con el movimiento surrealista y en una ocasión participó en una exposición junto a pintores de este movimiento, ella negó ser surrealista.

Lo cierto es que sus intrigantes lienzos expresan su universo más íntimo.

Lea también este artículo que preparamos sobre la artista mexicana: las obras más impresionantes de Frida Kahlo.

6. Carnaval de Arlequín - Joan Miró

En 1924 Joan Miró realizó el lienzo Carnaval de Arlequín La obra se compone de muchos elementos fantásticos que se interconectan en un colorida profusión .

El pintor ha dispuesto seres de diversas formas y tamaños en una habitación dividida por la mitad por una línea que delimita el suelo de la pared. En el lado derecho, vemos también una ventana, donde se puede observar el sol y una construcción, que sería la Torre Eiffel.

El arlequín se presenta con un enorme bigote y cuerpo de guitarra. Otra figura destacada es una especie de robot que aparece tocando un instrumento.

La escena representa la mundo personal e imaginativo del pintor, que la produjo basándose en sus delirios provocados por el hambre en sus momentos de mayor dificultad financiera.

7. El cazador de estrellas - Remedios Varo

Remedios Varo fue una mujer importante en la escena surrealista. La pintora nació en Cataluña, España, pero se trasladó a Francia, donde entró en contacto con artistas surrealistas y recibió su influencia. Más tarde se instaló en México y permaneció allí.

Su obra está llena de símbolos y elementos oníricos que transitan en un universo de fantasía y magia .

En El cazador de estrellas de 1956 Remedios muestra en su obra una figura femenina que lleva en una mano una jaula con una luna en su interior. En la otra mano sostiene una red de cazador.

La ropa que lleva este personaje es como una gran capa brillante También hay una abertura a la altura del pecho, sugiriendo un agujero negro o incluso una vulva.

8. La traición de las imágenes - René Magritte

El marco La traición de las imágenes fue pintado en 1929 En este lienzo, el artista surrealista representa la figura de una pipa e inserta una especie de leyenda que reza " Esto no es una tubería ".

La idea del pintor era hacer evidente la diferenciación entre el representación y realidad Al decir que la figura de la pipa no es una pipa, Magritte juega con las palabras y las imágenes en un juego visual lleno de ironía.

9. El Hijo del Hombre - René Magritte

El hijo del hombre también fue pintado por el artista René Magritte. El lienzo, que data de 1964 Inicialmente se concibió como un autorretrato, pero el pintor incluyó después otros elementos.

La manzana verde que se cierne sobre la cara del hombre nos trae un atmósfera irreal y fantástica De hecho, el paisaje, por común que parezca, también encierra algo oscuro.

Un detalle apenas perceptible al principio es el brazo izquierdo del individuo, que está representado como si estuviera de espaldas, como puede verse por la curva del codo.

Se trata de una de las obras emblemáticas de Magritte, que comentó en una ocasión:

Al menos oculta parcialmente la cara. Pues bien, entonces tienes la cara aparente, la manzana, ocultando lo visible pero oculto, la verdadera cara de la persona. Es algo que ocurre constantemente. Todo lo que vemos oculta algo más, y siempre queremos ver lo que está oculto, por lo que vemos.

10. Abaporu - Tarsila do Amaral

En Brasil, el movimiento surrealista también se ha manifestado, inspirando e instigando a los artistas brasileños y al público. Una de las obras inspiradas en el movimiento es la famosa lienzo modernista Abaporu, pintado por Tarsila do Amaral en 1928 .

Aquí vemos una figura humana de proporciones distorsionadas en medio de un paisaje árido y caluroso. La representación de manos y pies enormes se debe a que el artista buscaba la valorización del trabajo manual y la conexión del pueblo brasileño con la tierra.

El cuadro se convirtió en una referencia en la historia del arte brasileño, siendo un icono de la brasileñidad.

11. Las dos Fridas - Frida Kahlo

Frida Kahlo fue una pintora mexicana que utilizó muchos elementos autobiográficos en sus obras, aportando un universo fantástico y simbólico a sus lienzos.

En pantalla Las dos Fridas de 1939 Aquí vemos dos autorretratos del pintor, dos mujeres sentadas una al lado de la otra cogidas de la mano.

Una de las "Fridas" viste un traje típico mexicano, en referencia a sus raíces; la otra lleva un vestido de encaje, en alusión a Europa y a la influencia que el continente ejerció sobre ella.

Son conectados por sus corazones La "Frida mexicana" sostiene un pequeño retrato de su marido, Diego Rivera, del que se había separado en aquella época.

Las nubes del fondo revelan una atmósfera sombría y catastrófica, mientras que las piernas abiertas de una de las mujeres aluden a su sexualidad Esta obra se encuentra actualmente en el Museo de Arte Moderno de Ciudad de México.

12. Lo imposible - María Martins

Una artista brasileña que coqueteó con el surrealismo fue la escultora Maria Martins (1894-1973).

En su obra Lo imposible finalizado en 1949 explora la noción de deseo e incompletud a través de dos figuras que casi se tocan, pero que, debido a sus garras, se repelen.

La artista, a pesar de no ser tan conocida hoy en día, fue una mujer muy importante para el arte en Brasil, colaborando intensamente en la creación de la Fundación Bienal y sus primeras ediciones.

Además, poseía una un trabajo fuerte e instigador donde cuestiona y desvela aspectos de la sexualidad femenina, entre otras cuestiones que atañen a las mujeres.

13. En Voluptas Mors Philippe Halsman

La fotografía surrealista en cuestión era una obra conjunta de Philippe Halsman y Salvador Dalí, expuesta en 1949 .

A finales de la década de 1940, los dos artistas iniciaron una serie de trabajos fotográficos en los que los elementos se organizaban de tal manera que creaban imágenes insólitas y curiosas .

En Voluptas Mors una de estas imágenes, en la que la figura de una calavera macabra se forma a partir de los cuerpos de mujeres desnudas.

Dalí también aparece en la escena, mostrando una expresión de asombro con la mirada fija. La fotografía tuvo mucho reconocimiento e inspiró a otros artistas.

Un ejemplo es el cartel de la película El silencio de los inocentes (1991), que muestra una fotografía de una mujer con una mariposa delante de la boca, dentro de la mariposa hay una imagen de una calavera hecha de mujeres desnudas.

14. El rostro de la guerra - Salvador Dalí

El trabajo El rostro de la guerra se pintó a finales de 1940 En aquella época, Europa vivía los horrores de la Segunda Guerra Mundial y España (país de origen del pintor) cosechaba los amargos frutos de la Guerra Civil.

Salvador Dalí estaba pasando una temporada en EE.UU. cuando diseñó el cuadro. En él, vemos la figura de un cara de terror En el interior de sus ojos y boca hay calaveras y desde el interior de los orificios de estas calaveras podemos ver más calaveras.

De este modo, el artista pudo expresar la "lógica" de la guerra, que produce destrucción y muerte continua También hay serpientes rodeando el rostro, en señal de terror y miedo.

La obra puede verse actualmente en el Museo Boijmans Van Beuningen de los Países Bajos.

15. El pueblo y yo - Marc Chagall

El artista ruso Marc Chagall se hizo conocido por sus lienzos que muestran imágenes fantásticas, con personas flotando y otros elementos insólitos en un ambiente maravilloso .

El año era aún 1911 y el manifiesto surrealista no se redactaría hasta 1924, sin embargo, Chagall ya tenía producciones que seguían los preceptos del movimiento, como es el caso de El pueblo y yo que también mezcla la influencia cubista.

En el lienzo, la vida del pintor está representada de una forma que mezcla elementos de su pasado en la campiña rusa, como la cabra que aparece en primer plano y la pequeña ciudad del fondo.

El hombre verde representa al propio artista y la niña boca abajo nos muestra el mundo onírico de Chagall.

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