Spis treści
Surrealizm to jeden z ruchów artystycznych, który stworzył najbardziej inspirujące i enigmatyczne dzieła, pełne znaczeń do odkrycia.
Był częścią europejskiej awangardy, która pojawiła się w Europie na początku XX wieku i dążyła do przeformułowania sposobu, w jaki sztuka była produkowana i doceniana.
W tym kontekście wyłonił się surrealizm, z manifestem w 1924 r. Ruch ten cenił wolne i spontaniczne myślenie w celu stworzenia niezwykłe, nierealne i fantazyjne sceny Sprawdź niektóre z tych prac i zrozum, co oznaczają.
1. Trwałość pamięci - Salvador Dalí
Trwałość pamięci to płótno wykonane w 1931 Mówi się, że został stworzony po tym, jak artysta zadowolił się jedzeniem sera camembert i zachorować pracując w domu.
W tej pracy artysta pokazuje typowy kataloński krajobraz i uschnięte drzewo oliwne, drzewo, które jest bardzo obecne w regionie. Obecna jest również obecność zniekształcone zegarki i stopione, a także leżące na ziemi ciało.
Stopione zegary byłyby dla Dalí'ego symbolika zwiotczenia i impotencji seksualnej Na jednym z nich siedzi mucha, co ma nawiązywać do faktu, że "czas leci".
Jedyny sztywny zegar, który pojawia się w pracy, jest skierowany w dół i ma kilka mrówek piętrzących się na nim w aluzji do gnicie gdzie obiekt, który symbolizuje czas, jest pożerany jak padlina.
Przeczytaj także: Trwałość pamięci: analiza twórczości Salvadora Dalí
2. Kochankowie - René Magritte
René Magritte jest autorem pracy Kochankowie wyprodukowany w 1928 .
Na ekranie widzimy całujących się mężczyznę i kobietę, jednak ich głowy są zasłonięte. Praca ta jest intrygująca, ponieważ podkreśla sprzeczność między aktem pocałunku a pocałunkiem. intymność i niemożność kontaktu .
Możemy interpretować tę scenę na różne sposoby, w których zasłona może symbolizować powierzchowność w związkach, niezdolność do całkowitego pokazania się partnerowi, a także brak połączenia sentymentalne lub seksualne między parami.
Jest to alegoria o sfrustrowanych pragnieniach i poczuciu izolacji, które może pojawić się nawet w kochającym związku.
Warto zauważyć, że refleksje te rozciągają się do dnia dzisiejszego, a nawet pogłębiają, w czasach "płynnej nowoczesności", jak zdefiniował ją polski myśliciel Zygmunt Bauman (1925-2017).
Magritte wykorzystał tę cechę ukrywania twarzy postaci w kilku swoich płótnach. Malarz wysoko cenił sobie tajemnicza atmosfera i zaproponował głębokie kwestionowanie w swoich pracach.
Aby poznać inne dzieła malarza, przeczytaj: Dzieła sztuki, aby zrozumieć René Magritte'a.
3. Pies andaluzyjski - Salvador Dalí i Luis Buñuel
Zwiastun - Pies andaluzyjskiKiedy mówimy o surrealistycznych dziełach, zwykle myślimy o sztukach plastycznych, zwłaszcza o malarstwie. Jednak ten trend wpłynął również na produkcję innych języków, takich jak kino.
Pies andaluzyjski jest jednym z tych wydarzenia kinematograficzne i stał się ikoną surrealizmu. 1929 Salvadora Dalí i Luisa Buñuela, film wprowadza całkowicie innowacyjną narrację jak na tamte czasy.
W historii nie ma chronologicznej lub logicznej ciągłości wydarzeń i istnieje wyraźne odniesienie do koncepcji z psychoanaliza Freuda i uniwersum oniryzmu.
Film jest niemy i pokazuje bohatera dokonującego niewyobrażalnych czynów, jak w słynnym fragmencie, w którym przecina kobiecie gałkę oczną brzytwą.
Cała narracja jest wypełniona absurdy który można interpretować jako spacer w głąb ludzkiego umysłu, ujawniający gwałtowne, niepokojące i irracjonalne impulsy zawarte w nieświadomości.
4. Śniadanie w skórze - Meret Oppenheim
Śniadanie w skórze autorstwa szwajcarskiej artystki Meret Oppenheim, został wykonany w 1936 kiedy artysta miał zaledwie 23 lata.
Praca składa się z zestawu do herbaty ze spodkiem, łyżeczką i filiżanką pokrytą skórą gazeli.
Ta praca jest ciekawa i powoduje dziwność, ponieważ rzuca wyzwanie umysłowi i zmysłom W ten sposób sugeruje skojarzenie między przedmiotem codziennego użytku, używanym w kontakcie z ustami, a niemożnością jego użycia.
Obserwując ten niezwykły zestaw herbat, widz jest uderzony przez mieszanka ciekawości i wstrętu obrzydzenie i przyciąganie, prawie tak, jakbyśmy mogli poczuć teksturę zwierzęcej skóry na naszym języku.
Artysta stał się znany z tworzenia różnych obiektów, które wywołują i prowokują zaskoczenie, zdumienie i sprzeczności, w stylu surrealistycznym.
5. Ranny jeleń - Frida Kahlo
Produkcja meksykańskiej Fridy Kahlo jest naznaczona tajemniczymi scenami i pełna szczegółów, które niosą ze sobą intensywne i autobiograficzne znaczenia .
Ranny jeleń z 1946 W tej pracy artystka eksponuje wszystkie swoje podatność i próbuje oczyścić uczucia cierpienia w obliczu jej niepewnego stanu zdrowia i konfliktów w małżeństwie z malarzem Diego Riverą.
Tutaj Frida pojawia się w postaci jelenia w środku lasu. Zwierzę ma dziewięć strzał, które przebijają jego ciało, podczas gdy jego twarz pozostaje spokojna i wyniosła, co jest wyraźnym znakiem odporności.
Można również narysować paralelę między postrzelonym ciałem zwierzęcia a biblijnym fragmentem, w którym święty Sebastian zostaje przywiązany do drzewa i poważnie zraniony strzałami.
Chociaż prace Fridy Kahlo są często kojarzone z ruchem surrealistycznym, a ona sama została kiedyś wystawiona na wystawie obok malarzy z tego ruchu, zaprzeczyła ona, że w rzeczywistości była surrealistką.
Prawda jest taka, że jego intrygujące płótna wyrażają jego najbardziej intymny wszechświat.
Przeczytaj także artykuł, który przygotowaliśmy na temat meksykańskiej artystki: Najbardziej oszałamiające prace Fridy Kahlo.
Zobacz też: The scientist zespołu Coldplay: tekst, tłumaczenie, historia piosenki i zespołu6. Harlequin Carnival - Joan Miró
Przy 1924 Joan Miró stworzył płótno Harlequin Carnival Dzieło składa się z wielu fantastycznych elementów, które łączą się w całość. kolorowa obfitość .
Malarz rozmieścił istoty o różnych kształtach i rozmiarach w pomieszczeniu podzielonym na pół linią oddzielającą podłogę od ściany. Po prawej stronie widzimy również okno, przez które można obserwować słońce oraz konstrukcję, którą miałaby być wieża Eiffla.
Harlequin ma ogromne wąsy i korpus gitary. Inną wyróżniającą się postacią jest rodzaj robota, który wydaje się grać na instrumencie.
Scena przedstawia osobisty i pełen wyobraźni świat malarza, który stworzył go w oparciu o swoje urojenia wywołane głodem w chwilach największych trudności finansowych.
7. Łowca gwiazd - Remedios Varo
Remedios Varo była ważną kobietą na scenie surrealistycznej. Malarka urodziła się w Katalonii w Hiszpanii, ale przeniosła się do Francji, gdzie zetknęła się z surrealistycznymi artystami i była pod ich wpływem. Później osiedliła się w Meksyku i tam pozostała.
Jego prace są pełne symboli i onirycznych elementów, które przechodzą w uniwersum fantasy i magii .
Przy Łowca gwiazd z 1956 Remedios przedstawia w swoim dziele postać kobiecą niosącą w jednej ręce klatkę z księżycem w środku, a w drugiej trzymającą sieć myśliwego.
Ubrania noszone przez tę postać są jak wielki świecący płaszcz Na wysokości klatki piersiowej znajduje się również otwór, sugerując czarną dziurę a nawet srom.
8. Zdrada obrazów - René Magritte
Struktura Zdrada obrazów został namalowany w 1929 Na tym płótnie surrealistyczny artysta przedstawia postać fajki i umieszcza rodzaj podpisu, który brzmi " To nie jest fajka ".
Ideą malarza było uwidocznienie rozróżnienia między reprezentacja i rzeczywistość Mówiąc, że figura rury nie jest rurą, Magritte bawi się słowami i obrazami w wizualną grę pełną ironii.
9. Syn Człowieczy - Rene Magritte
Syn mężczyzny został również namalowany przez artystę René Magritte'a. Płótno, które pochodzi z 1964 Początkowo był to autoportret, ale później malarz dołączył do niego inne elementy.
Zielone jabłko unoszące się przed twarzą mężczyzny przynosi nam nierealistyczna i fantastyczna atmosfera W rzeczywistości sceneria, choć może się wydawać powszechna, niesie ze sobą również coś mrocznego.
Szczegółem ledwo zauważalnym na początku jest lewe ramię osoby, które jest przedstawione tak, jakby leżało na plecach, co widać przez zgięcie w łokciu.
Jest to jedno z kultowych dzieł Magritte'a, które kiedyś skomentował:
Przynajmniej częściowo ukrywa twarz. Cóż, wtedy masz pozorną twarz, jabłko, ukrywające widoczną, ale ukrytą, prawdziwą twarz osoby. To coś, co dzieje się nieustannie. Wszystko, co widzimy, ukrywa coś innego i zawsze chcemy zobaczyć, co jest ukryte, przez to, co widzimy.
10. Abaporu - Tarsila do Amaral
W Brazylii ruch surrealistyczny również się zamanifestował, inspirując i podżegając brazylijskich artystów i społeczeństwo. Jednym z dzieł inspirowanych tym ruchem jest słynny modernistyczne płótno Abaporu, namalowany przez Tarsilę do Amaral w 1928 .
Zobacz też: Kot w butach: streszczenie i interpretacja bajki dla dzieciWidzimy tu ludzką postać o zniekształconych proporcjach pośród gorącego, suchego krajobrazu. Przedstawienie ogromnych dłoni i stóp wynika z faktu, że artysta szukał waloryzacja pracy fizycznej i związek Brazylijczyków z ziemią.
Obraz stał się punktem odniesienia w historii sztuki brazylijskiej, będąc ikoną brazylijskości.
11. Dwie Fridy - Frida Kahlo
Frida Kahlo była meksykańską malarką, która w swoich pracach wykorzystywała wiele elementów autobiograficznych, wprowadzając do swoich płócien fantastyczny i symboliczny wszechświat.
Na ekranie Dwie Fridy z 1939 Tutaj widzimy dwa autoportrety malarza, dwie kobiety siedzące obok siebie i trzymające się za ręce.
Jedna z "Frid" nosi typowy meksykański strój, nawiązujący do jej korzeni; druga nosi koronkową sukienkę, nawiązującą do Europy i wpływu, jaki wywarł na nią kontynent.
Są to połączeni sercem "Meksykańska Frida" trzyma mały portret swojego męża, Diego Rivery, z którym rozstała się w tym czasie.
Chmury w tle odsłaniają ponurą i katastroficzną atmosferę, a rozłożone nogi jednej z kobiet nawiązują do niej seksualność Praca ta znajduje się obecnie w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Meksyku.
12. Niemożliwe - Maria Martins
Brazylijską artystką, która flirtowała z surrealizmem była rzeźbiarka Maria Martins (1894-1973).
W swojej pracy Niemożliwe sfinalizowany w 1949 bada pojęcie pragnienie i niekompletność przez dwie postacie, które prawie się dotykają, ale z powodu pazurów odpychają się nawzajem.
Artystka, mimo że nie jest dziś tak dobrze znana, była bardzo ważną kobietą dla sztuki w Brazylii, intensywnie współpracując przy tworzeniu Fundacji Biennale i jej pierwszych edycjach.
Ponadto była właścicielką silna i podżegająca praca w którym kwestionuje i ujawnia aspekty kobiecej seksualności, a także inne kwestie dotyczące kobiet.
13. In Voluptas Mors Philippe Halsman
Surrealistyczne zdjęcie, o którym mowa, było wspólnym dziełem Philippe'a Halsmana i Salvadora Dalí, wystawionym w 1949 .
Pod koniec lat czterdziestych obaj artyści rozpoczęli serię prac fotograficznych, w których elementy zostały zorganizowane w taki sposób, aby stworzyć niezwykłe i ciekawe zdjęcia .
In Voluptas Mors jeden z tych obrazów, na którym postać makabrycznej czaszki uformowana jest z ciał nagich kobiet.
Dalí również pojawia się w tej scenie, pokazując wyraz zdumienia z nieruchomym spojrzeniem. Zdjęcie cieszyło się dużym uznaniem i zainspirowało innych artystów.
Przykładem jest plakat do filmu Cisza niewinnych (1991), który pokazuje zdjęcie kobiety z motylem przed ustami, wewnątrz motyla znajduje się obraz czaszki wykonanej z nagich kobiet.
14. Oblicze wojny - Salvador Dalí
Praca Oblicza wojny został namalowany pod koniec 1940 W tym czasie Europa doświadczała okropności II wojny światowej, a Hiszpania (kraj pochodzenia malarza) zbierała gorzkie owoce hiszpańskiej wojny domowej.
Salvador Dalí spędzał sezon w Stanach Zjednoczonych, kiedy zaprojektował ten obraz. Widzimy na nim postać przerażona twarz Wewnątrz jego oczu i ust znajdują się czaszki, a z otworów tych czaszek widać kolejne czaszki.
W ten sposób artysta był w stanie wyrazić "logikę" wojny, która prowadzi do zniszczenia i zniszczeń. ciągła śmierć Są też węże otaczające twarz, na znak przerażenia i strachu.
Dzieło można obecnie oglądać w Muzeum Boijmans Van Beuningen w Holandii.
15. Ja i wioska - Marc Chagall
Rosyjski artysta Marc Chagall stał się znany ze swoich płócien przedstawiających fantastyczne obrazy, z ludźmi unoszącymi się w powietrzu i innymi niezwykłymi elementami. wspaniała atmosfera .
Rok był jeszcze 1911 a manifest surrealistyczny zostanie sporządzony dopiero w 1924 roku, jednak Chagall miał już produkcje zgodne z założeniami ruchu, jak w przypadku Ja i wioska który również łączy w sobie wpływy kubistyczne.
Na płótnie życie malarza jest przedstawione w sposób, który łączy elementy jego przeszłości na rosyjskiej wsi, takie jak koza, która pojawia się na pierwszym planie i małe miasteczko w tle.
Zielony człowiek reprezentuje samego artystę, a odwrócona do góry nogami dziewczyna pokazuje nam senny świat Chagalla.
Sprawdź także inne artykuły dotyczące świata sztuk plastycznych :
