Entdecken Sie 15 eindringliche Werke des Surrealismus

Der Surrealismus ist eine der künstlerischen Bewegungen, die die anregendsten und rätselhaftesten Werke hervorgebracht hat, die voller Bedeutungen sind, die es zu entdecken gilt.

Er gehörte zur europäischen Avantgarde, einer Strömung, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts in Europa aufkam und die versuchte, die Art und Weise, wie Kunst produziert und geschätzt wurde, neu zu gestalten.

In diesem Kontext entstand 1924 mit einem Manifest der Surrealismus, der das freie und spontane Denken in den Vordergrund stellte, um eine ungewöhnliche, unwirkliche und phantasievolle Szenen Sehen Sie sich einige dieser Werke an und verstehen Sie, was sie bedeuten.

1. Persistenz der Erinnerung - Salvador Dalí

Persistenz der Erinnerung ist eine Leinwand aus 1931 Es soll entstanden sein, nachdem der Künstler sich mit dem Verzehr von Käse befriedigt hatte Camembert und bei der Arbeit zu Hause krank werden.

In diesem Werk zeigt der Künstler eine typisch katalanische Landschaft und einen vertrockneten Olivenbaum, einen Baum, der in dieser Region sehr präsent ist. verunstaltete Uhren und geschmolzen, ebenso wie der auf dem Boden liegende Körper.

Die geschmolzenen Uhren wären für Dalí ein Symbolik der Schlaffheit und sexuellen Impotenz Auf einem von ihnen sitzt eine Fliege, um darauf hinzuweisen, dass "die Zeit vergeht".

Die einzige starre Uhr, die in dem Werk auftaucht, ist nach unten gerichtet und hat mehrere Ameisen, die sich auf ihr stapeln, als Anspielung auf eine Fäulnis wo das Objekt, das die Zeit symbolisiert, wie ein Aas verschlungen wird.

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2. Die Liebenden - René Magritte

René Magritte ist der Autor des Werkes Die Liebenden hergestellt in 1928 .

Auf dem Bildschirm sieht man einen Mann und eine Frau, die sich küssen, aber ihre Köpfe sind verschleiert. Dieses Werk ist faszinierend, weil es den Widerspruch zwischen einem Akt der Intimität und die Unmöglichkeit des Kontakts .

Wir können die Szene auf verschiedene Weise interpretieren, wobei der Schleier die Oberflächlichkeit in Beziehungen, die Unfähigkeit, sich dem Partner ganz zu zeigen, und die fehlender Anschluss sentimentale oder sexuelle Beziehungen zwischen Paaren.

Es ist eine Allegorie auf frustrierte Sehnsüchte und das Gefühl der Isolation, das selbst innerhalb einer Liebesbeziehung entstehen kann.

Es ist interessant festzustellen, dass diese Überlegungen bis in die Gegenwart reichen und sich in Zeiten einer "flüssigen Moderne", wie sie der polnische Denker Zygmunt Bauman (1925 - 2017) definiert hat, sogar noch vertiefen.

Magritte nutzte diese Möglichkeit, die Gesichter der Figuren zu verbergen, auf mehreren seiner Gemälde. Der Maler schätzte eine geheimnisvolle Atmosphäre und schlug vor, in seinen Werken tiefgehende Fragen zu stellen.

Um weitere Werke des Malers kennen zu lernen, lesen Sie: Kunstwerke zum Verständnis von René Magritte.

3. Ein andalusischer Hund - Salvador Dalí und Luis Buñuel

Wenn man von surrealistischen Werken spricht, denkt man in der Regel an die bildenden Künste, vor allem an die Malerei, aber diese Strömung beeinflusste auch die Produktion anderer Sprachen, wie zum Beispiel das Kino.

Ein andalusischer Hund ist einer dieser kinematografische Ereignisse und wurde zu einer Ikone des Surrealismus. Konzipiert in 1929 von Salvador Dalí und Luis Buñuel, bietet der Film eine für die damalige Zeit völlig innovative Erzählung.

In der Geschichte gibt es keine chronologische oder logische Kontinuität der Ereignisse und es gibt eindeutige Verweise auf Begriffe aus der Psychoanalyse von Freud und das Universum des Oneirischen.

Der Film ist stumm und zeigt eine Figur bei unvorstellbaren Handlungen, wie in der berühmten Passage, in der er einer Frau mit einem Rasiermesser den Augapfel abschneidet.

Die gesamte Erzählung ist gefüllt mit Absurditäten die als ein Spaziergang durch den menschlichen Geist interpretiert werden kann, der die gewalttätigen, verstörenden und irrationalen Impulse des Unbewussten offenbart.

4. Frühstück in Leder - Meret Oppenheim

Frühstück in Leder der Schweizer Künstlerin Meret Oppenheim, wurde in 1936 als der Künstler erst 23 Jahre alt war.

Das Werk besteht aus einem Teeservice mit Untertasse, Löffel und Tasse, die mit Gazellenhaut überzogen sind.

Diese Arbeit ist kurios und verursacht Seltsamkeiten, denn fordert den Geist und die Sinne heraus Auf diese Weise wird eine Assoziation zwischen einem Alltagsgegenstand, der mit dem Mund benutzt wird, und der Unmöglichkeit, ihn zu benutzen, hergestellt.

Beim Betrachten dieses ungewöhnlichen Teesatzes fällt dem Betrachter auf, dass Mischung aus Neugierde und Abscheu Ekel und Anziehungskraft, fast so, als ob wir die Textur der Tierhaut auf unserer Zunge spüren könnten.

Der Künstler wurde durch die Schaffung verschiedener Objekte bekannt, die im surrealistischen Stil Überraschung, Erstaunen und Widersprüche hervorrufen und provozieren.

5. Der verwundete Hirsch - Frida Kahlo

Die Inszenierung der Mexikanerin Frida Kahlo ist von geheimnisvollen Szenen geprägt und steckt voller Details, die die intensive und autobiografische Bedeutungen .

Der verwundete Hirsch von 1946 In diesem Werk stellt die Künstlerin alle ihre Schwachstelle und versucht Gefühle loswerden des Leidens angesichts ihres prekären Gesundheitszustands und der Konflikte in ihrer Ehe mit dem Maler Diego Rivera.

Hier erscheint Frida in Form eines Hirsches mitten im Wald, dessen Körper von neun Pfeilen durchbohrt wird, während sein Gesicht ruhig und hochmütig bleibt, ein klares Zeichen der Widerstandsfähigkeit.

Man kann auch eine Parallele ziehen zwischen dem von Pfeilen durchbohrten Körper des Tieres und der Bibelstelle, in der der Heilige Sebastian an einen Baum gebunden und von Pfeilen schwer verwundet wird.

Obwohl Frida Kahlos Werk oft mit der surrealistischen Bewegung in Verbindung gebracht wird und sie einmal in einer Ausstellung zusammen mit Malern dieser Bewegung gezeigt wurde, bestritt sie, eine Surrealistin zu sein.

Die Wahrheit ist, dass seine faszinierenden Leinwände sein intimstes Universum ausdrücken.

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6. Harlekin-Karneval - Joan Miró

Unter 1924 Joan Miró schuf die Leinwand Harlekin-Karneval Das Werk besteht aus vielen phantastischen Elementen, die sich zu einem bunte Vielfalt .

Der Maler hat Wesen verschiedener Formen und Größen in einem Raum angeordnet, der durch eine Linie, die den Boden von der Wand abgrenzt, in zwei Hälften geteilt ist. Auf der rechten Seite sehen wir auch ein Fenster, durch das man die Sonne und eine Konstruktion, die der Eiffelturm sein könnte, beobachten kann.

Der Harlekin wird mit einem riesigen Schnurrbart und einem Gitarrenkorpus dargestellt. Eine weitere herausragende Figur ist eine Art Roboter, der ein Instrument zu spielen scheint.

Die Szene stellt die persönliche und phantasievolle Welt des Malers, der es aufgrund von Wahnvorstellungen schuf, die durch den Hunger in den Momenten seiner größten finanziellen Schwierigkeiten hervorgerufen wurden.

7. Der Sternenjäger - Remedios Varo

Remedios Varo war eine wichtige Frau in der surrealistischen Szene. Die in Katalonien geborene Malerin zog nach Frankreich, wo sie mit surrealistischen Künstlern in Kontakt kam und von ihnen beeinflusst wurde. Später ließ sie sich in Mexiko nieder und blieb dort.

Sein Werk ist voll von Symbolen und oneirischen Elementen, die sich in einem Universum der Fantasie und Magie .

Unter Der Sternenjäger von 1956 Remedios zeigt in seinem Werk eine weibliche Figur, die in der einen Hand einen Käfig mit einem Mond trägt, in der anderen Hand hält sie ein Jägernetz.

Die Kleidung, die diese Figur trägt, ist wie eine großer leuchtender Mantel Außerdem gibt es eine Öffnung in Brusthöhe, ein schwarzes Loch suggerieren oder sogar eine Vulva.

8. Der Verrat an den Bildern - René Magritte

Der Rahmen Der Verrat an den Bildern wurde gemalt in 1929 Auf dieser Leinwand stellt der surrealistische Künstler die Figur einer Pfeife dar und fügt eine Art Bildunterschrift ein, die lautet: " Dies ist kein Rohr ".

Die Idee des Malers war es, die Unterscheidung zwischen dem Darstellung und Realität Indem er sagt, dass die Figur des Rohrs kein Rohr ist, spielt Magritte mit Worten und Bildern in einem visuellen Spiel voller Ironie.

9. Der Menschensohn - Rene Magritte

Der Sohn des Mannes wurde ebenfalls von dem Künstler René Magritte gemalt. Die Leinwand, die aus dem Jahr 1964 Ursprünglich war es als Selbstporträt gedacht, doch später fügte der Maler weitere Elemente hinzu.

Der grüne Apfel, der vor dem Gesicht des Mannes schwebt, bringt uns eine unrealistische und fantastische Atmosphäre In der Tat hat die Szenerie, so gewöhnlich sie auch erscheinen mag, auch etwas Dunkles.

Ein auf den ersten Blick kaum wahrnehmbares Detail ist der linke Arm der Person, der so dargestellt ist, als läge er auf dem Rücken, was an der Beugung des Ellbogens zu erkennen ist.

Dies ist eines der ikonischen Werke Magrittes, das er einmal kommentiert hat:

Dann hat man das scheinbare Gesicht, den Apfel, der das sichtbare, aber verborgene, das wirkliche Gesicht der Person verbirgt. Das ist etwas, das ständig passiert. Alles, was wir sehen, verbirgt etwas anderes, und wir wollen immer sehen, was durch das, was wir sehen, verborgen wird.

10. Abaporu - Tarsila do Amaral

In Brasilien hat sich die surrealistische Bewegung ebenfalls manifestiert und die brasilianischen Künstler und das Publikum inspiriert und angestiftet. Eines der von der Bewegung inspirierten Werke ist das berühmte modernistische Leinwand Abaporu, gemalt von Tarsila do Amaral in 1928 .

Hier sehen wir eine menschliche Figur mit verzerrten Proportionen inmitten einer heißen, trockenen Landschaft. Die Darstellung von riesigen Händen und Füßen ist darauf zurückzuführen, dass der Künstler nach der Inwertsetzung der manuellen Arbeit und die Verbindung des brasilianischen Volkes mit dem Land.

Das Gemälde wurde zu einer Referenz in der Geschichte der brasilianischen Kunst und zu einer Ikone des brasilianischen Wesens.

11. Die beiden Fridas - Frida Kahlo

Frida Kahlo war eine mexikanische Malerin, die in ihren Werken viele autobiografische Elemente verwendete und ihren Gemälden ein fantastisches und symbolisches Universum verlieh.

Auf dem Bildschirm Die beiden Fridas von 1939 Hier sehen wir zwei Selbstporträts des Malers, zwei Frauen, die nebeneinander sitzen und sich an den Händen halten.

Eine der "Fridas" trägt ein typisch mexikanisches Kostüm, das auf ihre Wurzeln verweist; die andere trägt ein Spitzenkleid, das auf Europa und den Einfluss, den der Kontinent auf sie hatte, verweist.

Sie sind verbunden durch ihre Herzen Die "mexikanische Frida" hält ein kleines Porträt ihres Mannes, Diego Rivera, von dem sie sich damals getrennt hatte.

Die Wolken im Hintergrund verbreiten eine düstere und katastrophale Stimmung, während die gespreizten Beine einer der Frauen auf ihre Sexualität Dieses Werk befindet sich derzeit im Museum für Moderne Kunst in Mexiko-Stadt.

12. Das Unmögliche - Maria Martins

Eine brasilianische Künstlerin, die mit dem Surrealismus kokettierte, war die Bildhauerin Maria Martins (1894-1973).

In seinem Werk Das Unmögliche abgeschlossen in 1949 er untersucht den Begriff der Wunsch und Unvollständigkeit durch zwei Figuren, die sich fast berühren, sich aber aufgrund ihrer Krallen gegenseitig abstoßen.

Obwohl die Künstlerin heute nicht mehr so bekannt ist, war sie eine sehr wichtige Frau für die Kunst in Brasilien, die intensiv an der Gründung der Biennale-Stiftung und ihren ersten Ausgaben beteiligt war.

Darüber hinaus besaß sie ein starke und anregende Arbeit in dem sie Aspekte der weiblichen Sexualität und andere für Frauen relevante Themen hinterfragt und offenlegt.

13. In Voluptas Mors Philippe Halsman

Bei der fraglichen surrealistischen Fotografie handelt es sich um ein Gemeinschaftswerk von Philippe Halsman und Salvador Dalí, das in der 1949 .

In den späten 1940er Jahren begannen die beiden Künstler mit einer Serie von Fotoarbeiten, in denen die Elemente so angeordnet waren, dass sie eine ungewöhnliche und kuriose Bilder .

In Voluptas Mors eines dieser Bilder, auf dem die Figur eines makabren Schädels aus den Körpern nackter Frauen geformt ist.

Auch Dalí ist auf dem Bild zu sehen, mit einem Ausdruck des Erstaunens und einem starren Blick. Das Foto fand große Anerkennung und inspirierte andere Künstler.

Ein Beispiel ist das Plakat für den Film Das Schweigen der Unschuldigen (1991), das das Foto einer Frau mit einem Schmetterling vor dem Mund zeigt, in dessen Innerem ein Schädel aus nackten Frauen zu sehen ist.

14. Das Gesicht des Krieges - Salvador Dalí

Die Arbeit Das Gesicht des Krieges wurde am Ende des Jahres 1940 Zu dieser Zeit erlebte Europa die Schrecken des Zweiten Weltkriegs und Spanien (das Herkunftsland des Malers) erntete die bitteren Früchte des Spanischen Bürgerkriegs.

Salvador Dalí verbrachte eine Saison in den USA, als er das Gemälde entwarf, auf dem die Figur eines Mannes zu sehen ist. entsetztes Gesicht Im Inneren seiner Augen und seines Mundes befinden sich Schädel, und aus den Öffnungen dieser Schädel können wir weitere Schädel sehen.

Auf diese Weise gelang es dem Künstler, die "Logik" des Krieges auszudrücken, die Zerstörung und ständiger Tod Außerdem sind Schlangen zu sehen, die das Gesicht als Zeichen des Schreckens und der Angst umkreisen.

Das Werk ist derzeit im Boijmans Van Beuningen Museum in den Niederlanden zu sehen.

15. Ich und das Dorf - Marc Chagall

Der russische Künstler Marc Chagall wurde für seine Gemälde bekannt, die fantastische Bilder mit schwebenden Menschen und anderen ungewöhnlichen Elementen in einer wunderbare Atmosphäre .

Das Jahr war noch 1911 und das surrealistische Manifest erst 1924 verfasst werden würde, hatte Chagall jedoch bereits Werke, die den Grundsätzen der Bewegung folgten, wie zum Beispiel Ich und das Dorf das auch kubistische Einflüsse aufweist.

Auf der Leinwand wird das Leben des Malers in einer Weise dargestellt, die sich mit der Elemente aus seiner Vergangenheit in der russischen Landschaft, wie die Ziege im Vordergrund und die kleine Stadt im Hintergrund.

Der grüne Mann stellt den Künstler selbst dar, und das auf dem Kopf stehende Mädchen zeigt uns die Traumwelt Chagalls.

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