Découvrez 15 œuvres marquantes du surréalisme

Le surréalisme est l'un des mouvements artistiques qui a produit les œuvres les plus instigatrices et les plus énigmatiques, pleines de significations à découvrir.

Il faisait partie de l'avant-garde européenne, c'est-à-dire des courants apparus en Europe au début du XXe siècle et qui cherchaient à reformuler la manière dont l'art était produit et apprécié.

C'est dans ce contexte que le surréalisme a vu le jour, avec un manifeste en 1924. Le mouvement valorise la pensée libre et spontanée afin de créer scènes insolites, irréelles et fantaisistes Découvrez quelques-unes de ces œuvres et comprenez ce qu'elles signifient.

1. Persistance de la mémoire - Salvador Dalí

Persistance de la mémoire est une toile fabriquée en 1931 On dit qu'elle a été créée après que l'artiste se soit rassasié de fromage camembert et tomber malade en travaillant à la maison.

Dans cette œuvre, l'artiste montre un paysage typique de la Catalogne et un olivier sec, un arbre très présent dans la région. montres difformes et fondu, ainsi que le corps prostré sur le sol.

Les horloges fondues seront pour Dalí une symbolisme de la flaccidité et de l'impuissance sexuelle L'une d'entre elles est surmontée d'une mouche, en référence au fait que "le temps passe vite".

La seule horloge rigide qui apparaît dans l'œuvre est orientée vers le bas et plusieurs fourmis s'y empilent, en allusion à une putréfaction où l'objet, qui symbolise le temps, est dévoré comme une charogne.

Lire aussi : La persistance de la mémoire : analyse de l'œuvre de Salvador Dalí

2. Les amoureux - René Magritte

René Magritte est l'auteur de l'œuvre Les amoureux produit en 1928 .

Sur l'écran, on voit un homme et une femme s'embrasser, mais leurs têtes sont voilées. Cette œuvre est intrigante parce qu'elle met en évidence la contradiction entre un acte d'amour et un acte de violence. l'intimité et l'impossibilité de contact .

Nous pouvons interpréter cette scène de différentes manières : le voile peut symboliser la superficialité dans les relations, l'incapacité à se montrer complètement à son partenaire et le fait de ne pas avoir le droit de s'exprimer. manque de connexion sentimentale ou sexuelle entre les couples.

Il s'agit d'une allégorie sur les désirs frustrés et le sentiment d'isolement qui peut naître même au sein d'une relation amoureuse.

Il est intéressant de noter que ces réflexions se prolongent jusqu'à aujourd'hui et s'approfondissent même, à l'heure d'une "modernité liquide", telle que définie par le penseur polonais Zygmunt Bauman (1925 - 2017).

Magritte a utilisé cette caractéristique de cacher le visage des personnages dans plusieurs de ses toiles. Le peintre accordait beaucoup d'importance à l'image de marque. atmosphère mystérieuse et a proposé un questionnement profond dans ses œuvres.

Pour connaître d'autres œuvres du peintre, lire : Des œuvres d'art pour comprendre René Magritte.

3. Un chien andalou - Salvador Dalí et Luis Buñuel

Lorsque l'on parle d'œuvres surréalistes, on pense généralement aux arts plastiques, en particulier à la peinture, mais ce courant a également influencé la production d'autres langages, comme le cinéma.

Un chien andalou est l'un de ces événements cinématographiques et est devenue une icône du surréalisme. Conçue en 1929 de Salvador Dalí et Luis Buñuel, le film propose une narration totalement novatrice pour l'époque.

L'histoire ne présente pas de continuité chronologique ou logique des événements et fait clairement référence à des concepts de l'Union européenne. psychanalyse de Freud et l'univers de l'onirisme.

Le film est muet et montre un personnage accomplissant des actions inimaginables, comme dans le célèbre passage où il coupe le globe oculaire d'une femme avec un rasoir.

L'ensemble du récit est rempli de absurdités qui peut être interprétée comme une promenade à l'intérieur de l'esprit humain, révélant les pulsions violentes, dérangeantes et irrationnelles contenues dans l'inconscient.

4. Petit déjeuner en cuir - Meret Oppenheim

Petit déjeuner en cuir de l'artiste suisse Meret Oppenheim, a été réalisée en 1936 alors que l'artiste n'avait que 23 ans.

L'œuvre consiste en un service à thé composé d'une soucoupe, d'une cuillère et d'une tasse recouvertes d'une peau de gazelle.

Ce travail est curieux et provoque l'étrangeté, car stimule l'esprit et les sens Il suggère ainsi une association entre un objet quotidien, utilisé en contact avec la bouche, et l'impossibilité de l'utiliser.

En observant ce service à thé inhabituel, le spectateur est frappé par une mélange de curiosité et de répulsion Il s'agit d'un mélange d'émotions, de dégoût et d'attirance, presque comme si nous pouvions sentir la texture de la peau d'un animal sur notre langue.

L'artiste s'est fait connaître en créant divers objets qui suscitent et provoquent la surprise, l'étonnement et les contradictions, dans le style surréaliste.

5. Le cerf blessé - Frida Kahlo

La production de la Mexicaine Frida Kahlo est marquée par des scènes mystérieuses et pleine de détails qui portent... des significations intenses et autobiographiques .

Le cerf blessé , de 1946 Dans cette œuvre, l'artiste expose toutes ses vulnérabilité et tente de purger les sentiments de souffrance face à son état de santé précaire et aux conflits de son mariage avec le peintre Diego Rivera.

L'animal a neuf flèches qui lui transpercent le corps, tandis que son visage reste placide et hautain, en signe évident de résilience.

On peut également établir un parallèle entre le corps fléché de l'animal et le passage biblique dans lequel saint Sébastien est attaché à un arbre et grièvement blessé par des flèches.

Bien que l'œuvre de Frida Kahlo soit souvent associée au mouvement surréaliste et qu'elle ait été exposée une fois aux côtés de peintres du mouvement, elle a nié être en fait une surréaliste.

En réalité, ses toiles intrigantes expriment son univers le plus intime.

Lisez également cet article que nous avons préparé sur l'artiste mexicaine : les œuvres les plus étonnantes de Frida Kahlo.

6. Carnaval Harlequin - Joan Miró

Au 1924 Joan Miró réalise la toile Carnaval Harlequin L'œuvre est composée de nombreux éléments fantastiques qui s'interconnectent dans une atmosphère de fête. profusion colorée .

Le peintre a disposé des êtres de formes et de tailles diverses dans une pièce divisée en deux par une ligne délimitant le sol du mur. Sur le côté droit, on voit également une fenêtre, d'où l'on peut observer le soleil, et une construction, qui serait la Tour Eiffel.

L'arlequin est présenté avec une énorme moustache et un corps de guitare. Une autre figure remarquable est une sorte de robot qui apparaît en train de jouer d'un instrument.

La scène représente la monde personnel et imaginatif du peintre, qui l'a réalisée sur la base de ses délires provoqués par la faim dans ses moments de grande difficulté financière.

7. Le chasseur d'étoiles - Remedios Varo

Remedios Varo est une femme importante de la scène surréaliste. Née en Catalogne, en Espagne, la peintre s'installe en France où elle entre en contact avec des artistes surréalistes et est influencée par eux. Elle s'installe ensuite au Mexique et y reste.

Son œuvre est remplie de symboles et d'éléments oniriques qui transitent dans un espace de liberté. univers fantastique et magique .

Au Le chasseur d'étoiles , de 1956 Remedios montre dans son œuvre une figure féminine portant dans une main une cage avec une lune à l'intérieur, et dans l'autre main un filet de chasse.

Les vêtements portés par ce personnage sont comme une grande cape lumineuse Il y a également une ouverture à hauteur de la poitrine, suggérant un trou noir ou même une vulve.

8. La trahison des images - René Magritte

Le cadre La trahison des images a été peinte en 1929 Sur cette toile, l'artiste surréaliste représente la figure d'une pipe et insère une sorte de légende qui dit " Il ne s'agit pas d'un tuyau ".

L'idée du peintre était de mettre en évidence la différenciation entre les représentation et réalité En disant que la figure du tuyau n'est pas un tuyau, Magritte joue avec les mots et les images dans un jeu visuel plein d'ironie.

9. Le fils de l'homme - René Magritte

Le fils de l'homme a également été peint par l'artiste René Magritte. La toile, qui date de la fin du XIXe siècle, a été peinte par l'artiste. 1964 L'œuvre a d'abord été conçue comme un autoportrait, mais le peintre y a ensuite ajouté d'autres éléments.

La pomme verte qui plane devant le visage de l'homme nous apporte une atmosphère irréaliste et fantastique En fait, le paysage, aussi commun qu'il puisse paraître, a aussi quelque chose de sombre.

Un détail à peine perceptible au premier abord est le bras gauche de l'individu, qui est représenté comme s'il était sur le dos, comme on peut le voir à travers la courbure du coude.

Il s'agit de l'une des œuvres emblématiques de Magritte, qu'il a commentée un jour :

Au moins, il cache partiellement le visage. Alors, vous avez le visage apparent, la pomme, qui cache le visage visible mais caché, le vrai visage de la personne. C'est quelque chose qui se produit constamment. Tout ce que nous voyons cache quelque chose d'autre, et nous voulons toujours voir ce qui est caché, par ce que nous voyons.

10. Abaporu - Tarsila do Amaral

Au Brésil, le mouvement surréaliste s'est également manifesté, inspirant et incitant les artistes brésiliens et le public. L'une des œuvres inspirées par le mouvement est le célèbre toile moderniste Abaporu, peint par Tarsila do Amaral en 1928 .

Ici, nous voyons une figure humaine aux proportions déformées au milieu d'un paysage chaud et aride. La représentation de mains et de pieds énormes s'explique par le fait que l'artiste a cherché à obtenir le meilleur résultat possible. valorisation du travail manuel et le lien entre le peuple brésilien et la terre.

Le tableau est devenu une référence dans l'histoire de l'art brésilien, étant une icône de la brésilianité.

11. Les deux Fridas - Frida Kahlo

Frida Kahlo était une peintre mexicaine qui a utilisé de nombreux éléments autobiographiques dans ses œuvres, apportant un univers fantastique et symbolique à ses toiles.

À l'écran Les deux Fridas , de 1939 On y voit deux autoportraits du peintre, deux femmes assises l'une à côté de l'autre et se tenant par la main.

L'une des "Fridas" porte un costume typiquement mexicain, en référence à ses racines ; l'autre porte une robe en dentelle, en référence à l'Europe et à l'influence que ce continent a eue sur elle.

Ils sont reliés par leur cœur La "Frida mexicaine" tient un petit portrait de son mari, Diego Rivera, dont elle s'était séparée à l'époque.

Les nuages à l'arrière-plan révèlent une atmosphère sombre et catastrophique, tandis que les jambes écartées de l'une des femmes font allusion à la situation dans laquelle elle se trouve. la sexualité Cette œuvre se trouve actuellement au Musée d'art moderne de Mexico.

12. L'impossible - Maria Martins

La sculptrice Maria Martins (1894-1973) est une artiste brésilienne qui a flirté avec le surréalisme.

Dans son travail L'impossible finalisé en 1949 il explore la notion de désir et incomplétude à travers deux personnages qui se touchent presque, mais qui, à cause de leurs griffes, se repoussent l'un l'autre.

L'artiste, bien que moins connue aujourd'hui, a été une femme très importante pour l'art au Brésil, collaborant intensément à la création de la fondation de la Biennale et à ses premières éditions.

En outre, elle possédait un un travail fort et incitatif où elle questionne et révèle des aspects de la sexualité féminine, parmi d'autres questions pertinentes pour les femmes.

13. In Voluptas Mors Philippe Halsman

La photographie surréaliste en question est une œuvre commune de Philippe Halsman et de Salvador Dalí, exposée à l'exposition de l'Union européenne. 1949 .

À la fin des années 1940, les deux artistes ont commencé une série de travaux photographiques dans lesquels les éléments étaient organisés de manière à créer une image de marque. photos insolites et curieuses .

In Voluptas Mors une de ces images, dans laquelle la figure d'un crâne macabre est formée à partir de corps de femmes nues.

Dalí apparaît également dans la scène, affichant une expression d'étonnement avec un regard fixe. La photographie a connu une grande reconnaissance et a inspiré d'autres artistes.

L'affiche du film Le silence des innocents (1991), qui montre une photographie d'une femme avec un papillon devant sa bouche, à l'intérieur du papillon se trouve l'image d'un crâne composé de femmes nues.

14. Le visage de la guerre - Salvador Dalí

Le travail Le visage de la guerre a été peinte à la fin de l'année 1940 À cette époque, l'Europe connaissait les horreurs de la Seconde Guerre mondiale et l'Espagne (pays d'origine du peintre) récoltait les fruits amers de la guerre civile espagnole.

Salvador Dalí passait une saison aux États-Unis lorsqu'il a conçu ce tableau, où l'on voit la silhouette d'un homme. visage terrifié A l'intérieur de ses yeux et de sa bouche, il y a des crânes et à l'intérieur des orifices de ces crânes, on peut voir d'autres crânes.

C'est ainsi que l'artiste a pu exprimer la "logique" de la guerre, qui produit la destruction et l'extermination. la mort en permanence Des serpents entourent également le visage, en signe de terreur et de crainte.

L'œuvre est actuellement exposée au musée Boijmans Van Beuningen aux Pays-Bas.

15. Moi et le village - Marc Chagall

L'artiste russe Marc Chagall s'est fait connaître par ses toiles qui présentent des images fantastiques, avec des personnes qui flottent et d'autres éléments inhabituels dans un décor de rêve. une atmosphère merveilleuse .

L'année était encore 1911 et le manifeste surréaliste ne sera rédigé qu'en 1924, mais Chagall a déjà des productions qui suivent les préceptes du mouvement, comme c'est le cas de Moi et le village qui mêle également l'influence cubiste.

Sur la toile, la vie du peintre est représentée d'une manière qui mêle des éléments de son passé dans la campagne russe, comme la chèvre qui apparaît au premier plan et la petite ville à l'arrière-plan.

L'homme vert représente l'artiste lui-même et la jeune fille renversée nous montre le monde onirique de Chagall.

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