7 έργα για να γνωρίσετε τον Τζάκσον Πόλοκ

Ο Jackson Pollock (1912-1956) θεωρείται ένας από τους πιο πρωτότυπους ζωγράφους του 20ού αιώνα.

Ο καλλιτέχνης, ο οποίος είναι ένα από τα μεγάλα ονόματα του αμερικανικού αφηρημένου εξπρεσιονισμού, ήταν από τους πρώτους που χρησιμοποίησε την τεχνική drip painting, έναν τρόπο ζωγραφικής που χρησιμοποιεί το στάξιμο. Οι τεράστιοι καμβάδες τοποθετήθηκαν οριζόντια, ξαπλωμένοι στο έδαφος, και ο Pollock περπατούσε πάνω τους ρίχνοντας τα χρώματα με έναν πρωτότυπο τρόπο.

1. Φθινοπωρινός ρυθμός: Αριθμός 30 (1950)

Η οθόνη Φθινοπωρινός ρυθμός: Αριθμός 30 που δημιουργήθηκε τον Οκτώβριο του 1950, είναι μια από τις εικόνες της αφηρημένης τέχνης - που κατάφερε να απελευθερώσει τους ζωγράφους από την υποχρέωση της παραστατικότητας, της αναπαράστασης της πραγματικότητας.

Η μέθοδος ζωγραφική με σταγόνες Η τεχνική της ζωγραφικής με σταγόνες, την οποία εφάρμοσε ο Πόλοκ μεταξύ 1947 και 1951, δημιουργήθηκε από τον Μαξ Ερνστ και τελειοποιήθηκε από τον Αμερικανό ζωγράφο, ο οποίος καθιέρωσε ένα νέο είδος τέχνης που δεν είχε ξαναγίνει.

Εκτός από τη χρήση του ραβδιού και ενός παχύτερου πινέλου, ο Pollock πήρε επίσης ένα συμβατικό δοχείο μπογιάς και τρύπησε τον πυθμένα του. Αυτό το νέο εργαλείο, που εφευρέθηκε αυθόρμητα, τον βοήθησε στην τεχνική των σταγόνων.

Για να δημιουργήσει τους πίνακές του με αυτόν τον διαφορετικό τρόπο, ο Πόλοκ άπλωνε τον καμβά στο πάτωμα και περπατούσε πάνω του (μια χειρονομία που έγινε γνωστή ως ζωγραφική δράσης ).

Φθινοπωρινός ρυθμός: Αριθμός 30 Ήταν τόσο μεγάλο που έπρεπε να ζωγραφιστεί σε έναν αχυρώνα, που βρισκόταν κοντά στο σπίτι του ζωγράφου.

Μέχρι το 1945, ο Πόλοκ και η σύζυγός του (επίσης ζωγράφος Lee Krasnet), είχαν μετακομίσει σε ένα σπίτι στο East Hampton και είχαν το προνόμιο να έχουν τον αχυρώνα, ο οποίος τους παρείχε τη δυνατότητα να δημιουργούν μεγάλα έργα και να πειραματίζονται χωρίς περιορισμούς χώρου.

Φθινοπωρινός ρυθμός είναι ένας από τους μεγαλύτερους καμβάδες που χρησιμοποιούν την τεχνική του στάγδην, με διαστάσεις 2,67 μέτρα επί 5,26 μέτρα. immersive για το κοινό που μπορεί να βυθιστεί σε αυτό και να προσπαθήσει να φανταστεί το συναίσθημα που κρύβεται πίσω από τη δημιουργία.

2. Αριθμός 1, Ομίχλη λεβάντας (1950)

Ένα από τα πιο αναγνωρισμένα έργα του Pollock είναι το Αριθμός 1, Ομίχλη λεβάντας Σε αυτό το είδος εργασίας, όπου κάνει χρήση της ζωγραφικής με σταγόνες, δεν υπάρχει κεντρικό στοιχείο ή οποιοδήποτε είδος ιεραρχίας των στοιχείων που υπάρχουν στο πλαίσιο.

Κατά την περίοδο που έζησε ο Πόλοκ, η πράξη της δημιουργίας απέκτησε μεγάλη σημασία και η ιδέα του τελειωμένου έργου έχασε τη δυναμική της. Για αυτή τη γενιά καλλιτεχνών, η διαδικασία ήταν εξίσου σημαντική με το τελικό αποτέλεσμα.

Η αρχική χειρονομία του Pollock, η οποία περπάτησε στον καμβά που μοίραζε το χρώμα σχεδόν σαν να χόρευε, καταγράφηκε σε μια σειρά συνεντεύξεων που βοήθησαν να γίνει ακόμη πιο δημοφιλές και γνωστό το έργο του.

Στην κατηγορία ότι τα έργα του ήταν τυχαία, που διατυπώθηκε πολύ εκείνη την εποχή, ο ζωγράφος αντέτεινε λέγοντας:

Όταν ζωγραφίζω, έχω μια γενική αντίληψη του τι κάνω. Μπορώ να ελέγξω τη ροή του χρώματος... Δεν υπάρχει ατύχημα, όπως δεν υπάρχει και αρχή ή τέλος.

3. Τοιχογραφία (1944)

Το έργο Τοιχογραφία (1944) είναι το μεγαλύτερο έργο του Πόλοκ (έχει πλάτος 6 μέτρα και ύψος 3 μέτρα) και είχε παραγγελθεί από τον Peggy Guggeinheim έναν σημαντικό συλλέκτη έργων τέχνης από τη Βόρεια Αμερική, ο οποίος ήταν υπεύθυνος για την οργάνωση της πρώτης έκθεσης του ζωγράφου.

Τοιχογραφία ήταν μια παραγγελία που έκανε η Peggy το καλοκαίρι του 1943 για να ζωγραφίσει έναν από τους τοίχους του σπιτιού της στο Μανχάταν. Ο Marcel Duchamp, φίλος της Peggy, πρότεινε ο πίνακας να μην γίνει στον τοίχο αλλά σε κορνίζα, ώστε να μπορεί να μεταφερθεί.

Σύμφωνα με έναν μύθο που πλανάται πάνω από τον Αμερικανό ζωγράφο, ο Τοιχογραφία δημιουργήθηκε μέσα σε μία μόνο νύχτα, αφού ο ζωγράφος είχε μπλοκαριστεί για εβδομάδες από μια κρίση δημιουργικότητας. Οι ερευνητές, ωστόσο, βρήκαν πολλά επικαλυπτόμενα στρώματα χρώματος που υποδηλώνουν μια διαδικασία στεγνώματος τουλάχιστον μερικών εβδομάδων.

Σχετικά με το θέμα που επέλεξε, ο Πόλοκ εξομολογήθηκε σε έναν φίλο του:

Πρόκειται για μια πανδαισία όλων των ζώων της Αμερικανικής Δύσης, αγελάδες και άλογα, αντιλόπες και βουβάλια. Τα πάντα είναι παρόντα σε αυτή την ανατιναγμένη επιφάνεια.

Κατά τη διάρκεια μιας περιόδου της ζωής του, ο Πόλοκ και η Πέγκι Γκουγκέινχαϊμ δημιούργησαν μια μάλλον ασυνήθιστη σχέση: η συλλέκτρια κατέβαλε στον Πόλοκ ένα μηνιαίο ποσό 150 δολαρίων, ώστε να μπορεί να συντηρεί τον εαυτό του και να συνεχίζει να παράγει τους πίνακές του, τους οποίους η Πέγκι θεωρούσε αριστουργήματα. Ήταν, παρεμπιπτόντως, μια από τις μεγάλες υπεύθυνες για τη διάδοση του Πόλοκ σε όλο τον κόσμο, αφού είχε επίσης πάρει τα έργα τουγια την Ευρώπη.

Το πίνακες ζωγραφικής μεγάλης κλίμακας επηρεάστηκαν σε μεγάλο βαθμό από τον μεξικάνικο τοιχογραφισμό και ο Πόλοκ, καθώς ο χώρος εργασίας του ήταν ένας τεράστιος αχυρώνας, είχε την πολυτέλεια να δημιουργεί χωρίς να ανησυχεί ακριβώς για το μέγεθος του έργου που θα δημιουργούσε.

4. Full Fathom Five (1947)

Full Fathom Five θεωρείται μεταβατική οθόνη επειδή ενσωματώνει αντικείμενα (αποτσίγαρα, καρφίτσες, συσκευασίες κ.λπ.), όπως είχαν ήδη κάνει στο παρελθόν ο Πικάσο και ο Μπρακ, οι μεγάλες επιρροές του ζωγράφου. Στους επόμενους πίνακες του Πόλοκ δεν συναντάμε πλέον την ένταξη των αντικειμένων σε μια τόσο παρούσα μορφή.

Full Fathom Five είναι επίσης ένα ιστορικό ορόσημο: η πρώτη φορά που ο Πόλοκ άπλωσε τον καμβά στο έδαφος και περπάτησε πάνω του ήταν το Full Fathom Five Ο ιστορικός καμβάς βρίσκεται σήμερα στη συλλογή του MOMA στη Νέα Υόρκη.

Τοποθετώντας τον καμβά στο έδαφος και περπατώντας πάνω του, ο Πόλοκ έκανε αυτό που πολλοί αποκαλούσαν σχέδιο στον αέρα, χόρευε πάνω στον πίνακα. Αυτή η κίνηση έγινε γνωστή ως ζωγραφική δράσης (ζωγραφική δράσης).

Ο ίδιος ο ζωγράφος έχει εξηγήσει πολλές φορές τη διαδικασία της δουλειάς του:

Η ζωγραφική μου δεν προέρχεται από το καβαλέτο... Στο πάτωμα είμαι πιο άνετα. Νιώθω πιο κοντά, πιο πολύ μέρος του πίνακα, γιατί τότε μπορώ να περπατήσω γύρω του, να δουλέψω και από τις τέσσερις πλευρές και να είμαι κυριολεκτικά μέσα στον πίνακα.

5. Άνδρες και γυναίκες (1942)

Ζωγραφισμένος προς την αρχή της καριέρας του, ο καμβάς Άνδρες και γυναίκες εξακολουθεί να εμπνέεται σε μεγάλο βαθμό από το έργο του Πικάσο, από τον κυβισμό, και βρίσκεται στη μέση του μεταξύ αφηρημένης και παραστατικής ζωγραφικής .

Όπως υποδηλώνει ο τίτλος, στον πίνακα βλέπουμε μια ανδρική και μια γυναικεία μορφή, αν και οι δύο παρουσιάζουν διφορούμενα σημάδια. Πολλοί θεωρητικοί αναγνωρίζουν συνήθως την ανδρική μορφή ως αντιπροσωπευόμενη από τη μαύρη στήλη, γεμάτη με αριθμούς και μυστηριώδεις χάντρες, και η γυναικεία μορφή θα βρισκόταν στα αριστερά και θα αντιπροσωπευόταν από καμπύλες και με αιλουροειδή μάτια.

Το έτος 1942, ο Πόλοκ προσκλήθηκε να συμμετάσχει σε μια κοινή έκθεση που διοργανώθηκε από υπερρεαλιστές. Ο Αμερικανός ζωγράφος, παρά το γεγονός ότι ταυτιζόταν με αρκετές από τις αρχές της ομάδας (όπως, για παράδειγμα, η σημασία του ασυνείδητου), αρνήθηκε να συμμετάσχει στην εκδήλωση, επειδή δεν αισθανόταν άνετα με κοινές δραστηριότητες, προτιμώντας να εξερευνήσει μόνος του τη δική του φωνή και νακάνει ένα ατομική διαδρομή σεβόμενοι τον χρόνο και τις ανακαλύψεις τους.

6. Γέννηση (1941)

Γέννηση Αντιμετωπίζοντας τον εθισμό στο αλκοόλ, ο ζωγράφος ξεκίνησε μια διαδικασία θεραπείας και αποτοξίνωσης το 1939, η οποία διήρκεσε μέχρι το 1941 - εισήχθη μάλιστα στο τμήμα Westchester του νοσοκομείου της Νέας Υόρκης.

Το πλαίσιο Γέννηση μιλάει για αυτή τη διαδικασία της αναγέννησης, για την αναζήτησή του για εσωτερική γνώση και για μια συγγραφική γλώσσα .

Το δημιουργικό έργο του ζωγράφου σημαδεύτηκε σε μεγάλο βαθμό από σημασία του ασυνείδητου στη δημιουργική τους διαδικασία.

Όταν βρίσκομαι στη ζωγραφική μου, δεν έχω επίγνωση του τι κάνω. Μόνο μετά από μια περίοδο "εξοικείωσης" βλέπω τι έχω κάνει. Δεν φοβάμαι να κάνω αλλαγές, να καταστρέψω την εικόνα κ.λπ., γιατί ο πίνακας έχει τη δική του ζωή.

Τζάκσον Πόλοκ

Ο Τζάκσον Πόλοκ επηρεάστηκε σε μεγάλο βαθμό από τις θεωρίες του Γιουνγκ, ο οποίος προσπαθούσε να δώσει πρόσβαση στο ασυνείδητο (ατομικό και συλλογικό) μέσω της τέχνης.

Το 1939, ο Πόλοκ ξεκίνησε θεραπεία με τον αναλυτή Τζόζεφ Χέντερσον. Ο Γιουνγκ ήταν ο θεραπευτής του ίδιου του Τζόζεφ Χέντερσον, του αναλυτή του Πόλοκ. Ένα περίεργο γεγονός: στο τέλος της θεραπείας, ο Πόλοκ έδωσε στον αναλυτή του ως δώρο 87 σχέδια που είχε κάνει κατά τη διάρκεια της θεραπείας του.

Το πλαίσιο Γέννηση διαβάζεται επίσης από πολλούς ως μια μορφή αναγέννησης με τη συλλογική έννοια, καθώς οι Αμερικανοί αναρωτιόντουσαν τι κόσμο θα έπρεπε να χτίσουν μετά τον Μεγάλο Πόλεμο.

Αξίζει να θυμηθούμε δύο σημαντικές ημερομηνίες που επηρέασαν τη βορειοαμερικανική κουλτούρα: το 1930 οι Ηνωμένες Πολιτείες εισήλθαν σε σοβαρή οικονομική ύφεση και το 1942 η χώρα εισήλθε στον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο.

7. Φιγούρες σε ένα τοπίο (1937)

Το έργο Φιγούρες σε ένα τοπίο δημιουργήθηκε όταν ο Πόλοκ ήταν 24 ετών και είναι ο παλαιότερος καμβάς του καλλιτέχνη στη συλλογή του MOMA. Αποτελεί μια καταγραφή των πρώτων δημιουργικών του ημερών.

Σε ηλικία 16 ετών, ο ζωγράφος μπήκε στη Σχολή Χειρωνακτικών Τεχνών του Λος Άντζελες, επηρεασμένος σε μεγάλο βαθμό από τη μητέρα του. Το αγόρι ήταν το μικρότερο από τα πέντε αδέλφια που γεννήθηκαν από ένα ζευγάρι σκωτσέζικης και ιρλανδικής καταγωγής (Στέλλα Μέι ΜακΛουρ και Λε Ρόι Πόλοκ). Ο πατέρας του, αγρότης, αναγκάστηκε να μετακομίσει με την οικογένεια μερικές φορές σε αναζήτηση καλύτερων συνθηκών στην ύπαιθρο. Η μητέρα του Τζάκσον ενθάρρυνε ιδιαίτερα τα παιδιά της να ακολουθήσουνΤρεις, μάλιστα, έγιναν καλλιτέχνες.

Σε ηλικία 18 ετών, το 1930, ο Τζάκσον μετακόμισε στη Νέα Υόρκη για να γίνει καλλιτέχνης, και εκείνη τη στιγμή εγκατέλειψε το όνομα που είχε πάρει κατά τη γέννησή του (Paul), για να υιοθετήσει το καλλιτεχνικό όνομα Τζάκσον.

Πιστεύουμε ότι θα σας αρέσει επίσης να διαβάζετε το άρθρο Τα πιο διάσημα έργα του αφηρητισμού.