7 работ, чтобы узнать Джексона Поллока

Джексон Поллок (1912-1956) считается одним из самых оригинальных художников 20-го века.

Художник, который является одним из великих имен американского абстрактного экспрессионизма, одним из первых использовал технику drip painting - способ живописи, в котором используется капание. Огромные холсты располагались горизонтально, лежа на земле, и Поллок ходил по ним, разливая краски оригинальным способом.

1. Осенний ритм: номер 30 (1950)

Экран Осенний ритм: номер 30 созданный в октябре 1950 года, является одной из икон абстрактного искусства - того, что сумело освободить художников от обязанности фигурировать, изображать реальность.

Метод капельная покраска Техника капельной живописи, которую Поллок практиковал с 1947 по 1951 год, была создана Максом Эрнстом и усовершенствована американским художником, который создал новый вид искусства, не существовавший ранее.

Помимо использования палочки и более толстой кисти, Поллок также взял обычную банку из-под краски и проткнул дно. Этот новый инструмент, изобретенный на скорую руку, помог ему в технике капель.

Чтобы создать свои картины таким образом, Поллок клал холст на пол и ходил по нему (жест, который стал известен как художественная роспись ).

Осенний ритм: номер 30 Она была настолько большой, что ее пришлось рисовать в сарае, расположенном рядом с домом художника.

К 1945 году Поллок и его жена (также художница Ли Краснет) переехали в дом в Ист-Хэмптоне и получили в свое распоряжение сарай, который давал возможность создавать большие работы и эксперименты без ограничений по площади.

Осенний ритм это одно из самых больших полотен, выполненных в технике капания, размером 2,67 м на 5,26 м. иммерсивный для публики, которая может погрузиться в него и попытаться представить себе чувства, стоящие за этим творением.

2. Номер 1, Лавандовый туман (1950)

Одна из самых признанных работ Поллока - это Номер 1, Лавандовый туман В таких работах он использует капельную живопись, нет центрального элемента или любой вид иерархии элементов, присутствующих в каркасе.

В период, когда жил Поллок, акт творчества приобрел большое значение, а идея законченного произведения потеряла свою актуальность. Для этого поколения художников процесс был так же важен, как и конечный результат.

Оригинальный жест Поллока, который ходил по холсту распределяя краски почти как в танце, был записан в серии интервью, которые помогли еще больше популяризировать и пропагандировать его работу.

На обвинения в том, что его работы носят случайный характер, которых в то время было немало, художник возразил, сказав:

Когда я рисую, у меня есть общее представление о том, что я делаю. Я могу контролировать поток краски... Случайностей не бывает, так же как не бывает начала или конца.

3. Фреска (1944)

Работа Фреска (1944) - самая большая работа Поллока (6 метров в ширину на 3 метра в высоту), она была заказана Пегги Гуггейнхайм важный североамериканский коллекционер искусства, который отвечал за организацию первой выставки художника.

Фреска это заказ Пегги летом 1943 года на роспись одной из стен ее дома на Манхэттене. Марсель Дюшан, друг Пегги, предложил, чтобы картина была выполнена не на стене, а в раме, чтобы ее можно было переносить.

Согласно мифу, который витает над американским художником, в Фреска Однако исследователи обнаружили несколько перекрывающихся слоев краски, которые указывают на то, что процесс высыхания длился не менее нескольких недель.

О выбранной теме Поллок признался другу:

Это скопление всех животных американского Запада, коров, лошадей, антилоп и буйволов. Все присутствует на этой взрытой поверхности.

В определенный период жизни Поллока и Пегги Гуггейнхайм сложились довольно необычные отношения: коллекционерка ежемесячно выплачивала Поллоку 150 долларов, чтобы он мог содержать себя и продолжать создавать свои картины, которые Пегги считала шедеврами. Она, кстати, была одной из главных виновниц распространения творчества Поллока по всему миру, также взяв его работы на себядля Европы.

Сайт масштабные картины сильно повлиял мексиканский мурализм, а Поллок, поскольку его рабочей зоной был огромный сарай, мог позволить себе творить, не особо беспокоясь о размерах создаваемой работы.

4. Полный фарватер 5 (1947)

Полный фарватер 5 считается переходным экраном, потому что включает в себя объекты (окурки, булавки, упаковки и т.д.), как это уже делали в прошлом Пикассо и Брак, оказавшие большое влияние на художника. В последующих картинах Поллока мы уже не находим включения предметов в такой актуальной форме.

Полный фарватер 5 также является исторической вехой: впервые Поллок положил холст на землю и прошел по нему в Полный фарватер 5 В настоящее время историческое полотно находится в коллекции МоМА в Нью-Йорке.

Положив холст на землю и пройдясь по нему, Поллок сделал то, что многие называют рисованием в воздухе, он танцевал на картине. Это движение стало известно как художественная роспись (действие картины).

Сам художник неоднократно объяснял свой процесс:

Моя картина не сходит с мольберта... На полу мне удобнее. Я чувствую себя ближе, более частью картины, потому что тогда я могу ходить вокруг нее, работать со всех четырех сторон и буквально быть в картине.

5. Мужчина и женщина (1942)

Написанный в начале его карьеры, холст Мужчина и женщина все еще очень сильно вдохновлен работами Пикассо, кубизмом, и находится в середине между абстрактной и фигуративной живописью .

Как следует из названия, на картине мы видим мужскую и женскую фигуры, хотя обе они имеют неоднозначные признаки. Многие теоретики обычно определяют мужскую фигуру как представленную черной колонной, заполненной цифрами и загадочными бусинами, а женская фигура располагалась бы слева, будучи представленной изгибами и с кошачьими глазами.

В 1942 году Поллока пригласили принять участие в совместной выставке, организованной сюрреалистами. Американский художник, несмотря на то, что он разделял некоторые принципы группы (такие как, например, важность бессознательного), отказался от участия в мероприятии, поскольку не чувствовал себя комфортно в совместных мероприятиях, предпочитая исследовать свой голос в одиночку.сделать индивидуальный маршрут уважая их время и их открытия.

6. Рождение (1941)

Рождение Столкнувшись с алкогольной зависимостью, художник в 1939 году начал процесс терапии и детоксикации, который продолжался до 1941 года - он даже был помещен в Вестчестерское отделение Нью-Йоркской больницы.

Рамки Рождение рассказывает об этом процессе перерождения, о своем поиске внутреннего знания и о авторский язык .

Творчество живописца в значительной степени было отмечено важность бессознательного в их творческом процессе.

Когда я нахожусь за картиной, я не осознаю, что делаю. Только после периода "ознакомления" я вижу, что у меня получилось. Я не боюсь вносить изменения, разрушать изображение и т.д., потому что картина живет своей собственной жизнью.

Джексон Поллок

На Джексона Поллока большое влияние оказали теории Юнга, который стремился дать доступ к бессознательному (как индивидуальному, так и коллективному) через искусство.

В 1939 году Поллок начал терапию у аналитика Джозефа Хендерсона. Юнг был терапевтом самого Джозефа Хендерсона, аналитика Поллока. Любопытный факт: в конце лечения Поллок передал своему аналитику в подарок 87 рисунков, которые он сделал в процессе лечения.

Рамки Рождение многие читают как форму возрождения в коллективном смысле, поскольку американцы задавались вопросом, какой мир они должны построить после Великой войны.

Стоит вспомнить две важные даты, повлиявшие на североамериканскую культуру: в 1930 году США вступили в серьезную финансовую депрессию, а в 1942 году страна вступила во Вторую мировую войну.

7. Фигуры в пейзаже (1937)

Работа Фигуры в пейзаже был создан, когда Поллоку было 24 года, и является самым старым полотном художника в коллекции МоМА. Это запись его ранних творческих дней.

В возрасте 16 лет художник поступил в Школу ручного искусства в Лос-Анджелесе под большим влиянием своей матери. Мальчик был младшим из пяти братьев и сестер, родившихся в семье шотландско-ирландского происхождения (Стелла Мэй МакКлюр и Ле Рой Поллок). Его отец, фермер, был вынужден несколько раз переезжать с семьей в поисках лучших условий в сельской местности. Мать Джексона особенно поощряла своих детей следовать заТрое, действительно, стали художниками.

В возрасте 18 лет, в 1930 году, Джексон переехал в Нью-Йорк, чтобы стать художником, именно в это время он отказался от своего родового имени (Пол) и принял сценический псевдоним Джексон.

Думаем, вам также будет интересно прочитать статью Самые известные работы абстракционизма.