7 œuvres pour connaître Jackson Pollock

Jackson Pollock (1912-1956) est considéré comme l'un des peintres les plus originaux du XXe siècle.

L'artiste, qui est l'un des grands noms de l'expressionnisme abstrait américain, a été l'un des premiers à utiliser la technique du dripping, une manière de peindre qui utilise le goutte-à-goutte. Les immenses toiles étaient placées horizontalement, couchées sur le sol, et Pollock marchait dessus en versant les peintures d'une manière originale.

1. Rythme automnal : Numéro 30 (1950)

L'écran Rythme automnal : Numéro 30 créée en octobre 1950, est l'une des icônes de l'art abstrait - qui a réussi à libérer les peintres de l'obligation de figuration, de représentation de la réalité.

La méthode peinture au goutte-à-goutte La technique du dripping, pratiquée par Pollock entre 1947 et 1951, a été créée par Max Ernst et perfectionnée par le peintre américain, qui a créé un nouveau type d'art inédit.

En plus d'utiliser le bâton et un pinceau plus épais, Pollock prend un pot de peinture conventionnel et en perce le fond. Ce nouvel outil, inventé sur un coup de tête, l'aide à réaliser la technique du dripping.

Pour créer ses peintures de cette manière différente, Pollock posait la toile sur le sol et marchait dessus (un geste qui est devenu connu sous le nom de action painting ).

Rythme automnal : Numéro 30 Elle était si grande qu'elle a dû être peinte dans une grange, située près de la maison du peintre.

En 1945, Pollock et sa femme (Lee Krasnet, également peintre) s'installent dans une maison à East Hampton et ont le privilège de disposer de la grange, qui leur permet de créer de grandes œuvres et de faire des expériences sans restriction d'espace.

Rythme d'automne est l'une des plus grandes toiles utilisant la technique du dripping, mesurant 2,67 mètres sur 5,26 mètres. immersif pour le public qui peut s'y plonger et essayer d'imaginer le sentiment qui se cache derrière la création.

2. Numéro 1, brume de lavande (1950)

L'une des œuvres les plus connues de Pollock est Numéro 1, brume de lavande Dans ce type d'œuvre, il utilise le drip painting, il n'y a pas d'élément central ou tout type de hiérarchie d'éléments présents dans le cadre.

Pendant la période où Pollock a vécu, l'acte de création a pris beaucoup d'importance et l'idée de l'œuvre finie a perdu de sa force. Pour cette génération d'artistes, le processus était aussi important que le résultat final.

Le geste original de Pollock, qui a marché sur la toile distribuant la peinture presque comme s'il dansait, a été enregistrée dans une série d'interviews qui ont contribué à populariser et à faire connaître encore davantage son travail.

L'accusation selon laquelle ses œuvres étaient aléatoires, très répandue à l'époque, le peintre l'a argumentée en disant :

Quand je peins, j'ai une idée générale de ce que je fais, je peux contrôler le flux de la peinture... Il n'y a pas d'accident, tout comme il n'y a pas de début ou de fin.

3. Murale (1944)

Le travail Murale (1944) est la plus grande œuvre de Pollock (6 mètres de large sur 3 mètres de haut). Peggy Guggeinheim un important collectionneur d'art nord-américain qui a organisé la première exposition du peintre.

Murale Marcel Duchamp, l'ami de Peggy, a suggéré que la peinture ne soit pas réalisée sur le mur mais sur un cadre, afin qu'elle soit transportable.

Selon un mythe qui plane sur le peintre américain, le Murale Les chercheurs ont cependant trouvé plusieurs couches de peinture qui se chevauchaient, ce qui indiquerait un processus de séchage d'au moins quelques semaines.

À propos du thème qu'il a choisi, Pollock avoue à un ami :

C'est une ruée de tous les animaux de l'Ouest américain, vaches, chevaux, antilopes, bisons... Tout est présent sur cette surface sablée.

Pendant une période de sa vie, Pollock et Peggy Guggeinheim ont établi une relation plutôt inhabituelle : la collectionneuse versait à Pollock une somme mensuelle de 150 dollars pour qu'il puisse subvenir à ses besoins et continuer à produire ses peintures, que Peggy considérait comme des chefs-d'œuvre. Elle a d'ailleurs été l'une des grandes responsables de la diffusion de Pollock dans le monde, ayant également emporté ses œuvrespour l'Europe.

Les peintures à grande échelle ont été fortement influencés par le muralisme mexicain et Pollock, dont l'espace de travail était une immense grange, pouvait se permettre de créer sans vraiment se soucier de la taille de l'œuvre qu'il allait réaliser.

4. Full Fathom Five (1947)

Full Fathom Five est considéré comme un écran de transition car incorpore des objets (Dans les tableaux suivants de Pollock, on ne retrouve plus l'inclusion d'objets sous une forme aussi présente.

Full Fathom Five est également un point de repère historique : la première fois que Pollock a posé la toile sur le sol et l'a foulée, c'était à l'occasion de la conférence de l'Union européenne. Full Fathom Five Cette toile historique fait actuellement partie de la collection du MOMA à New York.

En plaçant la toile sur le sol et en marchant dessus, Pollock a fait ce que beaucoup appellent du dessin dans l'air, il a dansé sur la peinture. Ce mouvement est devenu connu sous le nom de "dessin dans l'air". action painting (action painting).

Le peintre lui-même a expliqué à plusieurs reprises sa démarche :

Ma peinture ne vient pas du chevalet... Sur le sol, je suis plus à l'aise. Je me sens plus proche, je fais davantage partie du tableau, car je peux alors marcher autour, travailler sur les quatre côtés et être littéralement dans le tableau.

5. Hommes et femmes (1942)

Peinte vers le début de sa carrière, la toile Hommes et femmes est encore très inspirée par l'œuvre de Picasso, par le cubisme, et se trouve au milieu d'une période de transition. entre la peinture abstraite et la peinture figurative .

De nombreux théoriciens identifient généralement la figure masculine comme étant représentée par la colonne noire, remplie de chiffres et de perles mystérieuses, et la figure féminine serait située à gauche, représentée par des courbes et des yeux félins.

En 1942, Pollock est invité à participer à une exposition commune organisée par des surréalistes. Le peintre américain, bien qu'il s'identifie à plusieurs principes du groupe (comme, par exemple, l'importance de l'inconscient), refuse de participer à l'événement parce qu'il ne se sent pas à l'aise avec les activités communes, préférant explorer sa propre voix seul etfaire un itinéraire individuel en respectant leur temps et leurs découvertes.

6. Naissance (1941)

Naissance Confronté à une dépendance à l'alcool, le peintre entame en 1939 un processus de thérapie et de désintoxication qui durera jusqu'en 1941 - il est même admis à la division Westchester de l'hôpital de New York.

Le cadre Naissance parle de ce processus de renaissance, de sa recherche de la connaissance intérieure et d'une le langage de l'auteur .

Le travail créatif du peintre a été très marqué par importance de l'inconscient dans leur processus de création.

Lorsque je suis dans mon tableau, je ne suis pas conscient de ce que je fais. Ce n'est qu'après une période de "familiarisation" que je vois ce que j'ai fait. Je n'ai pas peur de faire des changements, de détruire l'image, etc. car le tableau a sa propre vie.

Jackson Pollock

Jackson Pollock a été très influencé par les théories de Jung, qui cherchait à donner accès à l'inconscient (individuel et collectif) par le biais de l'art.

En 1939, Pollock commence une thérapie avec l'analyste Joseph Henderson. Jung était le thérapeute de Joseph Henderson lui-même, l'analyste de Pollock. Fait curieux : à la fin du traitement, Pollock a offert à son analyste 87 dessins qu'il avait réalisés au cours de son traitement.

Le cadre Naissance est également considérée par beaucoup comme une forme de renaissance au sens collectif du terme, les Américains s'interrogeant sur le monde qu'ils devaient construire après la Grande Guerre.

Il convient de rappeler deux dates importantes qui ont influencé la culture nord-américaine : en 1930, les États-Unis sont entrés dans une grave dépression financière et en 1942, le pays est entré dans la Seconde Guerre mondiale.

7. Figures dans un paysage (1937)

Le travail Figures dans un paysage a été créée lorsque Pollock avait 24 ans et est la plus ancienne toile de l'artiste dans la collection du MOMA. Elle est un témoignage de ses premiers jours de création.

À l'âge de 16 ans, le peintre entre à la Manual Arts School de Los Angeles, très influencé par sa mère. Le garçon est le plus jeune d'une fratrie de cinq enfants nés d'un couple d'origine écossaise et irlandaise (Stella May McClure et Le Roy Pollock). Son père, fermier, a dû déménager plusieurs fois avec la famille à la recherche de meilleures conditions de vie à la campagne. La mère de Jackson a surtout encouragé ses enfants à suivreTrois d'entre eux sont d'ailleurs devenus des artistes.

À l'âge de 18 ans, en 1930, Jackson déménage à New York pour devenir artiste. C'est à cette époque qu'il abandonne son nom de naissance (Paul) pour adopter le nom de scène Jackson.

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