7 prac, dzięki którym poznasz Jacksona Pollocka

Jackson Pollock (1912-1956) jest uważany za jednego z najbardziej oryginalnych malarzy XX wieku.

Artysta, który jest jednym z wielkich nazwisk amerykańskiego ekspresjonizmu abstrakcyjnego, jako jeden z pierwszych zastosował technikę drip painting, czyli sposób malowania wykorzystujący kapanie. Ogromne płótna zostały ułożone poziomo, leżąc na ziemi, a Pollock chodził po nich rozlewając farby w oryginalny sposób.

1. Rytm jesieni: Numer 30 (1950)

Ekran Rytm jesieni: Numer 30 stworzony w październiku 1950 roku, jest jedną z ikon sztuki abstrakcyjnej - której udało się uwolnić malarzy od obowiązku figuracji, przedstawiania rzeczywistości.

Metoda malowanie kroplowe Technika malowania kroplami, praktykowana przez Pollocka w latach 1947-1951, została stworzona przez Maxa Ernsta i udoskonalona przez amerykańskiego malarza, który ustanowił nowy rodzaj sztuki, którego wcześniej nie było.

Oprócz użycia kija i grubszego pędzla, Pollock wziął również konwencjonalną puszkę z farbą i przebił jej dno. To nowe narzędzie, wynalezione pod wpływem chwili, pomogło mu w technice kroplowej.

Aby tworzyć swoje obrazy w ten odmienny sposób, Pollock kładł płótno na podłodze i chodził po nim (gest, który stał się znany jako action painting ).

Rytm jesieni: Numer 30 Był tak duży, że musiał zostać namalowany w stodole, znajdującej się w pobliżu domu malarza.

Do 1945 roku Pollock i jego żona (również malarka Lee Krasnet) przeprowadzili się do domu w East Hampton i mieli przywilej posiadania stodoły, która dawała możliwość tworzenia dużych dzieł i eksperymentów bez ograniczeń przestrzennych.

Rytm jesieni to jedno z największych płócien wykorzystujących technikę drippingu, mierzące 2,67 metra na 5,26 metra. wciągający dla publiczności, która może zanurzyć się w nim i spróbować wyobrazić sobie uczucia stojące za kreacją.

2. Numer 1, Lawendowa mgiełka (1950)

Jednym z najbardziej rozpoznawalnych dzieł Pollocka jest Numer 1, Lawendowa mgiełka W tego rodzaju pracach wykorzystuje malarstwo kroplowe, nie ma centralnego elementu lub jakakolwiek hierarchia elementów obecnych w strukturze.

W okresie, w którym żył Pollock, akt tworzenia zyskał ogromne znaczenie, a idea gotowego dzieła straciła na znaczeniu. Dla tego pokolenia artystów proces był równie ważny jak efekt końcowy.

Oryginalny gest Pollocka, który chodził po płótnie rozprowadzając farbę prawie tak, jakby tańczył, został nagrany w serii wywiadów, które pomogły jeszcze bardziej spopularyzować i nagłośnić jego pracę.

Zarzut, że jego prace są przypadkowe, często wysuwany w tamtym czasie, malarz odpierał mówiąc:

Kiedy maluję, mam ogólne pojęcie o tym, co robię. Mogę kontrolować przepływ farby... Nie ma przypadku, tak jak nie ma początku ani końca.

3. Mural (1944)

Praca Mural (1944) jest największym dziełem Pollocka (ma 6 metrów szerokości i 3 metry wysokości) i zostało zamówione przez Peggy Guggeinheim ważnego kolekcjonera sztuki z Ameryki Północnej, który był odpowiedzialny za zorganizowanie pierwszej wystawy malarza.

Mural był zleceniem wykonanym przez Peggy latem 1943 r. na pomalowanie jednej ze ścian jej domu na Manhattanie. Marcel Duchamp, przyjaciel Peggy, zasugerował, że obraz nie powinien być wykonany na ścianie, ale na ramie, aby można go było przenosić.

Zgodnie z mitem, który zawisł nad amerykańskim malarzem. Mural został stworzony w ciągu zaledwie jednej nocy po tym, jak malarz był zablokowany przez tygodnie z powodu kryzysu kreatywności. Naukowcy znaleźli jednak kilka nakładających się warstw farby, które wskazywałyby na co najmniej kilkutygodniowy proces schnięcia.

O wybranym przez siebie temacie Pollock zwierzył się przyjacielowi:

To stado wszystkich zwierząt amerykańskiego Zachodu, krów, koni, antylop i bizonów. Wszystko jest obecne na tej zniszczonej powierzchni.

W pewnym okresie życia Pollock i Peggy Guggeinheim nawiązali dość nietypową relację: kolekcjonerka płaciła Pollockowi co miesiąc 150 dolarów, aby mógł się utrzymać i kontynuować produkcję swoich obrazów, które Peggy uważała za arcydzieła. Nawiasem mówiąc, była jedną z największych osób odpowiedzialnych za rozpowszechnianie Pollocka na całym świecie, zabierając również jego prace.dla Europy.

The obrazy na dużą skalę były pod dużym wpływem meksykańskiego muralu, a Pollock, ponieważ jego miejscem pracy była ogromna stodoła, mógł sobie pozwolić na tworzenie bez obawy o rozmiar dzieła, które stworzy.

4. Full Fathom Five (1947)

Full Fathom Five jest uważany za ekran przejściowy, ponieważ zawiera obiekty (niedopałki papierosów, szpilki do rysowania, opakowania itp.), tak jak robili to już w przeszłości Picasso i Braque, wielcy wpływowi malarze. W kolejnych obrazach Pollocka nie znajdujemy już włączenia przedmiotów w tak obecnej formie.

Full Fathom Five jest również historycznym punktem orientacyjnym: po raz pierwszy Pollock położył płótno na ziemi i chodził po nim w Full Fathom Five Historyczne płótno znajduje się obecnie w kolekcji MOMA w Nowym Jorku.

Kładąc płótno na ziemi i chodząc po nim, Pollock wykonał coś, co wielu nazywało rysowaniem w powietrzu, tańczył na obrazie. Ten ruch stał się znany jako "taniec w powietrzu". action painting (malowanie akcji).

Sam malarz wielokrotnie wyjaśniał swój proces:

Moje malarstwo nie pochodzi ze sztalugi... Na podłodze czuję się bardziej komfortowo. Czuję się bliżej, bardziej częścią obrazu, ponieważ wtedy mogę chodzić wokół niego, pracować ze wszystkich czterech stron i dosłownie być w obrazie.

5. Mężczyźni i kobiety (1942)

Namalowane na początku jego kariery płótno Mężczyźni i kobiety jest nadal bardzo zainspirowany twórczością Picassa, kubizmem i znajduje się w środku między malarstwem abstrakcyjnym a figuratywnym .

Jak sugeruje tytuł, na obrazie widzimy postać męską i żeńską, choć obie mają niejednoznaczne znaki. Wielu teoretyków zwykle identyfikuje postać męską jako reprezentowaną przez czarną kolumnę, wypełnioną liczbami i tajemniczymi koralikami, a postać żeńska znajdowałaby się po lewej stronie, reprezentowana przez krzywe i kocie oczy.

W 1942 r. Pollock został zaproszony do udziału we wspólnej wystawie organizowanej przez surrealistów. Amerykański malarz, mimo że identyfikował się z kilkoma zasadami grupy (takimi jak np. znaczenie nieświadomości), odmówił udziału w wydarzeniu, ponieważ nie czuł się komfortowo we wspólnych działaniach, woląc samemu odkrywać swój głos.zrobić trasa indywidualna szanując ich czas i odkrycia.

6. Narodziny (1941)

Narodziny W obliczu uzależnienia od alkoholu, malarz rozpoczął proces terapii i detoksykacji w 1939 roku, który trwał do 1941 roku - został nawet przyjęty do Westchester Division of the New York Hospital.

Struktura Narodziny opowiada o tym procesie odrodzenia, o poszukiwaniu wewnętrznej wiedzy i o język autorski .

Twórczość malarza była bardzo naznaczona przez znaczenie nieświadomości w ich procesie twórczym.

Kiedy jestem w moim obrazie, nie jestem świadomy tego, co robię. Dopiero po okresie "zaznajomienia się" widzę, co zrobiłem. Nie boję się wprowadzać zmian, niszczyć obrazu itp., ponieważ obraz ma własne życie.

Jackson Pollock

Jackson Pollock był pod ogromnym wpływem teorii Junga, które miały na celu zapewnienie dostępu do nieświadomości (zarówno indywidualnej, jak i zbiorowej) poprzez sztukę.

W 1939 roku Pollock rozpoczął terapię z analitykiem Josephem Hendersonem. Jung był terapeutą samego Josepha Hendersona, analityka Pollocka. Ciekawostka: pod koniec terapii Pollock podarował swojemu analitykowi w prezencie 87 rysunków, które wykonał w trakcie leczenia.

Struktura Narodziny jest również odczytywany przez wielu jako forma odrodzenia w sensie zbiorowym, gdy Amerykanie zastanawiali się, jaki świat powinni zbudować po Wielkiej Wojnie.

Warto pamiętać o dwóch ważnych datach, które wpłynęły na kulturę Ameryki Północnej: w 1930 roku Stany Zjednoczone weszły w poważną depresję finansową, a w 1942 roku kraj przystąpił do II wojny światowej.

7. Postacie w krajobrazie (1937)

Praca Postacie w krajobrazie zostało stworzone, gdy Pollock miał 24 lata i jest najstarszym płótnem artysty w kolekcji MOMA. Jest to zapis jego wczesnych dni twórczych.

W wieku 16 lat malarz wstąpił do Manual Arts School w Los Angeles, na co duży wpływ miała jego matka. Chłopiec był najmłodszym z pięciorga rodzeństwa urodzonego przez parę szkocko-irlandzkiego pochodzenia (Stella May McClure i Le Roy Pollock). Jego ojciec, rolnik, musiał kilkakrotnie przeprowadzać się z rodziną w poszukiwaniu lepszych warunków na wsi. Matka Jacksona szczególnie zachęcała swoje dzieci do podążania zaTrzech z nich zostało artystami.

W wieku 18 lat, w 1930 roku, Jackson przeniósł się do Nowego Jorku, aby zostać artystą, w tym czasie porzucił swoje imię rodowe (Paul), aby przyjąć pseudonim sceniczny Jackson.

Z przyjemnością przeczytamy także artykuł Najsłynniejsze dzieła abstrakcjonizmu.