INHOUDSOPGAWE
Die Renaissance, wat van die 14de tot die 17de eeu strek, was 'n tydperk van groot kulturele bruising in Europa en die toneel van groot meesters van kuns, soos Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raphael en Titian.
Referaat van hierdie Renaissance-kunstenaars was noodsaaklik vir die waardes en idees van die tyd (soos die waardering van mens en wetenskap) om op 'n impakvolle en harmonieuse manier aan die publiek oorgedra te word.
Om te doen dus het hulle gebruik gemaak van hulpbronne soos die simmetrie, balans, perspektief en inspirasie uit die klassieke skoonheidsideaal uit die Grieks-Romeinse kultuur.
1. Leonardo da Vinci (1452-1519)
Leonardo da Vinci kan beskou word as die mees gevierde kunstenaar van die Italiaanse Renaissance. Hy was wat genoem word 'n polimaat, 'n persoon met uiteenlopende vaardighede en kennis in verskeie velde van kuns en wetenskap.
Sy soeke na wetenskaplike kennis en die skepping van kunswerke van uiterste skoonheid en perfeksie verhef hom tot die geniale status, is dit selfs moeilik om te verstaan hoe sulke uitsonderlikheid moontlik was.
Portret van Leonardo da Vinci toegeskryf aan Cosomo Colombini
Hy was in die vakleerlingskap by 'n bekende kunstenaar genaamd Andrea del Verrochio, waar hy skilder- en beeldhoutegnieke, perspektief en chromatiese komposisie geleer het.
Da Vinci was dors na kennis en het op 'n praktiese manier antwoorde op sy vrae gesoek en deur eksperimente ondersoek,Tintoretto (1518-1594)
Jacopo Robusti, beter bekend as Tintoretto, was 'n skilder uit die tweede helfte van die 15de eeu, wat behoort het aan 'n beweging bekend as Manierisme.
Self -portret van Tintoretto (1588) )
Die kunstenaar het 'n slytasie opgemerk in die manier waarop vorms en kleure tot dan aangebied is, met eenvoud en skoonheid, maar na sy mening, sonder veel emosie.
So het hy 'n meer dramatiese en ekspressiewe lading gebring na die tonele wat dit voorgestel het om uit te beeld, meestal Bybels en mitologies.
Hy het hulpbronne gebruik soos die merkbare kontras tussen lig en skadu, eksentrieke gebare en bewegings en minder sagte kleure. Sy doel was om spanning en emosie by die kyker te skep, om nie te veel oor tegniek te bekommer nie.
In Die Laaste Avondmaal kan ons Tintoretto se styl op 'n duidelike manier sien . Die werk wys die Bybelse toneel waarin Jesus die laaste maaltyd in die geselskap van sy dissipels eet en dateer uit 1594, sy laaste lewensjaar.
Die Laaste Avondmaal (1594) ) , deur Tintoretto
Hierdie komposisie het groot afmetings van 3,65 m x 5,69 m, geleë in Venesië, in die Basiliek van San Giorgio Maggiore.
Die kleure wat die skilder gebruik is donker en openbaar 'n donker, mistieke en dramatiese atmosfeer. Ons kan sê dat die chromatiese spel 'n noodsaaklike element is om die skildery te verstaan.
Daarbenewens bied die karakters 'n helder aura rondom hulle.hulle liggame, veral Jesus, wat groot kontras en visuele impak verskaf. Die aandetetafel is skuins geplaas, wat 'n ongewone gebruik van die tradisionele perspektief meebring.
Die elemente wat in die skildery vertoon word, sal later verdiep word in die beweging wat daarna kom, die Barok.
Bibliografiese verwysings:
- GOMBRICH, E. H. The history of art. Rio de Janeiro: LTC - Tegniese en Wetenskaplike Boeke.
- PROENÇA, Graça. Kunsgeskiedenis. São Paulo: Editora Ática.
So, op soek na groter begrip van die menslike liggaam, het hy meer as dertig liggame gedissekteer (insluitend studies oor die groei van fetusse in die baarmoeder), wat hom in staat gestel het om die mens perfek uit te beeld. figuur
Hy het baie navorsing gedoen op gebiede soos ingenieurswese, argitektuur, stedelikheid, hidroulika, wiskunde, geologie en chemie. Dit was egter in die kunste dat hy groter prominensie gehad het.
Sy studies het ten doel gehad om meer inligting en bemeestering van die natuur te bekom sodat hy sy kuns meer konsekwent kon uitvoer.
Op hierdie manier het die kunstenaar het in die Renaissance enorme projeksie en erkenning gekry, want op daardie tydstip was die waardering van rede, wetenskap en die mens bewys, wat in sy werk getoon is.
Da Vinci is in 1519 oorlede, in Frankryk , 67 jaar oud. Daar kan gesê word dat hy 'n misverstaan genie was, ondanks geweldige erkenning.
Mona Lisa ( La Gioconda , oorspronklik), dateer uit 1503 en is die bekendste werk van Leonardo da Vinci, wat die versameling van die Louvre-museum in Frankryk integreer. Die doek, met verminderde afmetings (77 x 56 cm), vertoon die beeld van 'n meisie uit die streek van Florence.
Mona Lisa (1503), deur Leonardo da Vinci
Die werk beïndruk vanweë sy realisme, harmonie en geheimsinnige atmosfeer. Die jong vrou het 'n taamlik intrigerende kenmerk wat reeds die voorwerp van studie deur baie wasnavorsers, gemoeid met die ondersoek van watter emosies op die skerm vertoon sal word.
Die vrou word uitgebeeld met uiterste harmonie en balans, wat terselfdertyd die enigma van die menslike bestaan simboliseer. Daarom word hierdie as die grootste kunswerk van die Renaissance beskou, aangesien hierdie eienskappe in die tydperk hoog aangeslaan is.
Die tegniek wat die kunstenaar gebruik het, was die sfumato (deur hom ontwikkel) , waarin die liggradiënte glad gedoen word, wat groter getrouheid aan die diepte-effek gee. Later sal hierdie metode ook deur ander kunstenaars gebruik word.
2. Michelangelo Buonarroti (1475-1564)
Die Italiaanse Michelangelo Buonarroti is ook een van die grootste name van die Renaissance in die Cinquecentto , die laaste fase van die Renaissance, wat vanaf 1500 plaasgevind het.
Portret van Michelangelo geskilder deur Giuliano Bugiardusi in 1522
Hy was 'n belangrike kunstenaar vir die tydperk, aangesien hy al die sensitiwiteit en behendigheid in die voorstelling in sy kuns kon vertaal van die mens.
Hierdie feit is duidelik in die woorde van Giorgio Vasari, 'n ander kunstenaar van daardie tyd:
Die idee van hierdie buitengewone man was om te komponeer volgens die menslike liggaam en sy volmaakte proporsies, in die wonderlike diversiteit van sy houdings en in die geheel van passies en verheffings van die siel.
Sy artistieke loopbaan het vroeg begin. Op die ouderdom van dertien was hy in die vakleerlingskap by meester Domenico Ghirlandaio,wat hom tegniese begrippe van fresco-verf en teken geleer het. Die nuuskierige kunstenaar het egter inspirasie gesoek by selfs ander name, soos Giotto, Massaccio en Donatello.
Michelangelo het hom, soos da Vinci, ook daaraan toegewy om menslike anatomie na te vors, selfs om lyke te ontleed en uit jou waarnemings te put. Hy het 'n diep kenner van die liggaam geword en tekeninge en beeldhouwerke van mense in ongewone hoeke perfek weergee.
Sien ook: Curupira legende verduidelikHy het werke in verskeie kunstale vervaardig, soos skilderkuns, beeldhoukuns en argitektuur, wat as so talentvol beskou word dat hy die bynaam gekry het. van The Divine.
Michelangelo het 'n lang lewe gelei en in 1564 gesterf, 88 jaar oud. Sy graf is in die Kerk van die Heilige Kruis in Florence, Italië.
Een van die mees uitstaande werke wat Michelangelo se vaardigheid in die voorstelling van menslike figure demonstreer, is Pietà .
Die beeldhouwerk is in 1499 in marmer gemaak en het afmetings van 174 x 195 cm, en kan gesien word in die St. Peter's Basilica, in die Vatikaan.
Pietà (1499), deur Michelangelo
Hierdie toneel is dié van die oomblik wanneer Maria haar lewelose seun Jesus in haar arms hou. Die liggame word met presisie vertoon.
Die kunstenaar het dit reggekry om die rigiede albaster op 'n indrukwekkende en harmoniese manier in voorstellings van spiere, are en gesigsuitdrukkings te omskep.
Ander'n Opvallende kenmerk van die werk is die piramidevormige komposisie, algemeen in Renaissance-werke.
Om hierdie rede is die werk een van sy bekendste, saam met David en die fresko's uit die Sistynse Kapel , het 'n ikoon van Renaissance-kultuur geword wat deur die hande van die meester gemaak is.
3. Rafael Sanzio (1483-1520)
Rafael Sanzio was 'n kunstenaar wat sy talent gedemonstreer het terwyl hy nog studeer het in die werkswinkel van die beroemde meester Pietro Perugino, in die Italiaanse streek van Umbrië.
Hy was 'n kunstenaar wat met groot sukses sekere kenmerke van Renaissance-skildery ontwikkel het, soos die balans van vorms, kleure en komposisie, en simmetrie gesien het as 'n belangrike punt waaraan gewerk moet word.
Rafael Sanzio in 'n self- portret van omstreeks 1506
Omstreeks 1504 kom hy in Florence aan, waar Michelangelo en Da Vinci groot artistieke transformasies veroorsaak het. Rafael was egter nie geïntimideer nie, en het sy kennis in skilderkuns verdiep.
Die kunstenaar het bekend geword daarvoor dat hy baie beelde van die Maagd Maria (die Madonnas) skilder. Hierdie doeke het soetheid en spontaniteit, net soos die persoonlikheid van die skilder.
Op 'n stadium is Rafael genooi om na Rome te gaan en daar het hy baie werke vir die Vatikaan uitgevoer, op versoek van Pous Julius II , en later van Leo X.
Rafael Sanzio sterf in 1520, 37 jaar oud, op sy verjaardag, 6 April.
Een van die werke watuitstaan in sy produksie is The School of Athens (1509-1511). Die paneel van 770 x 550 cm is in gebruik geneem en kan in die Vatikaanpaleis gevind word.
The School of Athens (1509-1511), deur Raphael
Die toneel toon 'n plek waar verskeie persoonlikhede van die Griekse intellektualiteit en filosofie aanwesig is, soos Plato en Aristoteles, wat die waardering van die klassieke kultuur wat in die Renaissance teenwoordig was, beklemtoon.
Nog 'n belangrike punt in hierdie werk is die manier hoe die omgewing vertoon is, wat groot bemeestering in die idees van perspektief en diepte uitbeeld.
Om meer oor die kunstenaar te wete te kom, lees: Rafael Sanzio: hoofwerke en biografie.
4. Donatello (1386?-1466)
Donatello, wie se geboortenaam Donato di Niccoló di Betto Bardi was, was 'n kunstenaar uit die streek van Florence, beskou as een van die bekendste beeldhouers van sy tyd.
Dit was ook verantwoordelik vir belangrike artistieke transformasies in die tydperk Quatrocento (15de eeu), aangesien dit wegbeweeg het van die kenmerke van Gotiese kuns, algemeen in die Middeleeue.
Beeldhouwerk wat Donatello verteenwoordig, geleë by die Galleria degli Uffizi, Italië
Deur sy werke is dit moontlik om Donatello se enorme sin vir verbeelding waar te neem, sowel as sy vermoë om die idee van beweging in beeldhouwerk oor te dra, terwyl hy sterk en kragtig gebly het.
Hy het baie beelde van heiliges gemaaken Bybelse figure, wat 'n menslike atmosfeer daarin inbring, soos kenmerkend van die renaissance was.
Hy het met materiale soos marmer en brons gewerk en werke vervaardig wat uitblink in die voorstelling van die menslike liggaam en gebare.
Hy het gedurende sy leeftyd erkenning gekry en is in 1466 in Florence oorlede, waar hy begrawe is.
Een van sy mees noemenswaardige werke is David , gemaak in brons tussen 1444 en 1446. Die stuk verteenwoordig die Bybelse gedeelte waarin Dawid die reus Goliat teregstel.
David (1446), deur Donatello
This was die eerste werk wat naaktheid vertoon na 'n tydperk van duisend jaar, geïnspireer deur klassieke Grieks-Romeinse kuns. In die werk word Dawid uitgebeeld as 'n naakte jong man wat 'n swaard en 'n klip in elkeen van sy hande dra en die kop van sy vyand aan sy voete het.
Donatello gebruik 'n hulpbron genaamd contrapposto in die standbeeld , wat bestaan uit die plasing van die figuur wat op een van die voete rus, terwyl die gewig op die res van die liggaam gebalanseer word. Sulke kunsgreep waarborg groter harmonie en natuurlikheid aan die beeldhouwerk.
5. Sandro Boticcelli (1446-1510)
Die Florentyn Sandro Boticcelli was 'n belangrike kunstenaar van die 15de eeu wat daarin geslaag het om 'n harmoniese en grasieuse aura op sy doeke oor te dra.
Dit is waarskynlik 'n selfportret deur Boticcelli gemaak in die werk Adoration of the Magi (1485)
Deur die voorstelling van Bybelse tonele ofmitologies, het die skilder sy skoonheidsideaal geopenbaar, geïnspireer deur die klassieke kultuur van die oudheid.
Die figure wat hy uitgebeeld het, het die skoonheid van godhede gekombineer met 'n sekere melancholie.
The Birth of Venus ( Nascita di Venere ) is een van die doeke waar ons hierdie kenmerke kan sien, synde miskien Boticcelli se mees prominente.
Sien ook: 24 beste romanseboeke om op verlief te raak
The Birth of Venus (1484), deur Boticcelli
Die werk is in 1484 bedink, meet 172,5 x 278,5 cm en is deel van die versameling van die Galleria degli Uffizi, in Italië. Dit beeld die mitologiese toneel uit van die verskyning van die godin van liefde, Venus, wat uit 'n dop te voorskyn kom terwyl sy haar geslag met haar hare bedek.
Die werk is in opdrag van 'n ryk beskermheer van die Medici-familie en toon die jong vrou in 'n rustige posisie, wat met 'n stortreën ontvang word deur gevleuelde entiteite en 'n meisie wat haar 'n pienk mantel aanbied.
Ons kan grasieusheid en ligtheid in die skildery waarneem, wat deur die jong figure sigbaar is. en pragtig. Skoonheid is so teenwoordig dat sommige gebreke in terme van liggaamsamestelling skaars opmerklik is, soos die langwerpige nek en effens hangende skouers van die hooffiguur.
6. Titian (1485-1576)
Titian was een van die bekende Venesiese Renaissance-skilders. Sy stad van herkoms is Cadore, maar as kind het hy in Venesië gaan woon en daar het hy die geheime vanverf.
Selfportret van Titiaan, gemaak in 1567
Hy het gedurende sy leeftyd groot roem gehad, omdat hy die kuns geken het om kleure te meng met dieselfde vaardigheid wat sy kontemporêre Michelangelo geken het om te teken .
Hy het kleure verstandig gebruik en konsekwentheid en harmonie in die komposisie daardeur bereik.
Terloops, die komposisie in Titian se werk is iets wat beskou moet word as 'n breuk in die kuns wat vervaardig is. Die skilder het op 'n verrassende en ongewone manier elemente in die skilderye begin invoeg.
Hy is ook erken vanweë sy portrette en sy vermoë om die gevoel van lewendigheid van mense oor te dra, vertoon met ekspressiewe en kragtige voorkoms.
Sy lewe was lank, hy sterf in 1576 in Venesië, Italië, slagoffer van die plaag wat Europa op daardie tydstip geteister het.
The Assumption of the Virgin is een van sy uitstaande werke, want dit was daarmee dat Titian 'n loopbaan begin het wat meer onafhanklik was van die invloed van ander meesters, soos Giorgione, sy groot verwysing.
The Assumption of the Virgin (1518) deur Titian
Die groot paneel is in 1518 in die Basilica di Santa Maria Gloriosa dei Frai geverf en beeld die Maagd Maria uit wat na die hemel opvaar terwyl die apostels toekyk.
Die lig wat die toneel baai is van 'n hemelse skoonheid en die hele komposisie is so gemaak dat dit die gehoor se blik van onder na bo rig.
7.
