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El Renacimiento, que va del siglo XIV al XVII, fue un periodo de gran efervescencia cultural en Europa y el escenario de grandes maestros del arte como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael y Tiziano.
El papel de estos artistas renacentistas fue esencial para que los valores y las ideas de la época (como la valorización del hombre y la ciencia) se transmitieran al público de forma impactante y armoniosa.
Para ello utilizaron recursos como la simetría, el equilibrio, la perspectiva y se inspiraron en el ideal de belleza clásico de la cultura grecorromana.
1. Leonardo da Vinci (1452-1519)
Leonardo da Vinci puede considerarse el artista más célebre del Renacimiento italiano. Era lo que se denomina un polímata, una persona con diversas habilidades y conocimientos en varios campos del arte y la ciencia.
Su búsqueda del conocimiento científico y la creación de obras de arte de extrema belleza y perfección le elevan a la categoría de genio, e incluso resulta difícil comprender cómo fue posible tal excepcionalidad.
Retrato de Leonardo da Vinci atribuido a Cosomo Colombini
Fue aprendiz de un conocido artista llamado Andrea del Verrochio, donde aprendió técnicas de pintura y escultura, perspectiva y composición cromática.
Da Vinci tenía sed de conocimiento y buscaba respuestas a sus preguntas de forma práctica, investigando mediante experimentos, no sólo por medios académicos.
Así, buscando un mayor conocimiento del cuerpo humano, diseccionó más de treinta cuerpos (incluidos estudios sobre el crecimiento de los fetos en el útero), lo que le permitió retratar perfectamente la figura humana
Ver también: 17 cuentos infantiles comentadosRealizó numerosas investigaciones en campos como la ingeniería, la arquitectura, el urbanismo, la hidráulica, las matemáticas, la geología y la química, pero fue en las artes donde más destacó.
Sus estudios tenían como objetivo adquirir más información y dominio de la naturaleza para poder realizar su arte con mayor constancia.
De este modo, el artista adquirió una enorme proyección y reconocimiento en el Renacimiento, ya que en aquella época se ponía de manifiesto la valorización de la razón, la ciencia y el ser humano, que se manifestaba en su obra.
Da Vinci murió en Francia en 1519 a la edad de 67 años. Puede decirse que fue un genio incomprendido, a pesar de su inmenso reconocimiento.
Mona Lisa ( La Gioconda Es la obra más famosa de Leonardo da Vinci y forma parte de la colección del Museo del Louvre de Francia. El pequeño lienzo (77 x 56 cm) muestra la imagen de una niña de la región de Florencia.
Mona Lisa (1503) de Leonardo da Vinci
La obra impresiona por su realismo, armonía y atmósfera misteriosa. La joven tiene un rostro muy intrigante que ha sido objeto de estudio de muchos investigadores, preocupados por indagar qué emociones se muestran en la pantalla.
La mujer está retratada con extrema armonía y equilibrio, simbolizando al mismo tiempo el enigma de la existencia humana, por lo que se considera la obra cumbre del arte renacentista, ya que en la época estas características eran muy valoradas.
La técnica utilizada por el artista fue la sfumato (desarrollado por él), en el que los degradados de luz se realizan suavemente, dando un efecto de profundidad más fiel. Más tarde, este método también será utilizado por otros artistas.
2. Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564)
El italiano Miguel Ángel Buonarroti es también uno de los grandes nombres del Renacimiento en Cinquecentto Última fase del Renacimiento, que tuvo lugar a partir de 1500.
Retrato de Miguel Ángel pintado por Giuliano Bugiardusi en 1522
Fue un artista importante para la época, ya que supo plasmar en su arte toda la sensibilidad y destreza en la representación del ser humano.
El hecho queda patente en las palabras de Giorgio Vasari, otro artista de la época:
La idea de este hombre extraordinario era componer según el cuerpo humano y sus perfectas proporciones, en la prodigiosa diversidad de sus actitudes y la totalidad de las pasiones y exaltaciones del alma.
Su carrera artística comenzó pronto. A los trece años fue aprendiz del maestro Domenico Ghirlandaio, quien le enseñó los fundamentos técnicos de la pintura al fresco y el dibujo. Sin embargo, el curioso artista también buscó inspiración en otros nombres como Giotto, Massaccio y Donatello.
Miguel Ángel, al igual que da Vinci, también se dedicó a investigar la anatomía humana, analizando cadáveres y dibujando a partir de sus observaciones. Se convirtió en un profundo conocedor del cuerpo, reproduciendo con perfección dibujos y esculturas de personas en ángulos inusuales.
Realizó obras en diversos lenguajes artísticos, como la pintura, la escultura y la arquitectura, y se le consideraba tan talentoso que recibió el sobrenombre de El Divino.
Miguel Ángel tuvo una larga vida y murió en 1564 a los 88 años. Su tumba se encuentra en la Iglesia de la Santa Cruz de Florencia, Italia.
Una de las obras más destacadas, que muestra la habilidad de Miguel Ángel para representar figuras humanas, es Piedad .
La escultura, realizada en 1499 en mármol, tiene unas dimensiones de 174 x 195 cm y puede contemplarse en la basílica de San Pedro del Vaticano.
Piedad (1499), de Miguel Ángel
Aquí, la escena que se muestra es el momento en que María sostiene a su hijo Jesús, ya sin vida, en sus brazos. Los cuerpos se muestran con precisión.
El artista ha conseguido transformar el rígido mármol en representaciones de músculos, venas y expresiones faciales de forma impresionante y armoniosa.
Otra característica notable de la obra es la composición piramidal, habitual en las obras del Renacimiento.
Como tal, la obra es una de sus más conocidas, y junto a Davi y los frescos de Capilla Sixtina se convirtió en un icono de la cultura renacentista hecho por las manos del maestro.
Rafael Sanzio (1483-1520)
Rafael Sanzio fue un artista que demostró su talento cuando aún estudiaba en el taller del famoso maestro Pietro Perugino, en la región italiana de Umbría.
Fue un artista que desarrolló con gran éxito algunas características de la pintura renacentista, como el equilibrio de las formas, los colores y la composición, viendo en la simetría un punto importante a trabajar.
Rafael Sanzio en autorretrato hacia 1506
Hacia 1504 llegó a Florencia, donde Miguel Ángel y Da Vinci habían provocado grandes transformaciones artísticas. Rafael, sin embargo, no se dejó intimidar y profundizó en sus conocimientos de pintura.
El artista fue conocido por pintar numerosas imágenes de la Virgen María (las Madonnas). Estos lienzos poseen dulzura y espontaneidad, como la personalidad del pintor.
En un momento dado, Rafael fue invitado a Roma y allí realizó numerosas obras para el Vaticano, a petición del papa Julio II y, más tarde, de León X.
Rafael Sanzio murió en 1520, a los 37 años, el día de su cumpleaños, el 6 de abril.
Una de las obras que destaca en su producción es La Escuela de Atenas (El panel de 770 x 550 cm fue encargado y se conserva en el Palacio Vaticano.
La Escuela de Atenas (1509-1511), de Rafael
La escena muestra un lugar en el que están presentes diversas personalidades de la intelectualidad y la filosofía griegas, como Platón y Aristóteles, lo que pone de relieve el aprecio por la cultura clásica presente en el Renacimiento.
Otro punto importante de esta obra es la forma en que se mostraba el entorno, retratando un gran dominio de las nociones de perspectiva y profundidad.
Para saber más sobre el artista, lea: Rafael Sanzio: principales obras y biografía.
4. donatello (1386?-1466)
Donatello, cuyo nombre de pila era Donato di Niccoló di Betto Bardi, fue un artista de la zona de Florencia, considerado uno de los escultores más célebres de su época.
También fue responsable de importantes transformaciones artísticas en el Cuatrocientos (siglo XV), ya que se apartaba de las características del arte gótico, común en la época medieval.
Escultura que representa a Donatello, situada en la Galleria degli Uffizi, Italia
A través de sus obras es posible observar el enorme sentido imaginativo de Donatello, así como su capacidad para transmitir la idea de movimiento en la escultura, sin dejar de ser firme y vigorosa.
Realizó muchas estatuas de santos y figuras bíblicas, dándoles una atmósfera humana, como era típico en el Renacimiento.
Trabajó con materiales como el mármol y el bronce, produciendo obras que sobresalen en la representación del cuerpo humano y los gestos.
Obtuvo reconocimiento en vida y murió en 1466 en Florencia, donde está enterrado.
Una de sus obras más notables es David La pieza representa el pasaje bíblico en el que David ejecuta al gigante Goliat.
David (1446) de Donatello
Fue la primera obra en mostrar desnudos tras un periodo de mil años, inspirada en el arte clásico grecorromano. En la obra, David aparece representado como un joven desnudo que lleva una espada y una piedra en cada mano y tiene la cabeza de su enemigo a sus pies.
Donatello utiliza en la estatua un recurso llamado contrapposto, que consiste en colocar la figura apoyada sobre un pie, mientras el peso se equilibra sobre el resto del cuerpo. Este artificio garantiza una mayor armonía y naturalidad a la escultura.
5. sandro boticcelli (1446-1510)
El florentino Sandro Boticcelli fue un importante artista del siglo XV que consiguió transmitir un aura armoniosa y grácil en sus lienzos.
Se trata probablemente de un autorretrato de Boticcelli realizado en la obra Adoración de los Reyes Magos (1485)
A través de la representación de escenas bíblicas o mitológicas, el pintor revelaba su ideal de belleza, inspirado en la cultura clásica de la Antigüedad.
Las figuras que representa tienen la belleza de las deidades combinada con cierta melancolía.
El nacimiento de Venus ( Nacimiento de Venus ) es uno de los cuadros en los que podemos percibir estas características, y quizá sea el más destacado de Boticcelli.
El nacimiento de Venus (1484) de Boticcelli
La obra fue concebida en 1484, mide 172,5 x 278,5 cm y forma parte de la colección de la Galleria degli Uffizi de Italia. Representa la escena mitológica de la aparición de la diosa del amor, Venus, que emerge de una concha mientras cubre su sexo con el cabello.
La obra fue encargada por un rico mecenas de la familia Médicis y muestra a la joven en posición serena, siendo recibida con una lluvia de flores por entidades aladas y una muchacha que le ofrece un manto rosa.
Podemos observar en el cuadro gracia y ligereza, que se transpiran a través de figuras jóvenes y bellas. La belleza está tan presente que apenas podemos notar algunos defectos en cuanto a la composición corporal, como el cuello alargado y los hombros ligeramente caídos de la figura principal.
Tiziano (1485-1576)
Tiziano fue uno de los renombrados pintores renacentistas venecianos. Nació en Cadore, pero de niño se trasladó a Venecia, donde aprendió los secretos de la pintura.
Autorretrato de Tiziano, realizado en 1567
Tuvo gran fama en vida, pues conocía el arte de mezclar colores con la misma destreza que su contemporáneo Miguel Ángel sabía dibujar.
Utilizó los colores con sabiduría, logrando con ellos coherencia y armonía en la composición.
De hecho, la composición en la obra de Tiziano es algo que debe percibirse como una ruptura en el arte que se estaba produciendo. El pintor comenzó a insertar elementos en sus cuadros de forma sorprendente e inusual.
También obtuvo reconocimiento gracias a sus retratos y a su capacidad para transmitir la sensación de vivacidad de las personas, mostrada con miradas expresivas y poderosas.
Su vida fue larga. Murió en 1576 en Venecia (Italia), víctima de la peste que asolaba Europa en aquella época.
La Asunción de la Virgen es una de sus obras destacadas, ya que con ella Tiziano inició una trayectoria más independiente de la influencia de otros maestros, como Giorgione, su gran referente.
La Asunción de la Virgen (1518) de Tiziano
El gran panel fue pintado en la basílica de Santa Maria Gloriosa dei Frai en 1518 y muestra a la Virgen María ascendiendo al cielo mientras los apóstoles la observan.
La luz que baña la escena es de una belleza celestial y toda la composición está hecha de tal manera que dirige la mirada del espectador de abajo arriba.
Tintoretto (1518-1594)
Jacopo Robusti era conocido como Tintoretto y fue un pintor de la segunda mitad del siglo XV, perteneciente al movimiento conocido como Manierismo.
Autorretrato de Tintoretto (1588)
El artista notó un cansancio en la forma en que se presentaban hasta entonces las formas y los colores, con sencillez y belleza, pero, en su opinión, sin demasiada emoción.
Así, aportaba una mayor carga dramática y expresiva a las escenas que se proponía retratar, en su mayoría bíblicas y mitológicas.
Utilizaba recursos como el fuerte contraste entre luces y sombras, gestos y movimientos excéntricos y colores menos tenues. Su objetivo era crear tensión y emoción en el espectador, sin preocuparse demasiado por la técnica.
En La última cena Podemos ver claramente el estilo de Tintoretto. La obra representa la escena bíblica en la que Jesús toma su última cena en compañía de sus discípulos y data de 1594, el último año de su vida.
La última cena (1594) de Tintoretto
Esta composición tiene unas grandes dimensiones de 3,65 m x 5,69 m, y se encuentra en Venecia, en la Basílica de San Giorgio Maggiore.
Los colores utilizados por el pintor son oscuros y revelan una atmósfera sombría, mística y dramática. Podemos decir que el juego cromático es un elemento esencial para comprender el cuadro.
Además, los personajes tienen un aura luminosa alrededor de sus cuerpos, especialmente Jesús, que proporciona un gran contraste e impacto visual. La mesa de la cena está colocada en diagonal, lo que aporta un uso inusual de la perspectiva tradicional.
Los elementos mostrados en el cuadro se desarrollarán posteriormente en el movimiento que le sigue, el Barroco.
Referencias bibliográficas:
Ver también: La pintura obrera de Tarsila do Amaral: significado y contexto histórico- GOMBRICH, E. H. A história da arte. Río de Janeiro: LTC - Livros Técnicos e Científicos.
- PROENÇA, Graça. Historia del Arte. São Paulo: Editora Ática.
