르네상스의 7대 예술가와 그들의 뛰어난 작품들

14세기부터 17세기까지 이어지는 르네상스는 유럽의 문화가 크게 번성했던 시기였으며 레오나르도 다빈치, 미켈란젤로, 라파엘로, 티치아노와 같은 거장들의 무대였습니다.

이 르네상스 예술가들의 종이는 당시의 가치와 사상(인간과 과학에 대한 감상 등)을 대중에게 임팩트 있고 조화롭게 전달하는 데 필수적이었습니다.

할 그래서 그들은 그리스 로마 문화의 고전적인 미의 이상에서 영감을 얻은 대칭, 균형, 원근법과 같은 자원을 활용했습니다.

1. 레오나르도 다빈치(1452-1519)

레오나르도 다빈치는 이탈리아 르네상스의 가장 유명한 예술가라고 할 수 있습니다. 그는 예술과 과학의 다양한 분야에서 다양한 기술과 지식을 가진 박식가라고 불렸습니다.

과학적 지식에 대한 탐구와 극도의 아름다움과 완벽함을 지닌 예술 작품의 창조는 그를 천재적 지위를 가지고 있기 때문에 어떻게 그러한 예외가 가능했는지 이해하기조차 어렵습니다.

코소모 콜롬비니가 그린 레오나르도 다빈치의 초상화

그는 안드레아라는 유명한 예술가의 견습생이었습니다. 델 베로키오(del Verrochio)에서 회화와 조각 기법, 원근법 및 색채 구성을 배웠습니다.

다빈치는 지식에 대한 갈증이 있었고 실험을 통해 조사하면서 실용적인 방식으로 질문에 대한 답을 찾았습니다.Tintoretto(1518-1594)

Tintoretto로 더 잘 알려진 Jacopo Robusti는 15세기 후반의 화가로 매너리즘으로 알려진 운동에 속했습니다.

Self -틴토레토의 초상(1588) )

작가는 그때까지 단순함과 아름다움으로 표현되었던 형태와 색상이 낡고 찢어지는 것을 알아차렸지만 그의 관점에서는 별 감정이 없었다.

따라서 그는 주로 성경적이고 신화적인 장면을 묘사하기 위해 제안된 장면에 더 극적이고 표현력 있는 부하를 가져왔습니다. 덜 부드러운 색상. 그의 목표는 기술에 대해 너무 걱정하지 않고 보는 사람에게 긴장감과 감정을 불러일으키는 것이었습니다.

최후의 만찬 에서 우리는 틴토레토의 스타일을 여실히 확인할 수 있습니다. .

최후의 만찬 (1594) ) , by Tintoretto

이 구성은 크기가 3.65m x 5.69m로 베니스의 San Giorgio Maggiore 대성당에 있습니다.

화가가 사용한 색상은 어둡고 어둡고 신비롭고 극적인 분위기. 색채의 유희는 회화를 이해하는데 필수적인 요소라고 할 수 있다.그들의 몸, 특히 큰 대비와 시각적 효과를 제공하는 예수. 저녁상은 사선으로 배치되어 있어 전통적인 원근법을 이례적으로 사용하고 있습니다.

그림에서 보여지는 요소들은 나중에 바로크 시대의 움직임에서 심화될 것입니다.

서지 참조:

• GOMBRICH, E. H. 예술의 역사. 리우데자네이루: LTC - 기술 및 과학 서적.
• PROENÇA, Graça. 미술사. 상파울루: Editora Ática.

그래서 그는 인체에 ​​대한 더 깊은 이해를 위해 30개 이상의 인체를 해부(태아의 자궁 내 태아 성장에 대한 연구 포함)하여 인간을 완벽하게 묘사할 수 있었다. figure

그는 공학, 건축, 도시화, 수력학, 수학, 지질학, 화학과 같은 분야에서 많은 연구를 수행했습니다. 그러나 그가 더 두각을 나타낸 것은 예술 분야였습니다.

그의 학문은 더 많은 정보를 습득하고 자연에 대한 숙달을 통해 자신의 예술을 보다 일관되게 수행할 수 있도록 하는 것이었습니다.

이런 식으로, 이 예술가는 르네상스 시대에 엄청난 투영과 인지도를 얻었는데, 그 당시에는 이성, 과학 및 인간에 대한 감상이 그의 작품에 나타나 있었기 때문입니다.

다빈치는 1519년 프랑스에서 사망했습니다. , 67세. 엄청난 인지도에도 불구하고 오해받는 천재였다고 할 수 있다.

모나리자 1503년 프랑스 루브르 박물관 소장품을 통합한 레오나르도 다빈치의 가장 유명한 작품이다. 축소된 크기(77 x 56cm)의 캔버스는 피렌체 지역의 소녀 이미지를 보여줍니다.

모나리자 (1503), 레오나르도 다빈치

사실감과 조화, 신비로운 분위기가 인상적인 작품이다. 젊은 여성은 이미 많은 사람들의 연구 대상이 된 다소 흥미로운 특징을 가지고 있습니다.화면에 어떤 감정이 표현될지 고민하는 연구원들.

여성은 극도의 조화와 균형으로 묘사됨과 동시에 인간 존재의 수수께끼를 상징합니다. 따라서 르네상스 시대에는 이러한 특성이 높이 평가되었기 때문에 이것은 르네상스 예술의 가장 위대한 작품으로 간주됩니다.

작가가 사용한 기법은 스푸마토 (그가 개발한 것) , 라이트 그라데이션이 부드럽게 처리되어 깊이 효과에 더 충실합니다. 추후 다른 작가들도 이 방법을 사용할 예정입니다.

2. 미켈란젤로 부오나로티(1475-1564)

이탈리아 미켈란젤로 부오나로티는 1500년부터 시작된 르네상스의 마지막 국면인 친퀘첸토 에서도 르네상스의 가장 위대한 이름 중 하나이다.

줄리아노 부기아르두시(Giuliano Bugiardusi)가 1522년에 그린 미켈란젤로의 초상(Portrait of Michelangelo)

그는 표현의 모든 감수성과 손재주를 예술로 번역할 수 있었기 때문에 그 시대의 중요한 예술가였습니다.

이 사실은 당시의 또 다른 예술가인 Giorgio Vasari의 말에서 분명합니다.

이 특별한 사람의 아이디어는 인체에 ​​따라 작곡하는 것이었습니다. 그리고 그 완벽한 비율, 그 태도의 엄청난 다양성, 영혼의 열정과 고양의 총체성.

그의 예술적 경력은 일찍부터 시작되었습니다. 13세에 그는 도메니코 기를란다이오(Domenico Ghirlandaio)의 견습생이 되었습니다.그에게 프레스코화와 소묘의 기술적 개념을 가르친 사람. 그러나 호기심 많은 예술가는 Giotto, Massaccio 및 Donatello와 같은 다른 이름에서도 영감을 얻었습니다.

Michelangelo도 da Vinci와 마찬가지로 인체 해부학 연구에 전념했으며 심지어 시체를 분석하고 관찰에서 그림을 그렸습니다. 그는 특이한 각도에서 사람의 드로잉과 조각을 완벽하게 재현하는 심오한 신체 감정가가 되었습니다.

미켈란젤로는 장수하다가 1564년 88세의 나이로 사망했습니다. 그의 무덤은 이탈리아 플로렌스의 성십자가 교회에 있습니다.

미켈란젤로의 인체 표현 기술을 보여주는 가장 뛰어난 작품 중 하나는 피에타 .

조각품은 1499년에 대리석으로 제작되었으며 크기는 174 x 195cm이며 바티칸의 성 베드로 대성당에서 볼 수 있습니다.

Pietà (1499), by Michelangelo

여기서 보여지는 장면은 마리아가 죽은 아들 예수를 품에 안고 있는 순간이다. 신체는 정밀하게 표현됩니다.

작가는 단단한 대리석을 인상적이고 조화로운 방식으로 근육, 정맥 및 얼굴 표정의 표현으로 변환했습니다.

기타이 작품의 특징은 르네상스 작품에서 흔히 볼 수 있는 피라미드 모양의 구성입니다.

이러한 이유로 이 작품은 다비드 와 함께 그의 가장 잘 알려진 작품 중 하나입니다. 시스티나 성당 은 거장의 손으로 만들어진 르네상스 문화의 아이콘이 되었습니다.

3. 라파엘 산치오(1483-1520)

라파엘 산치오는 이탈리아 움브리아 지역에서 유명한 거장 피에트로 페루지노의 작업실에서 공부하면서 재능을 발휘한 예술가입니다.

그는 모양, 색상 및 구성의 균형과 같은 르네상스 회화의 몇 가지 특성을 성공적으로 개발한 예술가로서 대칭을 작업의 중요한 지점으로 보고 있습니다.

자아 1506년경의 초상화

1504년경 미켈란젤로와 다빈치가 예술적 전환을 이룬 피렌체에 도착한다. 그러나 라파엘은 겁먹지 않고 그림에 대한 지식을 심화시켰습니다.

그 화가는 성모 마리아(마돈나)의 이미지를 많이 그린 것으로 유명해졌습니다. 이 캔버스들은 화가의 개성처럼 달콤함과 즉흥성을 지니고 있습니다.

한때 라파엘로가 로마에 초대받았고 그곳에서 교황 율리우스 2세의 요청으로 바티칸을 위해 많은 작업을 수행했습니다. , 나중에 Leo X.

Rafael Sanzio는 1520년 37세의 나이로 그의 생일인 4월 6일에 사망했습니다.

그 작품 중 하나는그의 작품에서 눈에 띄는 것은 아테네 학당 (1509-1511)이다. 770 x 550cm 패널이 의뢰되었으며 바티칸 궁전에서 볼 수 있습니다.

아테네 학당 (1509-1511), 라파엘 작

이 장면은 플라톤과 아리스토텔레스와 같은 그리스의 지식인과 철학의 여러 인격이 존재하는 장소를 보여주며 르네상스 시대에 존재하는 고전 문화에 대한 감상을 강조합니다.

이 작품의 또 다른 중요한 점은 원근감과 깊이의 개념에 대한 뛰어난 숙달을 묘사하여 환경이 표시되는 방식.

작가에 대한 자세한 내용은 다음을 참조하십시오. Rafael Sanzio: 주요 작품 및 전기.

4. Donatello (1386?-1466)

본명이 Donato di Niccoló di Betto Bardi인 Donatello는 피렌체 지역 출신의 예술가로 당대 가장 유명한 조각가 중 한 명으로 여겨집니다.

중세에 흔히 볼 수 있는 고딕 미술의 특징에서 탈피하여 콰트로첸토 (15세기) 시대에 중요한 예술적 변혁을 주도하기도 했습니다.

이탈리아 델리 우피치 미술관에 위치한 도나텔로를 대표하는 조각품

그의 작품을 통해 도나텔로의 엄청난 상상력은 물론 조각으로 움직임의 사상을 전달하는 능력을 엿볼 수 있다. 확고하고 활기차게 남아있는 동안.

그는 성인의 조각상을 많이 만들었습니다.르네상스 시대의 특징인 인간적인 분위기를 불어넣은 성서 속 인물들.

대리석과 청동 등의 재료를 사용하여 인체와 몸짓의 표현이 뛰어난 작품을 제작했다.

그는 일생 동안 인정을 받았고 1466년 피렌체에서 세상을 떠났고 그곳에 묻혔습니다.

그의 가장 주목할만한 작품 중 하나는 David 로, 1444년에서 1446년 사이에 청동으로 제작되었습니다. 이 작품은 다윗이 거인 골리앗을 처형하는 성경 구절을 나타냅니다.

David (1446), by Donatello

이 고전 그레코로만 예술에서 영감을 받아 천 년 만에 처음으로 나체를 드러낸 작품이다. 작품에서 다윗은 양손에 칼과 돌을 들고 적의 머리를 발치에 둔 벌거벗은 청년으로 묘사된다.

도나텔로는 조각상에서 콘트라포스토라는 자원을 사용한다. , 발 중 하나에 그림을 놓고 몸의 나머지 부분에 무게의 균형을 맞추는 것으로 구성됩니다. 이러한 기교는 조형물에 더 큰 조화와 자연스러움을 보장합니다.

5. 산드로 보티첼리(Sandro Boticcelli, 1446-1510)

피렌체의 산드로 보티첼리는 15세기 화폭에 조화롭고 우아한 아우라를 전하는 중요한 화가였다.

이것은 아마도 동방 박사의 경배 (1485)

작품에서 보티첼리의 자화상신화적인, 고대의 고전 문화에서 영감을 받은 화가는 자신의 아름다움에 대한 이상을 드러냈습니다.

그가 그린 인물들은 어떤 우울함과 결합된 신성의 아름다움을 가지고 있습니다.

<비너스의 탄생> ( 나시타 디 베네레 )은 이러한 특징을 엿볼 수 있는 캔버스 중 하나로 아마도 보티첼리의 가장 두드러진 작품일 것이다.

비너스의 탄생 (1484), by Boticcelli

이 작품은 1484년에 구상되었으며 크기는 172.5 x 278.5cm이며 이탈리아의 Galleria degli Uffizi 컬렉션의 일부입니다. 사랑의 여신 비너스가 머리카락으로 성을 가린 채 껍데기에서 나오는 신화적 장면을 그린 작품이다.

이 작품은 메디치 가문의 부유한 후원자의 의뢰로 고요한 자세의 젊은 여성, 날개 달린 존재들에게 꽃비를 받으며 그녀에게 분홍색 망토를 건네는 소녀. 그리고 아름다운. 메인 인물의 길쭉한 목과 약간 처진 어깨와 같은 신체 구성상의 결함이 거의 눈에 띄지 않을 정도로 아름다움이 존재합니다.

6. 티치아노(1485-1576)

티치아노는 유명한 베네치아 르네상스 화가 중 한 사람이었습니다. 그의 출신 도시는 Cadore이지만 어린 시절 베니스에 살기 위해 갔고 그곳에서 그는 비밀을 배웠습니다.

1567년에 제작된 티치아노의 자화상

그는 그의 동시대 미켈란젤로가 그림을 그릴 수 있었던 것과 같은 기술로 색을 혼합하는 기술을 알고 있었기 때문에 평생 동안 큰 명성을 얻었습니다. .

그는 색을 현명하게 사용하여 구성의 일관성과 조화를 이루었습니다.

그런데 티치아노의 작품에서 구도는 기존에 존재했던 예술의 단절이라고 볼 수 있습니다. 생산되었습니다. 화가는 놀랍고 특이한 방식으로 그림에 요소를 삽입하기 시작했습니다.

그는 또한 인물의 생동감을 전달하는 능력과 표현력이 풍부하고 강력한 모습으로 표현되는 그의 초상화로 인정받았습니다.

그의 삶은 길었고 1576년 이탈리아 베네치아에서 당시 유럽을 휩쓸었던 흑사병으로 세상을 떠났다.

성모 승천 은 티치아노가 그의 위대한 참고서인 조르조네와 같은 다른 거장들의 영향에서 보다 독립적인 경력을 시작한 것과 함께 그의 뛰어난 작품 중 하나입니다.

The Assumption of the Virgin (1518), 티치아노 작

대형 패널은 1518년 산타 마리아 글로리오사 데이 프레이 대성당에 그려졌으며 사도들이 바라보는 가운데 하늘로 올라가는 성모 마리아를 묘사하고 있습니다.

장면을 비추는 빛은 천상의 아름다움이며 전체 구성은 관객의 시선이 아래에서 위로 향하도록 구성되어 있습니다.

7.