7 principali artisti rinascimentali e le loro opere più importanti

Il Rinascimento, che va dal XIV al XVII secolo, fu un periodo di grande effervescenza culturale in Europa e l'ambientazione di grandi maestri dell'arte come Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raffaello e Tiziano.

Il ruolo di questi artisti rinascimentali era essenziale affinché i valori e le idee dell'epoca (come la valorizzazione dell'uomo e della scienza) fossero trasmessi al pubblico in modo efficace e armonioso.

Per farlo, si sono avvalsi di risorse come la simmetria, l'equilibrio, la prospettiva e l'ispirazione all'ideale di bellezza classica della cultura greco-romana.

1. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo da Vinci può essere considerato il più celebre artista del Rinascimento italiano. Era quello che viene definito un polimatico, una persona con diverse abilità e conoscenze in vari campi dell'arte e della scienza.

La sua ricerca della conoscenza scientifica e la creazione di opere d'arte di estrema bellezza e perfezione lo elevano al rango di genio, ed è persino difficile capire come sia stata possibile una tale eccezionalità.

Ritratto di Leonardo da Vinci attribuito a Cosomo Colombini

Fu apprendista di un noto artista di nome Andrea del Verrochio, dove apprese le tecniche di pittura e scultura, la prospettiva e la composizione cromatica.

Da Vinci aveva sete di conoscenza e cercava risposte alle sue domande in modo pratico, indagando attraverso esperimenti, non solo con mezzi accademici.

Così, alla ricerca di una maggiore comprensione del corpo umano, dissezionò più di trenta corpi (compresi gli studi sulla crescita dei feti nel grembo materno), che gli permisero di ritrarre perfettamente la figura umana.

Svolse numerose ricerche in settori quali l'ingegneria, l'architettura, l'urbanistica, l'idraulica, la matematica, la geologia e la chimica, ma fu soprattutto nelle arti che si distinse.

I suoi studi miravano ad acquisire maggiori informazioni e padronanza della natura per poter svolgere la sua arte in modo più coerente.

In questo modo, l'artista ottenne un'enorme proiezione e riconoscimento nel Rinascimento, perché in quel periodo era in evidenza la valorizzazione della ragione, della scienza e dell'essere umano, che si manifestava nelle sue opere.

Da Vinci morì in Francia nel 1519 all'età di 67 anni. Si può dire che fu un genio incompreso, nonostante gli immensi riconoscimenti.

Monna Lisa ( La Gioconda È l'opera più famosa di Leonardo da Vinci e fa parte della collezione del Museo del Louvre in Francia. La piccola tela (77 x 56 cm) mostra l'immagine di una ragazza della regione di Firenze.

Monna Lisa (1503) di Leonardo da Vinci

L'opera colpisce per il suo realismo, l'armonia e l'atmosfera misteriosa. La giovane ragazza ha un volto molto intrigante che è stato oggetto di studio da parte di molti ricercatori, preoccupati di indagare quali emozioni vengono visualizzate sullo schermo.

La donna è ritratta con estrema armonia ed equilibrio, simboleggiando allo stesso tempo l'enigma dell'esistenza umana. Per questo motivo, è considerata la più grande opera d'arte del Rinascimento, poiché all'epoca queste caratteristiche erano molto apprezzate.

La tecnica utilizzata dall'artista era la sfumato (da lui sviluppato), in cui i gradienti di luce sono resi omogenei, dando un effetto di profondità più fedele. In seguito, questo metodo sarà utilizzato anche da altri artisti.

2. Michelangelo Buonarroti (1475-1564)

L'italiano Michelangelo Buonarroti è anche uno dei più grandi nomi del Rinascimento in Cinquecentto L'ultima fase del Rinascimento, che ha avuto luogo dal 1500 in poi.

Ritratto di Michelangelo dipinto da Giuliano Bugiardusi nel 1522

Fu un artista importante per l'epoca, in quanto seppe tradurre nella sua arte tutta la sensibilità e l'abilità nella rappresentazione dell'essere umano.

Il fatto è evidente nelle parole di Giorgio Vasari, un altro artista dell'epoca:

L'idea di quest'uomo straordinario era di comporre secondo il corpo umano e le sue perfette proporzioni, nella prodigiosa diversità dei suoi atteggiamenti e nella totalità delle passioni e delle esaltazioni dell'anima.

La sua carriera artistica iniziò presto: all'età di tredici anni fu apprendista del maestro Domenico Ghirlandaio, che gli insegnò le basi tecniche dell'affresco e del disegno. Tuttavia, il curioso artista cercò ispirazione anche in altri nomi come Giotto, Massaccio e Donatello.

Anche Michelangelo, come da Vinci, si dedicò alla ricerca sull'anatomia umana, analizzando cadaveri e disegnando sulla base delle sue osservazioni. Divenne un profondo conoscitore del corpo, riproducendo con perfezione disegni e sculture di persone con angolazioni insolite.

Realizzò opere in diversi linguaggi artistici, come la pittura, la scultura e l'architettura, e fu considerato talmente talentuoso da essere soprannominato Il Divino.

Michelangelo ebbe una lunga vita e morì nel 1564 all'età di 88 anni. La sua tomba si trova nella Chiesa di Santa Croce a Firenze, in Italia.

Una delle opere più importanti, che mostra l'abilità di Michelangelo nella rappresentazione di figure umane, è Pietà .

La scultura, realizzata nel 1499 in marmo, ha dimensioni di 174 x 195 cm e si trova nella Basilica di San Pietro in Vaticano.

Pietà (1499), di Michelangelo

Qui, la scena mostrata è il momento in cui Maria tiene tra le braccia il figlio Gesù, già senza vita, e i corpi sono mostrati con precisione.

L'artista è riuscito a trasformare il rigido marmo in rappresentazioni di muscoli, vene ed espressioni facciali in modo impressionante e armonioso.

Un'altra caratteristica notevole dell'opera è la composizione a forma di piramide, comune nelle opere del Rinascimento.

Per questo motivo, l'opera è una delle sue più conosciute e, insieme alla Davi e gli affreschi di Cappella Sistina , divenne un'icona della cultura rinascimentale realizzata dalle mani del maestro.

Raffaello Sanzio (1483-1520)

Rafael Sanzio fu un artista che dimostrò il suo talento quando ancora studiava nella bottega del famoso maestro Pietro Perugino, nella regione italiana dell'Umbria.

Fu un artista che sviluppò con grande successo alcune caratteristiche della pittura rinascimentale, come l'equilibrio delle forme, dei colori e della composizione, vedendo nella simmetria un punto importante su cui lavorare.

Raffaello Sanzio in un autoritratto del 1506 circa

Intorno al 1504 arrivò a Firenze, dove Michelangelo e Da Vinci avevano provocato grandi trasformazioni artistiche, ma Raffaello non si lasciò intimidire e approfondì la sua conoscenza della pittura.

L'artista era noto per aver dipinto molte immagini della Vergine Maria (le Madonne), tele che possiedono dolcezza e spontaneità, come la personalità del pittore.

A un certo punto, Raffaello fu invitato a Roma e lì realizzò molte opere per il Vaticano, su richiesta di papa Giulio II e poi di Leone X.

Rafael Sanzio morì nel 1520, a 37 anni, il giorno del suo compleanno, il 6 aprile.

Una delle opere che spicca nella sua produzione è La Scuola di Atene (Il pannello di 770 x 550 cm è stato commissionato ed è conservato nel Palazzo Vaticano.

La Scuola di Atene (1509-1511), di Raffaello

La scena mostra un luogo in cui sono presenti varie personalità dell'intellighenzia e della filosofia greca, come Platone e Aristotele, il che evidenzia l'apprezzamento della cultura classica presente nel Rinascimento.

Un altro punto importante di quest'opera è il modo in cui è stato visualizzato l'ambiente, che mostra una grande padronanza delle nozioni di prospettiva e profondità.

Per saperne di più sull'artista, leggi: Rafael Sanzio: opere principali e biografia.

4. donatello (1386?-1466)

Donatello, il cui nome di battesimo era Donato di Niccoló di Betto Bardi, era un artista dell'area fiorentina, considerato uno dei più celebri scultori del suo tempo.

È stato anche responsabile di importanti trasformazioni artistiche nella Quattrocento (XV secolo), in quanto si allontanava dalle caratteristiche dell'arte gotica, comune nel periodo medievale.

Scultura raffigurante Donatello, situata nella Galleria degli Uffizi, Italia

Attraverso le sue opere è possibile osservare l'enorme senso immaginativo di Donatello, così come la sua capacità di trasmettere l'idea di movimento nella scultura, pur rimanendo ferma e vigorosa.

Realizzò molte statue di santi e figure bibliche, conferendo loro un'atmosfera umana, come era tipico del Rinascimento.

Ha lavorato con materiali come il marmo e il bronzo, producendo opere che eccellono nella rappresentazione del corpo umano e dei gesti.

Ottenne il riconoscimento durante la sua vita e morì nel 1466 a Firenze, dove è sepolto.

Una delle sue opere più importanti è Davide L'opera rappresenta il passo biblico in cui Davide uccide il gigante Golia.

Davide (1446) di Donatello

È la prima opera a mostrare la nudità dopo un periodo di mille anni, ispirata all'arte classica greco-romana. Nell'opera, Davide è raffigurato come un giovane nudo che porta una spada e una pietra in ogni mano e ha la testa del suo nemico ai suoi piedi.

Donatello utilizza nella statua una risorsa chiamata contropposto, che consiste nel porre la figura in appoggio su un piede, mentre il peso è bilanciato sul resto del corpo. Questo artificio garantisce una maggiore armonia e naturalezza alla scultura.

5. sandro boticcelli (1446-1510)

Il fiorentino Sandro Boticcelli fu un importante artista del XV secolo che riuscì a trasmettere un'aura armoniosa e aggraziata sulle sue tele.

Si tratta probabilmente di un autoritratto di Boticcelli realizzato nell'opera Adorazione dei Magi (1485)

Attraverso la rappresentazione di scene bibliche o mitologiche, il pittore rivelava il suo ideale di bellezza, ispirato alla cultura classica dell'antichità.

Le figure che ritrae hanno la bellezza delle divinità unita a una certa malinconia.

La nascita di Venere ( Nascita di Venere ) è uno dei dipinti in cui si percepiscono queste caratteristiche, ed è forse il più importante di Boticcelli.

La nascita di Venere (1484) di Boticcelli

L'opera, concepita nel 1484, misura 172,5 x 278,5 cm e fa parte della collezione della Galleria degli Uffizi in Italia. Raffigura la scena mitologica dell'emersione della dea dell'amore, Venere, che emerge da una conchiglia mentre copre il suo sesso con i capelli.

L'opera, commissionata da un ricco mecenate della famiglia Medici, mostra la giovane donna in posizione serena, accolta con una pioggia di fiori da entità alate e da una ragazza che le offre un mantello rosa.

Nel dipinto possiamo osservare grazia e leggerezza, che traspaiono attraverso figure giovani e belle. La bellezza è così presente che quasi non si notano alcuni difetti in termini di composizione corporea, come il collo allungato e le spalle leggermente cadenti della figura principale.

Tiziano (1485-1576)

Tiziano fu uno dei più famosi pittori veneziani del Rinascimento. Nacque in Cadore, ma da bambino si trasferì a Venezia dove apprese i segreti della pittura.

Autoritratto di Tiziano, realizzato nel 1567

In vita ebbe grande fama, conoscendo l'arte di mescolare i colori con la stessa abilità con cui il suo contemporaneo Michelangelo conosceva il disegno.

Ha usato i colori con saggezza, ottenendo attraverso di essi coerenza e armonia nella composizione.

In effetti, la composizione nell'opera di Tiziano è qualcosa che va percepito come una rottura nell'arte che si stava producendo. Il pittore iniziò a inserire elementi nei suoi dipinti in modo sorprendente e insolito.

Ha avuto riconoscimenti anche grazie ai suoi ritratti e alla sua capacità di trasmettere il senso di vivacità delle persone, mostrate con sguardi espressivi e potenti.

La sua vita fu lunga e morì nel 1576 a Venezia, in Italia, vittima della peste che stava devastando l'Europa in quel periodo.

L'Assunzione della Vergine è una delle sue opere di spicco, poiché è con essa che Tiziano inizia una traiettoria più indipendente dall'influenza di altri maestri, come Giorgione, suo grande riferimento.

L'Assunzione della Vergine (1518) di Tiziano

La grande tavola fu dipinta nella Basilica di Santa Maria Gloriosa dei Frai nel 1518 e mostra la Vergine Maria che sale al cielo mentre gli apostoli la osservano.

La luce che inonda la scena è di una bellezza celestiale e l'intera composizione è realizzata in modo da dirigere lo sguardo del pubblico dal basso verso l'alto.

Tintoretto (1518-1594)

Jacopo Robusti, noto come Tintoretto, fu un pittore della seconda metà del XV secolo, appartenente al movimento noto come Manierismo.

Autoritratto di Tintoretto (1588)

L'artista ha notato una stanchezza nel modo in cui le forme e i colori erano stati presentati fino ad allora, con semplicità e bellezza, ma, a suo avviso, senza molta emozione.

Così, ha portato una maggiore carica drammatica ed espressiva alle scene che si proponeva di rappresentare, per lo più bibliche e mitologiche.

Utilizzava risorse come il forte contrasto tra luce e ombra, gesti e movimenti eccentrici e colori meno tenui, con l'obiettivo di creare tensione ed emozione nello spettatore, senza preoccuparsi troppo della tecnica.

A L'ultima cena L'opera raffigura la scena biblica in cui Gesù consuma l'ultimo pasto in compagnia dei suoi discepoli e risale al 1594, l'ultimo anno della sua vita.

L'ultima cena (1594) di Tintoretto

Questa composizione, di grandi dimensioni (3,65 m x 5,69 m), si trova a Venezia, nella Basilica di San Giorgio Maggiore.

I colori utilizzati dal pittore sono scuri e rivelano un'atmosfera cupa, mistica e drammatica. Possiamo dire che il gioco cromatico è un elemento essenziale per la comprensione del dipinto.

Inoltre, i personaggi hanno un'aura luminosa intorno ai loro corpi, soprattutto Gesù, che fornisce un grande contrasto e impatto visivo. Il tavolo della cena è posto in diagonale, portando un uso insolito della prospettiva tradizionale.

Gli elementi mostrati nel dipinto saranno poi ulteriormente sviluppati nel movimento successivo, il Barocco.

Riferimenti bibliografici:

• GOMBRICH, E. H. A história da arte. Rio de Janeiro: LTC - Livros Técnicos e Científicos.
• PROENÇA, Graça. Storia dell'arte, São Paulo: Editora Ática.