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La Renaissance, qui s'étend du XIVe au XVIIe siècle, est une période de grande effervescence culturelle en Europe et la naissance de grands maîtres de l'art tels que Léonard de Vinci, Michel-Ange, Raphaël et Titien.
Le rôle de ces artistes de la Renaissance était essentiel pour que les valeurs et les idées de l'époque (telles que la valorisation de l'homme et de la science) soient transmises au public de manière percutante et harmonieuse.
Pour ce faire, ils ont utilisé des ressources telles que la symétrie, l'équilibre, la perspective et se sont inspirés de l'idéal de beauté classique de la culture gréco-romaine.
1. Léonard de Vinci (1452-1519)
Léonard de Vinci peut être considéré comme l'artiste le plus célèbre de la Renaissance italienne. Il était ce que l'on appelle un polymathe, c'est-à-dire une personne possédant des compétences et des connaissances diverses dans différents domaines artistiques et scientifiques.
Sa quête de connaissances scientifiques et la création d'œuvres d'art d'une beauté et d'une perfection extrêmes l'élèvent au rang de génie, et il est même difficile de comprendre comment une telle exceptionnalité a été possible.
Portrait de Léonard de Vinci attribué à Cosomo Colombini
Il devient l'apprenti d'un artiste renommé, Andrea del Verrochio, où il apprend les techniques de la peinture et de la sculpture, la perspective et la composition chromatique.
De Vinci avait soif de connaissances et cherchait des réponses à ses questions de manière pratique, en enquêtant par le biais d'expériences, et pas seulement par des moyens académiques.
Ainsi, cherchant à mieux comprendre le corps humain, il dissèque plus de trente corps (y compris des études sur la croissance des fœtus dans l'utérus), ce qui lui permet de représenter parfaitement la figure humaine
Il a mené de nombreuses recherches dans des domaines tels que l'ingénierie, l'architecture, l'urbanisme, l'hydraulique, les mathématiques, la géologie et la chimie, mais c'est dans le domaine des arts qu'il s'est le plus distingué.
Ses études visaient à acquérir davantage d'informations et de maîtrise de la nature afin de pouvoir exercer son art de manière plus cohérente.
De cette manière, l'artiste a bénéficié d'une projection et d'une reconnaissance considérables à la Renaissance, car à cette époque, la valorisation de la raison, de la science et de l'être humain était évidente, ce qui s'est reflété dans son œuvre.
Mort en France en 1519 à l'âge de 67 ans, De Vinci est un génie incompris, malgré une immense reconnaissance.
Mona Lisa ( La Gioconda Il s'agit de l'œuvre la plus célèbre de Léonard de Vinci, qui fait partie de la collection du musée du Louvre en France. La petite toile (77 x 56 cm) représente l'image d'une jeune fille de la région de Florence.
Mona Lisa (1503) de Léonard de Vinci
L'œuvre impressionne par son réalisme, son harmonie et son atmosphère mystérieuse. La jeune fille a un visage très intrigant qui a fait l'objet d'études de la part de nombreux chercheurs, soucieux de déterminer quelles émotions sont affichées à l'écran.
La femme est représentée avec une harmonie et un équilibre extrêmes, symbolisant en même temps l'énigme de l'existence humaine. C'est pourquoi cette œuvre est considérée comme la plus grande œuvre d'art de la Renaissance, car ces caractéristiques étaient très appréciées à l'époque.
La technique utilisée par l'artiste est le sfumato (développée par lui), dans laquelle les gradients de lumière sont réalisés en douceur, ce qui donne un effet de profondeur plus fidèle. Plus tard, cette méthode sera également utilisée par d'autres artistes.
2. Michelangelo Buonarroti (1475-1564)
L'Italien Michelangelo Buonarroti est également l'un des plus grands noms de la Renaissance en Europe. Cinquecentto La dernière phase de la Renaissance, qui s'est déroulée à partir de 1500.
Portrait de Michel-Ange peint par Giuliano Bugiardusi en 1522
Il s'agit d'un artiste important pour l'époque, car il a su traduire dans son art toute la sensibilité et l'habileté dans la représentation de l'être humain.
Les propos de Giorgio Vasari, un autre artiste de l'époque, en témoignent :
L'idée de cet homme extraordinaire était de composer en fonction du corps humain et de ses proportions parfaites, dans la prodigieuse diversité de ses attitudes et la totalité des passions et des exaltations de l'âme.
Sa carrière artistique commence très tôt : à l'âge de treize ans, il est l'apprenti du maître Domenico Ghirlandaio, qui lui enseigne les bases techniques de la peinture à fresque et du dessin. Mais l'artiste curieux s'inspire aussi d'autres noms tels que Giotto, Massaccio et Donatello.
Michel-Ange, comme Vinci, se consacre à l'étude de l'anatomie humaine, analysant des cadavres et dessinant à partir de ses observations. Il devient un profond connaisseur du corps, reproduisant avec perfection des dessins et des sculptures de personnes sous des angles inhabituels.
Il a produit des œuvres dans différents langages artistiques, tels que la peinture, la sculpture et l'architecture, et était considéré comme si talentueux qu'on l'a surnommé "Le Divin".
Michel-Ange a eu une longue vie et est mort en 1564 à l'âge de 88 ans. Sa tombe se trouve dans l'église de la Sainte-Croix à Florence, en Italie.
L'une des œuvres les plus remarquables, qui témoigne de l'habileté de Michel-Ange à représenter des figures humaines, est la suivante Pietà .
La sculpture a été réalisée en 1499 en marbre et a des dimensions de 174 x 195 cm. Elle est visible dans la basilique Saint-Pierre au Vatican.
Pietà (1499), de Michel-Ange
Ici, la scène montrée est le moment où Marie tient son fils Jésus, déjà sans vie, dans ses bras. Les corps sont représentés avec précision.
L'artiste a réussi à transformer le marbre rigide en représentations de muscles, de veines et d'expressions faciales de manière impressionnante et harmonieuse.
L'œuvre se distingue également par sa composition en forme de pyramide, fréquente dans les œuvres de la Renaissance.
C'est pourquoi cette œuvre est l'une des plus connues de l'artiste et, avec elle, l'une des plus importantes de son histoire. Davi et les fresques de Chapelle Sixtine Il est devenu une icône de la culture de la Renaissance, fabriqué par les mains du maître.
Raphaël Sanzio (1483-1520)
Rafael Sanzio est un artiste qui a démontré son talent alors qu'il étudiait encore dans l'atelier du célèbre maître Pietro Perugino, dans la région italienne de l'Ombrie.
C'est un artiste qui a développé avec succès certaines caractéristiques de la peinture de la Renaissance, comme l'équilibre des formes, des couleurs et de la composition, voyant dans la symétrie un point important à travailler.
Raphaël Sanzio en autoportrait vers 1506
Vers 1504, il arrive à Florence, où Michel-Ange et De Vinci ont provoqué de grandes transformations artistiques, mais Raphaël ne se laisse pas intimider et approfondit ses connaissances en peinture.
L'artiste est connu pour avoir peint de nombreuses images de la Vierge Marie (les Madones). Ces toiles sont empreintes de douceur et de spontanéité, à l'image de la personnalité du peintre.
À un moment donné, Raphaël est invité à Rome et y réalise de nombreux travaux pour le Vatican, à la demande du pape Jules II, puis de Léon X.
Rafael Sanzio est mort en 1520, à l'âge de 37 ans, le jour de son anniversaire, le 6 avril.
L'une des œuvres les plus marquantes de sa production est la suivante L'école d'Athènes (Le panneau de 770 x 550 cm a été commandé et est conservé au Palais du Vatican.
L'école d'Athènes (1509-1511), de Raphaël
La scène montre un lieu où sont présentes diverses personnalités de l'intelligentsia grecque et de la philosophie, telles que Platon et Aristote, ce qui souligne l'appréciation de la culture classique présente à la Renaissance.
Un autre point important de cette œuvre est la mise en scène de l'environnement, qui témoigne d'une grande maîtrise des notions de perspective et de profondeur.
Pour en savoir plus sur l'artiste, lire : Rafael Sanzio : œuvres principales et biographie.
4. donatello (1386?-1466)
Donatello, de son vrai nom Donato di Niccoló di Betto Bardi, était un artiste de la région de Florence, considéré comme l'un des sculpteurs les plus célèbres de son époque.
Il a également été à l'origine d'importantes transformations artistiques dans le domaine de l'art contemporain. Quatre cents (XVe siècle), car il s'éloignait des caractéristiques de l'art gothique, courant à l'époque médiévale.
Sculpture représentant Donatello, située dans la Galleria degli Uffizi, Italie
À travers ses œuvres, il est possible d'observer l'énorme sens imaginatif de Donatello, ainsi que sa capacité à transmettre l'idée de mouvement dans la sculpture, tout en restant ferme et vigoureux.
Il a réalisé de nombreuses statues de saints et de personnages bibliques, en leur donnant une atmosphère humaine, typique de la Renaissance.
Il a travaillé avec des matériaux tels que le marbre et le bronze, produisant des œuvres qui excellent dans la représentation du corps humain et des gestes.
Il est reconnu de son vivant et meurt en 1466 à Florence, où il est enterré.
Voir également: Norberto Bobbio : vie et œuvreL'une de ses œuvres les plus remarquables est David La pièce représente le passage biblique dans lequel David exécute le géant Goliath.
David (1446) de Donatello
Cette œuvre, inspirée de l'art classique gréco-romain, est la première à montrer de la nudité après une période de mille ans. Dans cette œuvre, David est représenté comme un jeune homme nu portant une épée et une pierre dans chaque main et ayant la tête de son ennemi à ses pieds.
Donatello utilise dans la statue un moyen appelé counterpposto, qui consiste à placer le personnage en appui sur un pied, tandis que le poids est équilibré sur le reste du corps. Cet artifice assure une plus grande harmonie et un plus grand naturel à la sculpture.
5. sandro boticcelli (1446-1510)
Le Florentin Sandro Boticcelli est un artiste important du XVe siècle qui a su transmettre une aura harmonieuse et gracieuse sur ses toiles.
Il s'agit probablement d'un autoportrait de Boticcelli réalisé dans le cadre de l'œuvre Adoration des Mages (1485)
À travers la représentation de scènes bibliques ou mythologiques, le peintre révèle son idéal de beauté, inspiré de la culture classique de l'Antiquité.
Les personnages qu'il représente ont la beauté des divinités combinée à une certaine mélancolie.
La naissance de Vénus ( Naissance de Vénus ) est l'un des tableaux où l'on peut percevoir ces caractéristiques, et c'est peut-être le plus remarquable de Boticcelli.
La naissance de Vénus (1484) par Boticcelli
L'œuvre, conçue en 1484, mesure 172,5 x 278,5 cm et fait partie de la collection de la Galleria degli Uffizi en Italie. Elle représente la scène mythologique de l'émergence de la déesse de l'amour, Vénus, qui sort d'un coquillage en se couvrant le sexe avec ses cheveux.
L'œuvre a été commandée par un riche mécène de la famille Médicis et montre la jeune femme dans une position sereine, accueillie par une pluie de fleurs par des entités ailées et une jeune fille qui lui offre un manteau rose.
La beauté est si présente que l'on remarque à peine quelques défauts dans la composition du corps, comme le cou allongé et les épaules légèrement tombantes de la figure principale.
Titien (1485-1576)
Titien est l'un des célèbres peintres vénitiens de la Renaissance. Il est né à Cadore, mais, enfant, il s'est installé à Venise où il a appris les secrets de la peinture.
Autoportrait de Titien, réalisé en 1567
Il a connu une grande renommée de son vivant, connaissant l'art de mélanger les couleurs avec la même habileté que son contemporain Michel-Ange connaissait le dessin.
Il a utilisé les couleurs à bon escient, obtenant ainsi une cohérence et une harmonie dans la composition.
En effet, la composition dans l'œuvre de Titien est à percevoir comme une rupture dans l'art en train de se faire. Le peintre a commencé à insérer des éléments dans ses tableaux de manière surprenante et inhabituelle.
Il a également été reconnu pour ses portraits et sa capacité à transmettre le sens de la vivacité des gens, avec des regards expressifs et puissants.
Il mourut en 1576 à Venise, en Italie, victime de la peste qui ravageait l'Europe à cette époque.
L'Assomption de la Vierge est l'une de ses œuvres les plus remarquables, car c'est avec elle que Titien a commencé une trajectoire plus indépendante de l'influence d'autres maîtres, comme Giorgione, sa grande référence.
L'Assomption de la Vierge (1518) de Titien
Le grand panneau a été peint dans la basilique de Santa Maria Gloriosa dei Frai en 1518 et montre la Vierge Marie montant au ciel sous le regard des apôtres.
La lumière qui baigne la scène est d'une beauté céleste et toute la composition est faite de manière à diriger le regard du public de bas en haut.
Tintoret (1518-1594)
Jacopo Robusti, connu sous le nom de Tintoret, est un peintre de la seconde moitié du XVe siècle, appartenant à un mouvement connu sous le nom de maniérisme.
Voir également: Nouvelle Vague : histoire, caractéristiques et films du cinéma français
Autoportrait du Tintoret (1588)
L'artiste a constaté une certaine lassitude dans la manière dont les formes et les couleurs étaient présentées jusqu'alors, avec simplicité et beauté, mais, selon lui, sans grande émotion.
Il apporte ainsi une charge plus dramatique et expressive aux scènes qu'il se propose de représenter, essentiellement bibliques et mythologiques.
Il utilise des moyens tels que le contraste saisissant entre l'ombre et la lumière, des gestes et des mouvements excentriques, des couleurs plus discrètes... Son objectif est de créer une tension et une émotion chez le spectateur, sans se préoccuper outre mesure de la technique.
Au Le dernier repas L'œuvre représente la scène biblique où Jésus prend son dernier repas en compagnie de ses disciples et date de 1594, la dernière année de sa vie.
Le dernier repas (1594) du Tintoret
Cette composition a de grandes dimensions (3,65 m x 5,69 m) et se trouve à Venise, dans la basilique de San Giorgio Maggiore.
Les couleurs utilisées par le peintre sont sombres et révèlent une atmosphère sombre, mystique et dramatique. On peut dire que le jeu chromatique est un élément essentiel pour la compréhension du tableau.
De plus, les personnages ont une aura lumineuse autour de leur corps, en particulier Jésus, ce qui donne un grand contraste et un impact visuel. La table du souper est placée en diagonale, ce qui apporte une utilisation inhabituelle de la perspective traditionnelle.
Les éléments représentés dans le tableau seront ensuite développés dans le mouvement suivant, le baroque.
Références bibliographiques :
- GOMBRICH, E. H. A história da arte, Rio de Janeiro : LTC - Livros Técnicos e Científicos.
- PROENÇA, Graça, Histoire de l'art, São Paulo : Editora Ática.
