Marina Abramović: a művész 12 legfontosabb alkotása

Marina Abramović (1946) az egyik legnagyobb név a Performansz művészet (vagy performanszművészet) világában, miután az 1970-es években kezdte pályafutását, és nagy sikereket ért el.

Munkája, a úttörő és gyakran ellentmondásos , az egyik legjelentősebb és legmédiabarátabb előadóművésszé tette őt, felkeltve a nagyközönség érdeklődését egy olyan művészeti ág iránt, amelyet még nem nagyon ismertek.

Hozzájárulása az előadás világához és annak nyelvéhez felbecsülhetetlen, és néhány műve igazi referenciává vált.

1. Ritmus 10 (1973)

Ez az előadás volt az első a sorozatban Ritmusok Edinburgh-ban a művésznő több kést helyezett maga elé, és egyfajta játékot rendezett velük.

Marina egyszerre csak egy kést fogott, és gyorsan végigfuttatta a pengét az ujjai között. Minden alkalommal, amikor elvétette és megvágta a kezét, kést váltott, és újra kezdte, megpróbálva újra elkövetni ugyanazokat a hibákat.

Hivatkozás olyan témák, mint a rituálé és az ismétlés , a előadó a testét potenciálisan kockázatos helyzetbe hozta a közönség előtt, és ezt többféleképpen is megismételné.

2. Ritmus 5 (1974)

Újratesztelés a fizikai és szellemi korlátok A belgrádi Diákközpontban a padlóra egy nagy, égő csillag alakú fa szerkezetet helyezett, amelynek közepén egy űr volt.

Miután levágta a haját és a körmeit, és a tűzbe dobta őket, metaforák a megtisztulás és felszabadulás a múltat, Marina a csillag középpontjába helyezte magát.

A gőzök belélegzése miatt elvesztette az eszméletét, ezért el kellett távolítani a show-ból, és meg kellett szakítani az előadását.

3. Ritmus 0 (1974)

Ritmus 0 A nápolyi Galleria Studio Morra galériában 72 tárgyat helyezett el egy asztalon és a nyilvánosság számára elérhetővé tette magát 6 órán keresztül.

Különböző eszközökkel, például virággal, tollakkal, késekkel, festékekkel, láncokkal és még egy töltött lőfegyverrel is, utasításokat hagyott hátra, figyelmeztetve, hogy a a közönség azt csinálhatott, amit akart vele ez idő alatt.

Marinát levetkőztették, lefestették, lehorzsolták, és még egy pisztolyt is a fejéhez szegeztek. Testét ismét a végletekig igénybe véve problematizálta a emberi pszichológia és hatalmi viszonyok , ami egy dermesztő elmélkedést közvetít arról, hogy milyen módon kapcsolódunk egymáshoz.

4. A MŰVÉSZETNEK SZÉPNEK KELL LENNIE, A MŰVÉSZNEK SZÉPNEK KELL LENNIE (1975)

A videóelőadásra a dániai Koppenhágában került sor, és a következő előadók szerepeltek benne a haját hevesen fésülgető művész Ebben az időszakban, a fájdalom növekvő kifejezésével és hanglejtésével Marina megismételte a mű nevét: "A művészetnek szépnek kell lennie, a művésznek szépnek kell lennie".

A mű transzgresszív, és felismerhetjük feminista jellegét, ha figyelembe vesszük, hogy egy nőtől származik az 1970-es években, amikor a női testet még mindig erősen tárgyiasították.

A fájdalomról és a szépség fogalmáról is gondolkodva Abramović elgondolkodik a szépségszabványok a kultúránkban.

5. in Relation in Time (1977)

A munkát a következő év elején végezték partnerség a német Ulay előadóval akivel 12 éven át romantikus kapcsolatot ápolt és alkotott.

Az olaszországi Bolognában, a Studio G7-ben kiállított alkotáson a két művész 17 órán át ül egymásnak háttal, a hajuknál fogva kapcsolódnak egymáshoz .

Ez a fizikai és szellemi állóképesség tesztje, amely egyensúlyt és harmóniát keresett, olyan kérdésekre gondolva, mint az idő, a fájdalom és a fáradtság.

6. Breathing In/Breathing Out (1977)

Az eredetileg Belgrádban bemutatott műben a páros ismét együtt jelenik meg, a földön térdelve. Marina és Ulay cigarettafilterrel eltakart orral és egymáshoz tapadt szájjal, a két férfi ugyanazt a levegőt szívták Egyikből a másikba mentem át.

19 perc elteltével a párnak elfogyott az oxigénje, és az ájulás szélére kerültek. A gyötrelem és a fulladás érzése mellett az előadás olyan témákra is reflektál, mint például szerelmi kapcsolatok és kölcsönös függőség .

7. AAA-AAA (1978)

Szintén térdre ereszkedve, ebben a műben Ulay és Marina Egymás szemébe néztek, és azt kiáltották. egyre magasabbra és magasabbra, mintha egymást próbálnák felülmúlni.

Az előadás körülbelül 15 percig tartott, és úgy ért véget, hogy ők ketten gyakorlatilag egymás szájába üvöltöttek. Úgy tűnik, ez egy metafora volt a kihívásokról és a nehézségek egy kapcsolatban bajban.

8. nyugalom Energia (1980)

A társak ismét együtt hozták létre ezt a mindössze 4 perces művet, amelyet Amszterdamban mutattak be. Marina és Ulay testük súlyával, testük súlyával egy nyílvessző kiegyensúlyozása amely az előadó szívét célozta meg.

Mindketten mikrofonokat viseltek a mellkasukon, amelyek a pillanatnyi szorongással egyre gyorsuló szívverésüket reprodukálták. Ez a mű a kölcsönös bizalom Amely Abramović bevallása szerint pályafutása egyik legnehezebbje volt.

9. A szerelmesek (1988)

Rendkívül szimbolikus és megható, A szerelmesek jelöli a a művészi partnerség és szerelem vége Amikor 12 év együttélés után úgy döntöttek, hogy végleg elválnak, ezt az utolsó művet alkották meg.

Mindegyikük az egyik oldalról indult Kínai Nagy Fal Ott elbúcsúztak, és a maguk útját járták, ezzel életüknek ez a szakasza véget ért.

10. Spirit Cooking (1996)

Egy olasz galériában bemutatott, kisebb méretű mű, Spirit főzés a mai napig vitákat vált ki. előadás versekkel és szakácskönyvekkel Marina disznóvérrel írt néhány "receptet" a falakra.

A művet később könyv alakban is megszerkesztették. 2016-ban, az Amerikai Egyesült Államok elnökválasztása során a a mű ismét "reflektorfénybe került". Egy állítólagos e-mailváltás Marina és egy Hillary Clinton kampányának dolgozó személy között azt a pletykát keltette, hogy mindketten sátánisták, és a könyv jelzései szerint rituálékat tartanak.

11. Hét könnyű darab (2005)

Bemutatták a New York-i Guggenheim Múzeumban, Hét könnyű darab olyan előadások sorozata volt, amelyek meghatározták vagy befolyásolták pályafutását és Marina úgy döntött, hogy újraalkotja, sok évvel később .

Amellett, hogy két művét is tartalmazza, Abramović is más művészek műveinek reprodukálása és újraalkotása mint Bruce Nauman, Vito Acconci, Valie Export, Gina Pane és Joseph Beuys.

12. A művész jelen van (2010)

A művész jelen van vagy A művész jelen van volt egy hosszú távú előadás, amely a MoMA-ban zajlott a New York-i Modern Művészetek Múzeumában.

A kiállítás három hónapja alatt, amely egy retrospektív kiállítás volt, és amely az egész múzeumot elfoglalta, Marina jelen volt, és összesen 700 órányi performatív munkát végzett. Egy széken ülve, szemtől szemben állt a nézőkkel akik egyenként akartak vele egy pillanatnyi csendet tartani.

Egy felejthetetlen pillanat (a fenti képen) volt a Ulay megjelenése Ők ketten elérzékenyültek, kézen fogták egymást, és együtt sírtak, annyi évvel a különválásuk után.

Elképesztő, ahogyan látszólag az arckifejezésükön és a gesztusaikon keresztül kommunikálnak, még szavak nélkül is. A hátborzongató epizódot videóra is vették, és nagyon népszerűvé vált az interneten. Nézd meg alább:

Ki az a Marina Abramović? Rövid életrajz

Az önjelölt "előadás nagymamája" 1946. november 30-án született Belgrádban, az egykori Jugoszláviában, a mai Szerbia fővárosában. Szülei kommunisták voltak, a második világháború hősei, később kormányzati tisztségeket töltöttek be.

Marinát hatéves koráig a rendkívül vallásos nagymamája nevelte, és már gyermekkorában nagy érdeklődést mutatott a művészet iránt. Szüleitől kapott egy szigorú nevelés , a katonai stílus, amely a jelek szerint egész életében a felszabadulás különböző formáinak keresésére ösztönözte a művészt.

Abramović 1965 és 1970 között a belgrádi Képzőművészeti Akadémián tanult, majd Horvátországban posztgraduális tanulmányokat folytatott. 1971-ben feleségül vette Neša Paripović konceptuális művészt, akivel 5 évig együtt éltek.

Miután bemutatta a első munkái szülővárosában és elváltak, a művész végül Hollandiába költözött. Ekkor történt, hogy találkoztam Ulay-val, egy német tenyésztő, akinek igazi neve Uwe Laysiepen volt. Több mint egy évtizeden át volt nagy társa a szerelemben és a művészetben egyaránt.

Előadóművészi karrierje mellett Abramović a következőkkel is foglalkozott előadásokat tartott több ország egyetemein: Útja filantrópként és filmrendezőként is vezetett.

A Creator of body art amely a a test mint jármű vagy támasz Több alkalommal a nézőket is meghívta, hogy vegyenek részt az előadásokban, és olyan kérdéseket dolgozott fel, mint például a művész és a közönség közötti kapcsolat .

A művésznő munkássága egyre nagyobb nemzetközi hírnévre tett szert, a közönség nagy része számára a "performansz arca" lett. Népszerűsége a MoMA 2010-es retrospektív kiállításával ismét nőtt, amely végül a dokumentumfilm rendező: Matthew Akers.

Nézze meg a utánfutó az alábbiakban:

Ismerje meg a következőket is