Marina Abramović: konstnärens 12 viktigaste verk

Marina Abramović (1946) är ett av de största namnen inom Konst föreställning (eller performancekonst) världen, efter att ha påbörjat sin karriär på 1970-talet och nått stor framgång.

Hans arbete, från banbrytande och ofta kontroversiell gjorde henne till en av de viktigaste och mest medievänliga artisterna hittills och väckte allmänhetens intresse för en konstform som ännu inte var så välkänd.

Hans bidrag till scenkonstvärlden och dess språk är oöverskådligt, och vissa av hans verk har blivit verkliga referenser.

1. Rhythm 10 (1973)

Denna föreställning var den första i serien Rytmer I Edinburgh placerade konstnären flera knivar framför sig och iscensatte ett slags spel med dem.

Marina tog en kniv i taget och körde bladet snabbt genom utrymmet mellan fingrarna. Varje gång hon missade och skar sig i handen bytte hon kniv och började om igen, för att försöka göra samma misstag.

Hänvisning till teman som ritual och upprepning , a artist satte sin kropp i en potentiellt riskfylld situation inför publiken, något som han skulle göra igen på olika sätt.

2. Rhythm 5 (1974)

Omprövning av din fysiska och psykiska gränser I studentcentret i Belgrad placerade hon på golvet en stor träkonstruktion i form av en brinnande stjärna med ett utrymme i mitten.

Efter att ha klippt sitt hår och sina naglar och kastat dem i elden, metaforer för den rening och befrielse Marina placerade sig själv i stjärnans centrum.

När hon andades in rökgaserna förlorade hon medvetandet och fick avlägsnas från föreställningen och hennes uppträdande avbröts.

3. Rhythm 0 (1974)

Rytm 0 På Galleria Studio Morra i Neapel placerade hon 72 föremål på ett bord och gjort sig tillgänglig för allmänheten under en period av 6 timmar.

Med olika instrument som en blomma, pennor, knivar, färger, kedjor och till och med ett laddat skjutvapen lämnade han instruktioner som varnade för att publiken kunde göra vad den ville med henne under denna tid.

Marina blev avklädd, målad, skadad och fick till och med en pistol riktad mot sitt huvud. mänsklig psykologi och maktförhållanden , som ger en skrämmande reflektion över hur vi har kontakt med varandra.

4. KONSTEN MÅSTE VARA VACKER, KONSTNÄREN MÅSTE VARA VACKER (1975)

Videoframträdandet ägde rum i Köpenhamn, Danmark, och medverkade konstnär som borstar sitt hår våldsamt Under denna period upprepade Marina, med ett växande uttryck och en ökande smärta, verkets namn: "Konsten måste vara vacker, konstnären måste vara vacker".

Verket är transgressivt och vi kan identifiera dess feministiska karaktär, med tanke på att det kom från en kvinna på 1970-talet, som fortfarande präglades av en stark objektifiering av kvinnokroppen.

Abramović funderar på smärta och även på begreppet skönhet, och reflekterar över den skönhetsnormer som finns i vår kultur.

5. i Relation in Time (1977)

Arbetet utfördes i början av samarbete med det tyska artisten Ulay med vilken hon hade en romantisk relation och skapade konst i 12 år.

Verket, som ställdes ut på Studio G7 i Bologna, Italien, visar hur de två konstnärerna sitter rygg mot rygg i 17 timmar, som är fästade vid varandra i håret .

Det är ett fysiskt och mentalt uthållighetstest där man strävar efter balans och harmoni och tänker på frågor som tid, smärta och trötthet.

6. Breathing In/Breathing Out (1977)

I verket, som ursprungligen visades i Belgrad, framträder paret återigen tillsammans på knä på golvet, med näsorna täckta av cigarettfilter och munnen klistrad mot varandra, Marina och Ulay andades samma luft Jag gick från den ena till den andra.

Efter 19 minuter fick paret slut på syre och höll på att svimma. Förutom känslan av ångest och kvävning verkar föreställningen reflektera över teman som Kärleksrelationer och ömsesidigt beroende. .

7. AAA-AAA (1978)

Ulay och Marina står också på knä i detta verk. De såg varandra i ögonen och ropade högre och högre, som om de försökte överträffa varandra.

Föreställningen varade ungefär 15 minuter och slutade med att de två praktiskt taget skrek in i varandras munnar. Detta verkar vara en metafor för de utmaningar och den svårigheter i ett förhållande orolig.

8. Rest Energy (1980)

Tillsammans skapade de återigen detta verk som bara varade i fyra minuter och som presenterades i Amsterdam, Tyskland. Med sina kroppars tyngd skapade Marina och Ulay balansera en pil som var riktad mot artistens hjärta.

Båda bar mikrofoner på bröstet som replikerade deras hjärtslag, som accelererade alltmer i takt med stundens ångest. ömsesidigt förtroende Abramović erkände att det var en av de svåraste i hans karriär.

9. The Lovers (1988)

Mycket symboliskt och rörande, De älskande markerar den slutet på ett konstnärligt partnerskap och en kärleksaffär När de bestämde sig för att separera för gott, efter 12 års samliv, skapade de detta sista verk.

Var och en av dem började från en sida av Kinesiska muren Där tog de farväl och gick sina respektive vägar, vilket markerade slutet på den etappen i deras liv.

10. Spirit Cooking (1996)

Ett mindre verk som presenteras i ett italienskt galleri, Matlagning med andevärlden fortsätter att skapa kontroverser än i dag. Att kombinera föreställning med poesi och kokböcker Marina skrev några "recept" med grisblod på väggarna.

Arbetet redigerades senare i bokformat. 2016, under presidentvalet i USA, var det verket är återigen "i rampljuset". En påstådd e-postväxling mellan Marina och en person som arbetade för Hillary Clintons kampanj gav upphov till ett rykte om att de båda var satanister och skulle utföra ritualer enligt boken.

11. Seven Easy Pieces (2005)

Visas på Guggenheim-museet i New York, Sju enkla bitar var en serie föreställningar som präglade eller påverkade hans karriär och Marina valde att återskapa, många år senare .

Förutom två av sina verk har Abramović också medtagit följande reproducerat och återupptäckt verk av andra konstnärer som Bruce Nauman, Vito Acconci, Valie Export, Gina Pane och Joseph Beuys.

12. konstnären är närvarande (2010)

Konstnären är närvarande eller . Konstnären är närvarande var en en långsiktig föreställning som ägde rum på MoMA Museum of Modern Art i New York.

Under de tre månader som utställningen pågick, som var en retrospektiv utställning av hennes verk och som upptog hela museet, var Marina närvarande och lade sammanlagt 700 timmars performativt arbete bakom sig. Hon satt på en stol, stod ansikte mot ansikte med åskådarna som en i taget ville dela en tyst minut med henne.

Ett oförglömligt ögonblick (bilden ovan) var den uppkomst av Ulay De två blev känslosamma, höll varandra i handen och grät tillsammans, så många år efter att de hade separerat.

Det är otroligt hur de verkar kommunicera genom sina ansiktsuttryck och gester, även utan att utbyta ord. Den skrämmande episoden spelades också in på video och har blivit mycket populär på internet. Kolla in den nedan:

Vem är Marina Abramović? Kort biografi

Den självutnämnda "performanceens mormor" föddes den 30 november 1946 i Belgrad, före detta Jugoslavien och numera Serbiens huvudstad. Hennes föräldrar var kommunister och hjältar under andra världskriget och innehade senare regeringsposter.

Marina uppfostrades av sin mycket religiösa mormor tills hon var sex år gammal, och redan i barndomen visade hon ett stort intresse för konst. sträng uppfostran , av den militära stilen, som verkar ha påverkat konstnären att söka olika former av frigörelse under hela sitt liv.

Abramović studerade vid Belgrad Academy of Fine Arts 1965-1970 och gjorde forskarstudier i Kroatien. 1971 gifte han sig med Neša Paripović, en konceptuell konstnär, som han var tillsammans med i fem år.

Efter att ha presenterat första arbeten i sin hemstad och skilde sig, flyttade konstnären till slut till Nederländerna. Det var då som träffade Ulay, En tysk uppfödare som egentligen hette Uwe Laysiepen och som var hennes stora följeslagare, både i kärlek och konst, i mer än ett decennium.

Utöver sin karriär som artist har Abramović också gett föreläsningar vid universitet i flera länder: Hennes väg har också lett henne till att arbeta som filantrop och filmregissör.

Skapare av kroppskonst som använder sig av kroppen som fordon eller stöd Vid flera tillfällen bjöd hon också in åskådaren att delta i föreställningarna och arbetade med frågor som t.ex. förhållandet mellan konstnären och allmänheten .

Konstnärens verk gjorde henne alltmer känd internationellt och hon blev "performanceens ansikte" för en stor del av allmänheten. Hennes popularitet ökade igen i samband med den retrospektiva utställningen på MoMA 2010, som så småningom blev en dokumentärfilm i regi av Matthew Akers.

Kolla in den släpvagn nedan:

Lär dig också känna